Las visiones interiores de Stevie Wonder

 

Siempre ha existido una cierta alergia entre los melómanos, especialmente los del lado mas jazzero, a la palabra POP. Me puedo incluir fácilmente entre aquellos, pero recientemente me he dado cuenta de que se puede hacer buena música, vendiendo millones de discos y ganando todo premio que se cruce por delante. ¿En qué me soporto para decir tal afirmación, para muchos aberrante? Dos palabras señores, STEVIE WONDER.

Stevie Wonder, así es, ese músico que muchos conocen más por su ceguera o los chistes en torno a esta, que por su música. Nacido como Stevland Hardaway (cáchense el nombrecito, como no ser artista), deslumbró a temprana edad a los ejecutivos de Tamla (Motown) contratándolo a la corta edad de 12 años, bajo el pseudónimo “Little Stevie Wonder”, del cual posteriormente el músico extraería el “pequeño” conservando su nombre artístico. No les voy a dar la lata con su biografía, aunque les recomiendo que la lean (está llena de historias interesantes, como que estuvo a punto de morir en un choque, quedó en coma y respondía moviendo sus dedos sólo cuando su mánager le cantaba al oído la letra de “Higher Ground”, luego de un tiempo despertó pero perdió el sentido del olfato, contando así con solo tres de los cinco para el resto de su vida).

Sólo para que sepan de qué les hablo, Wonder es multi-instrumentalista (por lo que sé toca teclados, armónica [como pocos], bajo eléctrico, y batería), es reconocido mundialmente como uno de los compositores mas importantes de la música popular norteamericana, y cuenta con una voz privilegiada. Firmó en los 70s un contrato millonario, el mayor hasta esa época, por 13 millones de dólares por 5 años con Motown. Cuenta con 22 Grammys, un Óscar, y una larga historia de números uno en el Billboard norteamericano y británico. Destaca también el contexto social de su música, en la cual impregna su preocupación por los derechos civiles, sobre todo en la entonces discriminada minoría afro-americana.

¿A qué suena Stevie Wonder?, ¿A quién se parece Stevie Wonder? Simplemente, a nadie. Creó su propio estilo de hacer música popular (como su maestro e inspiración Ray Charles) llevándolo a ser uno de los grande innovadores de la música negra. Personalmente considero que es un ejemplo de vida, que demuestra que los impedimentos físicos son sólo un obstáculo en el camino, pero que con talento y esfuerzo son ampliamente superables.

Este tipo tiene un DISCAZO con mayúsculas, que es “Innervisions” del ’73. No acostumbro a subir discos pero haré una excepción ya que creo que es una pieza de música que es casi un patrimonio de la humanidad, uno de esos discos “de isla desierta”. Escuchen también “Songs in the key of Life” y “Fulfillingness' First Finale”, que componen junto al ya nombrado el llamado periodo clásico de Wonder, sin duda el mejor del músico.

Bájelo, no sea…

Bueno, si aún no se animan, les dejo dos temitas para que se tienten. Para los mas “puristas” les va uno que compuso en honor a Duke Ellington y que aparece en “Songs in the…”, Sir Duke. Y una de mis favoritas, Living for the City, de “Innervisions”. Además un par de videitos con sus amiguis, Tony Bennet y Ray Charles.

Señoras y señores, esto es buena música sin apellidos, sólo con un nombre: Stevie Wonder.

Comentario de Discos: Hiromi Uehara - Time Control

 Japón, y en general los países orientales, se han caracterizado por entregar músicos técnicamente muy avanzados pero que a menudo dejan mucho que desear en cuanto a improvisación y swing, ambas características tan propias del jazz, y razón por la cual quizás no hay muchos jazzistas conocidos en occidente proveniente de esas latitudes. Hiromi Uehara es la gran excepción.

Criada primero como pianista clásica, fue un encuentro con Chick Corea cuando ella tenía sólo 17 años lo que cambió definitivamente su switch hacia el jazz. Poco después viajaría a la prestigiosa escuela de Berklee en Boston, EEUU, para desarrollar sus cualidades como pianista y compositora.

Su primer disco fue una verdadera revelación para el mundillo del jazz y la colocó como la virtuosa más importante dentro de su instrumento en el estilo (por favor, nadie nombre a Diana Krall o Norah Jones). Su ópera prima, Another Mind (2003), es un fantástico disco en donde demuestra de forma sensacional sus grandes dotes como pianista, pero aún más, las alucinantes composiciones que esta tímida asiática de entonces sólo 23 años fue capaz de realizar. Composiciones que tanto en calidad como en rapidez, quizás se pueden esperar de músicos con vasta experiencia en el género. Luego vendría un disco con tonalidades funkys, Brain (2004), y otro más centrado en la balada jazz, Spiral (2005), ambos de también calidad superior.

Time Control (2007), al igual como pasa con los tres anteriores, es absolutamente distinto. Mucho más centrado en la precisión y la sincronización entre los músicos (quizás de ahí su nombre), tiene un formato que lo puede acercar más a la experimentación progresiva (Time Difference, Time Control), aunque también destacan bellas baladas en donde la guitarra del maestro David Fiuczynski se encarga de entregar virtuosos solos (Time Travel). Es un disco fresco, en donde la pianista demuestra una faceta menos purista que en sus anteriores esfuerzos, y en donde se consolida como una talentosa compositora, con grandes capacidades creadoras (no olvidemos que prácticamente desde el 2003 viene sacando un disco por año, algo poco usual en el jazz).

Además de la estrella que es Hiromi, la calidad de estos cuatro discazos no sería posible de no ser por los tremendos músicos que la acompañan. En la batería aparece Martin Valihora, músico eslovaco (también de las aulas del Berklee) que puede ir desde una ametralladora a la Deniss Chambers, hasta una sensibilidad mucho más bop cuando las baladas lo precisen. En el bajo un inglés con mucho groove y rapidez de ejecución, pero nunca tan astringente como un Victor Wooten, como buen británico mantiene una elegancia característica. Finalmente, el ya nombrado David “Fuze” Fiuczynski, maestro de las seis cuerdas de bastante bajo perfil pero muy apreciado por los otros guitarristas (tiene un disco en donde Medeski, Martin & Wood hacen de su banda de soporte, algo más que decir?).

En resumen, Hiromi Uehara es una jazzista con talento desbordante, que con sus ya cuatro discos, cada uno diferente del otro pero iguales en virtuosismo, trae vientos de cambio al jazz fusión, y amenaza con convertirse en una tormenta.

Para que la cosa sea justa y puedan apreciar la variedad de estilos que entrega esta chica, les dejo un video por cada álbum en orden sucesivo. XYZ de su primer disco Another Mind, Kung-Fu World Champion del segundo Brain, Reverse de Spiral y finalmente Time Out del recién salido del horno Time Control.

Los sonidos marinos de Steve Turre

“Con esto ya lo he visto todo” es una frase cliché que es cada vez menos aplicable al jazz. Hemos visto, desde los inicios del fusión, o incluso remontándonos a la época dorada del latin jazz (con Dizzy Gillespie tocando con Chano Pozo) como se han ido integrando decenas de nuevos instrumentos continuamente al escenario y estudio del músico jazz.

Hace unos tres años, nos visitó en Santiago el arpista colombiano Edmar Castañeda, quien junto con el grupo brasileño Trío da Paz nos dejo a muchos impresionados como un instrumento tan folk como el que ejecutaba, podía quedar tan bien en una formación jazz si se contaba con el talento requerido.

Bueno, y que hablar otros instrumentos, steel drums, armónicas, melódicas, diferentes tipos de flautas, saxos contrabarítonos, oboes, clarinetes bajos, cornos ingles, entre muchos otros que no fueron diseñados para el jazz, pero que con éxito o no mucho, se intentaron introducir.

Hace ya unos 7 años que tengo un increíble disco de jazz, con Dizzy Gillespie a la cabeza de un selecto grupo de músicos, entre ellos Paquito D’Rivera, Arturo Sandoval, Flora Purim, Airto Moreira, Claudio Roditti, en fin, un “all stars” de músicos latinos, tocando en vivo en el Royal Festival Hall de London. 4 años atrás encontré su versión DVD en una disquera y no dudé en comprarlo. Había un tema que siempre me intrigaba, ya que no podía percatarme que instrumento sonaba. Al ver el DVD, por fin pude darme cuenta de qué sonaba: Una concha de caracol!

Raro instrumento, si es que se le puede llamar así, pero sonaba excelente dentro del grupo. El responsable: Steve Turre, un estadounidense descendiente de mexicanos, pueblo del cual serían originarios estos particulares sonidos. El gringo es un excelente tromobonista (fue titular de la banda de Saturday Night Live) y bien que sabe soplar estos reacondicionados vientos surgidos desde el fondo del mar. Si quieren escucharlo centrado en esta beta, consíganse el disco “Sanctified Shells”.

 

A continuación una breve bio extraída del sitio apolo y baco.

Después de estudiar música en la Universidad durante la segunda mitad de los años sesenta, el trombonista Steve Turre, empezó a actuar en San Francisco con el multiinstrumentista Roland Kirk en 1970. Se pasó toda esa década alternando apariciones y encuentros con Art Blakey y sus Jazz Messengers en 1973; con Thad Jones y Mel Lewis al año siguiente, con Woody Shaw en 1974 y con Chico Hamilton en 1975.

     A finales de los setenta estuvo de sideman con el maestro Ray Charles, con el bluesman Van Morrison y con otros artistas relacionados con el rock. Sus grabaciones para la Blue Note con Chico Hamilton y para el sello Muse con Woody Shaw fueron lo mas destacado de esa frenética actividad musical. También fue muy destacable su participación con la "Thad Jones-Mel Lewis Big Band" en el festival de jazz de Monterey.

     En los años ochenta su prestigio aumentó cuando participó con los grupos Dizzy Gillespie United Nations Orchestra, con la Lester Bowie's Brass Fantasy y con la The Timeless All-Starts. En 1995 volvió al festival de jazz de Monterey y a su nombre comenzó a grabar discos en 1987 con el sello Stash; con el sello Verve, entre 1995 y 1999; y últimamente con el sello Telarc, entre 2000 y 2003. Con éste ultimo sello firmó en 2001, el que muchos consideran su mejor álbum hasta el momento de titulo: TNT (Trombone-N-Tenor).

 

Temitas los que les dejo:

“Dizzy Shells”, del conciertazo del que les hablé con Dizzy Gillespie.

 

Y "All Blues", en un programa de TV norteamericano.

 

Saludos,

Alex W. Levine.-

El Padre del Ethio-Jazz: Mulatu Astatke

Jim Jarmush, (Coffee and Cigarettes, 2003) escuchó hace 6 años la música de un jazzista etíope. Fue tanto el impacto que tuvo en él, que desde entonces comenzó a escribir un guión exclusivamente para acompañar estos ritmos: Broken Flowers. Gracias a esta película muchos pudimos acercarnos al desconocido en Chile, pero increíble pionero del jazz africano, Mulatu Astatke.

Mulatu Astatke es uno de los músicos más importantes de Etiopía. A fines de los 50, viajó a Londres y posteriormente a Boston y Nueva York, absorbiendo influencias del Jazz y ritmos latinos. Ha grabado varios LPs (uno de los cuales, Mulatu of Etiopía, se ha convertido en una leyenda para DJs en el último tiempo), y eventualmente llevando tanto el jazz moderno e influencias latinas, así como instrumentos específicos de la música occidental de vuelta a su natal Addis Ababa. En piano, órgano, vibráfono y percusión, con sus arreglos y composiciones, y como un agente provocador, se convirtió en una figura esencial en la gran era del Jazz y Pop Etíope, entre 1968 y 1974. Desde 1969, creó las primeras bandas independientes de la milicia etíope, que anteriormente había dominado al escena musical de su país. Hoy en día, se mantiene en una posición central en la escena musical etíope, como dueño de club, fundador de escuela musical, DJ de radio, compositor, arreglista e instrumentalista.

El disco Ethiopiques, Vol. 4: Ethio Jazz & Musique Instrumentale, 1969-1974 (volumen dedicado exclusivamente a la música de Astatke) es un gran ejemplo para entender la mezcla de influencias que reúne este eximio músico africano. Lo que encontrarás en este disco: la excelente fusión de Jazz, Funk, Groove y Swing. Gran parte del sonido de este disco se posa sobre las largas y pegajosas líneas de bajo eléctrico. Un gran trabajo de octavas de los saxos recuerdan lineas del Swing norteamericano de principio de los '50, siempre con una gran influencia latina. La guitarra tiene un papel protagónico en este disco, una guitarra eléctrica distorsionada o Wah que recuerda los mejores riffs de la época jazzera de Frank Zappa, y que en muchas ocasiones se adueña de los solos. Las percusiones tienen un sólido sonido funk y latino (imaginense a James Brown y Mongo Santamaría metidos en una juguera), creando la base ideal para el desempeño de los otros instrumentos. Acá no encontraras temas con solos marcados de cada instrumento y una walkin' del bajo, es casi un viaje astral por cada tema, que se mueve como seda por cada segundo de su composición y arreglo. El resultado? ETHIO-JAZZ, término forjado casi exclusivamente en el trabajo pionero de Astatke, que llevó el sonido de su África natal y del jazz un paso mas allá, con la calidad de pocos.

Lo que hay que escuchar: el mismo Ethiopiques, Vol. 4: Ethio Jazz & Musique Instrumentale, 1969-1974 (muy difícil de encontrar en Santiago) o el más accesible, la banda sonora de "Broken Flowers", que si bien no es tan bueno como el anterior, mas de la mitad es de propiedad del músico africano.



Subí el disco entero de Ethiopiques Vol.4, que lo pueden bajar haciando CLICK AQUÍ

Ahora sí se arregló la página para postear los temas, asi que les dejo tres muestras que pueden escuchar a continuación, saludos,

Alex Levine.-

El Último Gran Tenor: Bob Berg

Bob Berg no tenía demasiada confianza en sacar adelante su carrera de músico. Fue, antes de dedicarse profesionalmente al jazz, conductor de taxis y camionero, profesión que ejercitaba en paralelo a sus primeros escarceos con el saxo tenor. Así y todo, llegó a ser (en mi opinión) el más grande intérprete del Saxo Tenor desde John Coltrane, antes de su trágica muerte a los 51 años.

Nacido en 1951, Bob Berg comenzó su experiencia musical a la edad de seis años, estudiando piano clásico en su hogar, en Brooklyn N.Y. Empezó a tocar saxofón a la edad de 13, y al poco tiempo ya asiste a la High School of the Performing Arts. En 1968, Berg es admitido en la Juilliard School, y estudia saxofón clásico. Mientras asiste a Juilliard, le ofrecen un tour con Jack McDuff, donde comienza su carrera como músico de jazz.

En 1973, Berg se une a la banda de Horace Silver y se mantiene en esta por tres años, apareciendo en tres discos de Silver. Fue en este período que Bob se vuelve activo en la escena jazzística de Nueva York, encontrándose con otros músicos jóvenes y tocando e intercambiando ideas con varios colegas. También le dio la oportunidad de trabajar con algunas de las importantes bandas que se desempeñaban por la ciudad.

En 1976, reemplaza a George Coleman en el cuarteto clásico de Cedar Walton, Eastern Rebelion. Berg se mantiene con Walton por cinco años, tocando con la legendaria sección rítmica del bajista Sam Jones y el baterista Billy Higgins. Con esta banda, Berg se va de gira por gran parte del globo y graba varios discos.

En 1984, Berg se une a la banda de Miles Davis. Su sociedad con Miles dura tres años y consiste de varios tours mundiales y muchas grabaciones. Luego de dejar a Davis, Berg se embarca en una carrera de grabaciones solistas y reconocidas colaboraciones con el guitarrista Mike Stern. Bob y Mike producen varias grabaciones juntos, además de irse muchas veces de gira.

En 1992, Berg comienza su trabajo con el cuarteto acústico de Chick Corea. Nuevamente, recorre el mundo en gira con esta gran banda, además de grabar dos discos con esta.

En los noventas, Berg es invitado como embajador cultural por el departamento de estado de EEUU. El "Bob Berg Quartet" gira por el caribe en 1992, y por gran parte de la ex Unión Soviética en 1994. La banda se encuentra con gran apoyo del público en estas regiones.

A mediados de los noventas, Berg gira con su propio cuarteto y otros proyectos especiales. Además se involucra en una nueva reencarnación del grupo Steps Ahead junto con Mike Manieri, Peter Erskine, Eliane Elias y Marc Johnson. Su último proyecto fue el grupo "The Jazz Times Superband" el 2000, que incluye además a Randy Brecker, Joey Defrancesco y Dennis Chambers.

El tenorísta muere en un trágico accidente automovilístico en Amaganser, Long Island, NY, el 5 de diciembre del 2002, a la edad de 51 años, donde además su mujer resulta gravemente herida.

Bob Berg fue un fenomenal intérprete del Saxo Tenor. Su música fue una flexible reinterpretación del Hard Bop, rápida y alucinante. Era un swingista natural. Berg demostraba una técnica perfecta en la ejecución de su instrumento a través de cada registro, hasta el más rápido tempo; melódica y harmónicamente seguro, con la habilidad de interpretar acordes de incrementada dificultad con aparente facilidad, en conjunto con un gran sonido perteneciente a la influencia de Sonny Rollins y Coleman Hawkin.

Fuentes:
BobBerg.com
Apolo y Baco
Jazz Professional

Les dejo para el deleite de sus ojos una grabación de Bob Berg y Mike Stern en vivo, tocando Friday Night At The Cadillac Club



...y para el deleite de sus oidos, un par de temas de la "Jazz Times Superband", el megarpoyecto en que participó Berg poco antes de su temprana muerte. primero, "Silverado", y en segundo lugar, "SoHo Sole"






Traducido por Alex Levine.-

El Gigante del Saxo: John Coltrane

Hay un antes y un después de Coltrane. Son muchos los músicos que incluso hoy toman como punto de referencia lo que este excepcional músico aportó al Jazz. Pero Contrane no es un artista que surge de la nada, con un estilo propio y ya innovador desde sus primeras grabaciones, muy al contrario, estamos ante un estudioso que con profundo respeto hacia los que le precedieron, pretende y consigue revolucionar no solamente la forma de interpretar, sino sobre todo la de transmitir cada una de las sensaciones que su privilegiada mente acoge.

William John Coltrane ("Trane") nace en Hamlet, un pueblecito de Carolina del Norte el 23 de septiembre de 1926. Es hijo de un sastre aficionado a la música y es en sus años escolares y en una banda de scouts cuando empieza a tocar el saxo alto. En 1943 su familia se traslada a Filadelfia donde obtiene una beca para estudiar música. En 1945 es movilizado por la Marina tocando en la orquesta de su regimiento en Hawai. A su vuelta trabaja en grupos de rhythm and blues con Joe Web, Big Maybelle, King Kolax y con la orquesta del saxo alto Eddie Vinson donde por primera vez toca como saxo tenor. De esta época guardo siempre Coltrane un buen recuerdo, reflejado posteriormente en "Countdown", que era una adaptación de una composición de Vinson ("Tune Up). Durante ésta época Coltrane profundiza en su conocimiento de Lester Young y Coleman Hawkins. Durante una gira por California conoce en una jam sesion a Charlie Parker, Red Callender, Erroll Gaener y al batería Harold West. En 1948 junto a los hermanos Heath (Al, Percy y Jimmy) forma parte de la orquesta del Apollo de Harlem.

Tras una gira por Chicago, Coltrane es despedido. En la segunda mitad de 1949, el saxo tenor Jesse Powell sugiere a Dizzy Gillespie que contratara a Jimmy Health quien acude a una audición preliminar acompañado de Coltrane, resultando ambos elegidos. En la orquesta de Gilliespie figuran Yusef Lateef (que inicia a Coltrane en el estudio de las religiones orientales), Bill Barron (que también le inicia en la práctica del yoga) y Charles Greenlee (que contraería después matrimonio con la prima de Coltrane (Mary). En la orquesta, la mayoría de los solos se encomendaban a Health, mientras que Coltrane actuaba en pocas piezas. Debido a graves problemas dentales producidos por la carencia de vitaminas y abuso de dulces, Coltrane se acostumbró a ingerir excesivas cantidades de licores que le aliviaran el dolor. En las Navidades de 1950, Gillespie disuelve su big band y forma un septeto con Jimmy Health y Coltrane (ya como saxo tenor). A comienzos de 1951 Health abandona el grupo, permaneciendo Coltrane definitivamente como tenorista. Es entonces cuando comienza a escuchar y aprender de Hawkins, Young, Dexter Gordon y Stan Getz, los músicos que junto a Sonny Stitt y Sonny Rollins más influyern en Coltrane.

Entre el 21 de noviembre de 1949 y el 1 de marzo de 1951, Coltrane realiza junto a Stan Getz sus primeras grabaciones como sideman, para los sellos Capitol y la Dee Gee.
En 1951 deja la banda de Gillespie y regresa a Filadelfia, matriculándose en la "Granoff School of Music" donde comienza a escuchar a compositores clásicos europeos (Debussy, Ravel, Stravinski y Bartók).

A comienzos de 1952 Coltrane entra en la orquesta de Earl Bostic con quien permance hasta 1953 y gaba algunos temas como sideman.

En 1953 entra a formar parte de la orquesta del saxo contralto Johnny Hodges que acababa de abandonar la orquesta de Ellington. En esta época Coltrane comienza a consumir narcóticos, consumo que supone, tras algunas grabaciones para la Verve, que en septiembre de 1954 tenga que abandonar la orquesta. En junio de 1954 conoce a Juanita "Naima" Grubbs, contrayendo matrimonio el 3 de octubre de 1955.

Pese a residir en Filadelfia, Coltrane se traslada muy a menudo a Nueva York trabajando en las sessions que se daban todos los lunes en el "Birdland". Tras ser recomendado por Red Garland, Paul Chambers y la tercera esposa de Parker (Doris), Coltrane entra en el quinteto de Miles Davis al que también pertenecía el batería Philly Joe Jones. El 27 de octubre de 1955 el grupo graba para Prestige el álbum "The New Miles Davis Quintet" y posteriormente "Cookim", "Relaxin", "miles Davis and the Modern Giants", "Miles Davis and John Coltrane play Richard Rodgers"... El quinteto de Davis tuvo un gran éxito del que se beneficiaron todos sus músicos. El grupo es contratado por Columbia grabando el tema "Sweet Sue", pieza que se incluyó en una especie de antología del Jazz organizada por Leonard Bernstein ("What is Jazz"), grabando posteriormente el femomenal "Round About Midnight". Es en el tema que da título al album donde Coltrane pone de manifiesto toda su genialidad con un "solo" que resume todos sus conocimientos. Pese a todo y al empeorar su salud, Coltrane abandona el grupo regresando a Filadelfia con su mujer. Aquí graba con Paul Chambers y Tadd Dameron el álbum "Mating Call".

En Junio de 1957 se traslada con su esposa a Nueva York donde empìeza a trabajar con Thelonious Monk. De esta colaboración Coltrane descubre un nuevo universo musical grabando "Thelonious Monk With John Coltrane" y "Monk´s Music".

El 15 de septiembre de 1957 Coltrane graba su primer álbum para la Blue Note, "Blue Train". Durante 1957 hasta abril de 1958, Coltrane trabaja muy intensamente, grabando "The Believer", "The Last Trane", Soultrane", Trane´s Reing" (todos ellos para Prestige).
En noviembre de 1957 Coltrane vuelve a grabar junto a Miles Davis ("Milestones", "Jazz Track", Miles and Monk at Newport"), grabando en 1958 y a su propio nombre "Black Pearls", Stardust", "Standard Coltrane", "Bahía" y "Coltrane Time" (grabado este último con Cecil Taylor y George Russell).


En 1959 empieza a interesarse con ocasión de un encuentro con el saxofonista "James Moody" por el saxo soprano y participa con Miles Davis en el fenomenal "Kind Of Blue". En este mismo año graba "Giant Steps" para el sello Atlantic. en 1960 Coltrane funda el núcleo de su futura actividad musical, el "John Coltrane Quartet", si bien también realiza grabaciones junto a otros músicos como en "Coltrane Jazz" (junto a Wynton Kelly, Paul Chambers, Jimmy Cobb, McCoy Tyner, Elvin Jones y Steve Davis). Profundizando en el uso del saxo soprano Coltrane gaba "My Favorite Things". En este año 1960 y en el siguiente, Coltrane es elegido por los lectores de "Down Beat" como el mejor saxofonista tenor. En 1961 se une al cuarteto Eric Dolphy con el que graba el álbum que marca el paso de Atlantic a Impulse, "Africa Brass". Siguió todavía para Atlantic la grabación de "Olé Coltrane", así como "Impressions".

En 1962 graba "Coltrane" y "Ballads" y pocos días después gaba junto a Ellington "Duke Ellington and John Coltrane". Todas estas grabaciones ponen de manifiesto el alto grado de madurez alcanzado por el saxofonista. En noviembre de este año, Coltrane inicia su segunda gira europea (la primera la realizó el año anterior bajo los auspicios del productor Norman Granz). A su vuelta, Elvin Jones tiene que ser ingresado para una cura de desintoxicación, siendo sustituido por baterías como Philly Joe Jones, Louis Haynes y Roy Haynes, si bien con ninguno llegó Coltrane a compenetrarse tanto como lo hacía con Elvin Jones, si bien fue con Roy Haynes con quien más a gusto se encuentra, grabando una estupenda versión en directo de "My Favorite Things" incluída en el album "Selflessness". En 1963 Coltrane abandona a su esposa Naima y se une a la pianista Alice McLeod.

En 1964 se acentúa el interés de Coltrane por la cultura y religiones orientales y graba el monumental "A Love Supreme". A esta grabación le siguen otras entre las que destacan "Kulu Se Mama" (donde aparece por primera vez Pharoah Sanders) y "Ascension". A continuación inicia una nueva gira europea en la que se empieza a resquebrajar la unión en su cuarteto debido fundamentalmente a las modificaciones que el grupo sufre con las intervenciones de voces nuevas como las de los tenores Shepp y Sanders y del batería Rashied Ali. McCoy Tyner deja el grupo y es sustituido por Alice McLeod, al igual que lo hace Elvin Jones, siendo definitivamente sustituido por Ali. La nueva formación en la que todavía figura Garrison graba en mayo de 1966 un álbum en directo en el "Village Vanguard" de Nueva York, y en julio durante una exitosa gira por Japón graba un concierto dado en Tokio.

Estamos en los últimos años de vida del saxofonista que al parecer había vuelto a abusar en el consumo de drogas. Poco antes de morir, Coltrane graba "Expression", uno de los discos más poéticos de toda su producción y que contrasta con las angustiosas "Interstellar Space" y "Stellar Regions" grabados todos en 1967.

El 16 de julio de 1967 Coltrane ingresa de urgencia en el "Huntington Hospital" falleciendo al día siguiente a las cuatro de la madrugada a causa de un cáncer hepático. En el funeral celebrado el 21 de julio en la "St. Peter´s Lutheran Church" ante una enorme multitud, intervinieron muchos músicos, como Albert Ayler y Ornette Coleman que tocaron durante toda la ceremonia.

Bueno, he dividido los temas en lo que yo considero las tres grandes etapas en el desarrollo musical de john coltrane, primero un tema de su era hard-bop, quizás la que muchos más aprecian de él, porque las otras son de mas difícil entendimiento. De acá "Blue Train", del disco homónimo de 1957 (su primer disco con Blue Note). En 2° lugar, de cuando coltrane ya había avanzado a una etapa que llamo "espiritual" (en donde entendia su música como una expresión de su fé y devoción a dios), el tema "resolution", del impresionante (y el mas vendido de Trane) "A Love Supreme". Antes de morir este gigante, su tercera etapa lo llevó por los caminos del Avant-Gardé y del Free-jazz (con una musicalidad eso si que ya se la quisiera Ornette Coleman), y de acá les presento el tema (y disco al mismo tiempo) de 38 minutos, "Ascensión (Edition I)", que si bien puede ser enmarcado también como espiritual, ya marac las tendencias free. Tal como lo dice su nombre es como que si la música cada vez flotara más, ojalá les de el cuero para escucharlo entero, no se van a arrepentir.




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Alex W. Levine.-

Lo que el viento nos dejó: Eric Dolphy

(por Guillermo Bazzola, publicada originalmente por la revista "Clásica", marzo de 2001)

"Al escuchar música, una vez que terminó, se va con el aire. Nunca puede ser capturada otra vez".

Las palabras de Eric Dolphy resuenan como un eco del más allá en el instante final de Last Date, esa suerte de obra póstuma, su última grabación (no autorizada, por supuesto) que recoge una actuación en Hilversum, Holanda junto a un grupo de jóvenes músicos entre los que estaban el pianista Mischa Mengelberg y el baterista Han Bennink.

Dolphy había nacido en Los Angeles en 1928. Su debut discográfico se produjo en 1949, como miembro de la banda de Roy Porter, y durante los años siguientes, su actividad fue más bien errática. En 1956 grabó con el cantante Ernie Andrews en una orquesta dirigida por Benny Carter. Luego empezó a trabajar con la big band de Gerald Wilson, y recién abandonó la categoría de desconocido al ingresar al quinteto del baterista Chico Hamilton.

En 1958, el vientista Paul Horn, que había sucedido a Buddy Collette, dejó la banda. "Mi hermano Bernie, el Capitán Dobby de la serie Starsky & Hutch, me dijo que debía escuchar a este amigo suyo de la secundaria", recuerda Hamilton. Dolphy, ejecutante consumado de saxo alto, flauta y clarinete bajo, ingresó al quinteto, con el que aparece en la conocida película Jazz en una Noche de Verano, filmada durante el Festival de Newport.

Para Hamilton, Dolphy fue "uno de los músicos más dedicados que he conocido. La música fue su vida, y a veces la pasamos mal porque el público no estaba preparado para él". Estuvo en el grupo poco más de un año, y luego partió hacia la inevitable New York con la orquesta de Sy Oliver, que acompañaba a Sammy Davis Jr.

Allí empezaba otra historia. Además de comenzar su carrera solista, con el formidable Outward Bound, grabado en abril de 1960, Dolphy iniciaba una serie de sociedades con otros grandes músicos de la época: Charles Mingus, John Coltrane, Ornette Coleman, Oliver Nelson, Booker Little.

Con Little, un extraordinario trompetista y compositor de sólo 22 años, grabó en diciembre de 1960 Far Cry, un álbum fundamental que incluía Miss Ann, probablemente la más conocida de sus composiciones. Al año siguiente, en julio de 1961, aparecieron juntos en las célebres sesiones del Five Spot Cafe con Mal Waldron, Richard Davis y Ed Blackwell. La intempestiva muerte de Little en el mes de octubre, lo privó de uno de sus más cercanos colaboradores.

"Trane tomó pocas decisiones musicales importantes sin consultarlo primero", dice Bill Cole en su biografía de John Coltrane, quien era amigo de Dolphy desde principios de los 50's. Su manera de tocar era muy distinta: Coltrane fluido y Dolphy entrecortado y angular. Tal vez por eso se complementaban a la perfección. En mayo de 1961, grabaron Ole Coltrane, el último álbum de Trane para Atlantic y Africa Brass, la primera sesión para Impulse, ésta con el grupo de Coltrane (experimentando con dos contrabajos) y una orquesta arreglada y dirigida por Dolphy. A fines de ese año, se presentaron en las memorables sesiones del Village Vanguard, y poco después compartieron un tour europeo.

Charles Mingus lo integró a su grupo en 1960, y aunque de modo intermitente, siguieron tocando juntos hasta 1964. Grabaron varios discos, y uno de los momentos memorables es el dueto entre el contrabajo y el clarinete bajo en What Love, donde Mingus y Dolphy hacen hablar a sus instrumentos.

La colaboración con Coleman y Nelson no fue tan extensa. De cualquier modo vale la pena notar que su participación en álbumes tan importantes (y tan distintos) como Free Jazz y The Blues and the Abstract Truth no hace otra cosa que destacar la versatilidad de Dolphy para adaptarse a contextos disímiles sin perder nada de personalidad.

En sus tres instrumentos, Dolphy fue un maestro. Con el saxo alto, mostró inicialmente una fuerte influencia de Charlie Parker, pero a medida que crecía la figura de Ornette Coleman, fue asimilando las concepciones de libertad armónica, al tiempo que su sonido se tornaba cada vez más extrovertido. Con la flauta tenía un sonido depurado, y respecto al clarinete bajo, se podría prácticamente afirmar que lo inventó como instrumento para la improvisación moderna. Salvo esporádicas ejecuciones de Harry Carney (saxo barítono de la orquesta de Duke Ellington), a este instrumento anteriormente no se le había dado demasiada importancia.

Muchas veces se lo asocia con un estilo turbulento y por momentos hiriente, pero su capacidad para interpretar las baladas es inimitable, ya sea con el saxo alto en Tenderly, con la flauta en Glad to Be Unhappy, o con el clarinete bajo en God Bless the Child.

Su interés nunca se centró exclusivamente en la música de jazz, sino que abarcó desde las músicas folklóricas de Oriente y el Africa hasta la música académica contemporánea. Se dice que gustaba ejecutar la obra Density 21.5 del compositor Edgar Varèse, y estando en Darmstadt, Alemania, asistió a un curso dictado por el gran flautista italiano Severino Gazzelloni. A él dedicó el tema llamado precisamente Gazzelloni, incluído en Out to Lunch!, su obra maestra.

Es de imaginar que un músico con influencias tan variadas lograría cristalizar un sonido original. Eso fue lo que ocurrió con Dolphy, que e ahondó como pocos en la investigación del timbre instrumental y del fraseo en la improvisación. Sus ejecuciones tenían un sesgo expresionista, casi declamatorio, a veces de una profundidad desgarradora.

El 29 de junio de 1964, nueve días después de haber cumplido 36 años, murió repentinamente, al parecer víctima de un infarto, mientras se encontraba en un local en Berlín. Gil Evans cuenta su versión: "Eric Dolphy murió de una sobredosis de miel. Todo el mundo piensa que fue por drogas, pero él estaba obsesionado por su salud. Era diabético y no lo sabía. Comía nueces y se tomaba un par de tazas de miel todos los días, y eso lo mató. Entró en coma y nunca pudo salir".

Poco antes había aparecido en dos álbumes extraordinarios: su Out to Lunch!, con Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson, Richard Davis y Tony Williams, y Point of Departure, del pianista Andrew Hill, junto a Kenny Dorham, Joe Henderson, Davis y Williams. Nadie podría afirmar con certeza cuales hubiesen sido sus próximos pasos, pero Out to Lunch! lo presenta ya no sólo como un instrumentista excepcional sino también como un compositor de gran estatura.

En todo caso, sólo resta agradecer a los productores e ingenieros de sonido por haber estado en el momento justo, pero sobre todo al viento por haber tenido la generosidad de dejar de soplar oportunamente, y de esta manera contribuir a la perpetuación de la obra de un artista incomparable.

Para la escucha: 1° el tema "Miss Ann", que como ya dice arriba es uno de los mas conocidos de Dolphy, en donde se puede apreciar su calidad en la ejecución del saxo, muy seco y con rápidos cambios de melodías. El 2°, "Left Alone", es una hermosa balada en donde toma la flauta traversa para nuevamente deslumbrar con su potencia interpretativa. Estos dos temas son del disco "Far Cry", mientras que el 3° pertenece a su obra cúmbre, "Out to Lunch", hablo de "Gazzelloni", dedicado a su maestro y en el cual se ve cómo Dolphy se movia cada vez más hacia el avant-gardé, antes de que su repentina muerte cortara una promisoria carrera.

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Discografía como Líder:

The Prophet (reunion de Outward Bound y Out There por Prestige, 1960).
Latin Jazz Quintet with Eric Dolphy (Prestige, 1960).
Others Aspects (Blue Note, sessions de 1960, 62).
Far Cry (Prestige, 1960).
Eric Dolphy At the five Spot vol.1 et 2 (Prestige, 1961).
The Berlin Concerts (Enja, 1961).
Stockholm Sessions (Enja, 1961).
Live at Gaslight Inn. (Ingo, 1962).
Iron Man (Enja, 1963).
Conversations (Affinity, 1963).
The Illinois Concerts (Blue Note, 1963).
Out To Lunch (Blue Note, 1964).
Eric Dolphy with the Misha Mengelberg Trio Last Date (Emarcy, 1964).
Eric Dolphy / Donald Byrd Unrealized Tapes (West Wind, 1964).


Discografía como Sideman:

Charles Mingus Mingus at Antibes (Atlantic, 1960).
Charles Mingus Charles Mingus presents Charles Mingus (Candid, 1960).
Gunther Schuller Jazz Abstractions (Atlantic, 1960).
Ornette Coleman Double Quartet Free Jazz (Atlantic, 1960).
Abbey Lincoln Straight Ahead (Candid, 1961).
Oliver Nelson The Blues and The Abstract Truth (Impulse, 1961)
Booker Little and his Sextet Out Front (Candid, 1961).
George Russel Sextet Ezz-Thetics (Riverside, 1961).
John Coltrane Africa / Brass (Impulse, 1961).
John Coltrane Olé Coltrane (Impulse, 1961).
Max Roach Percussion Bitter Sweet (Impulse, 1961).
John Coltrane Live at the Village Vanguard (Impulse, 1961).
John Coltrane The Complete Paris Concerts (BYG, 1961).
John Coltrane John Coltrane Live at Birdland featuring Eric Dolphy (Affinity, 1962).
Charles Mingus and his Orchestra Town Hall Concert (United Artists, 1962).
Freddie Hubbard and his Orchestra The Body and The Soul (Impulse, 1963).
Charles Mingus and his Orchestra Mingus, Mingus, Mingus, Mingus (Impulse, 1963).
Gil Evans The Individualism of Gil Evans (Verve, 1963).
Andrew Hill Sextet Point of Departure (Blue Note, 1964).
Charles Mingus Jazz Workshop : tous les enregistrements de la tournée de 1964 !

Alex W. Levine.-

Del Rock al Jazz: Bill Bruford's Earthworks

Hablar de Bill Bruford es hablar de una leyenda viva. Este potente y experimentado baterista quizás no es reconocido por la mayoría de la gente por su trabajo en estilos jazzeros. Durante la década del ‘70 especialmente, y también en los ‘80 y ‘90, Bruford fue el baterista de las mejores y mas novedosas bandas del rock progresivo inglés, que vinieron a ponerle “cabeza” y virtuosismo a un rock simplista existente hasta ese momento. Conocí a este tremendo baterista través de King Crimson, el multi-cambiante grupo del virtuoso guitarrista inglés Robert Fripp. Me declaro fanático incondicional de King Crimson así que lo que diga no sería muy objetivo, pero el tipo era realmente increíble en los paños (les recomiendo el disco "Larks' Tongues in Aspic”). Antes había tocada en la exitosa y reconocida banda Yes, pero por intereses musicales se fue al rey carmesí, y por lo mismo es que dejó el rock hace ya un tiempo, esto porque en sus propias palabras el rock se había convertido en un negociado y aborrecía cuando la música se transformaba en otra cosa que no fuera una expresión artística.

Para mí fue una sorpresa saber hace ya un buen tiempo que el más importante batero de la escena progresiva se daba una tremenda vuelta para entrar en el jazz. Es que hay que decir que siempre ha existido el prejuicio de que los músicos de Rock sirven para eso y ya, y que el jazz requiere otro nivel de habilidades, mucho mayores a la de sonidos mas duros. Claro, yo no sabía que Brufford tiene en sus raíces un entrenamiento Jazz en la batería, y que luego se fue al rock… touché.

Acá es donde entra en escena el Bill Bruford’s Earthworks. Una clásica formación de jazz acústico (que para mi sorpresa ya lleva 20 años de existencia), compuesto por grandes talentos de la escena jazzistica del Reino Unido. A continuación les hablaré un poco de los integrantes 2005/06; Tim Garland (quizás el nombre que más suena) se apodera del Saxo Tenor y composiciones, reconocido mundialmente por haber tocado con Chick Corea, es un gran talento si se trata de escribir y componer música. Laurence Cottle en bajo eléctrico, otro “viejo conocido” en la escena rockera inglesa, cuyos trabajos van desde Black Sabath hasta Eric Clapton. En el piano el bebé del grupo, Gwilym Simcock, un virtuoso pianista de sólo 25 años, quien a su corta edad ya tiene en su currículum nombres como Kenny Wheeler, Tim Garland, Stan Sulzmann, Iain Ballamy, Julian Arguelles, Pete King, Don Weller y Steve Waterman.

Si bien los “trabajos terrícolas” de Bruford son netamente jazz, es inevitable sentir la influencia de sus años de desenfreno progresivo, sobre todo en sus discos más antiguos. Hay temas en los que se puede escuchar la influencia de Fripp en su música, una suerte de fusión que muestra finamente el lado progresivo, pero sin caer en algo mas rockero por parte del baterista (advertencia: acá no van a escuchar jazz-rock como lo hacen un John McLaughlin por ejemplo). En sus últimos trabajos con el Earthworks, se ha movido hacia las raíces del jazz, explorando por ejemplo en el disco en vivo “Footloose and Fancy Free” (2002) lo mejor del jazz acústico, muy bien grabado además. Este disco doble es simplemente excepcional, y si se lo pueden conseguir, háganlo (difícil en Santiago, o el DVD “Footloose in NYC” es otra buena alternativa). El saxo recuerda los mejores tiempos de un Wayne Shorter, un contrabajo impecable y un piano que arma el grupo. Realmente imperdible.

Dos temas, El acústico y movido que otorga su nombre al disco, “Footloose and Fancy Free”. Para Finalizar, “Triplicity”, en donde los que ya conoce al Bruford rockero podrán fijarse en la influencia progresiva que conduce el tema.

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Alex W. Levine.-

"Soy John Francis Pastorius III y soy el mejor bajista del mundo"

Así se presentaba, ni más ni menos... Hubiese sonado soberbio si no fuera la pura verdad.

No existe fanático del jazz que no conozca a Jaco Pastorius. No hay bajista que no lo idolatre. Y es que Jaco vino a revolucionar el mundo del jazz, tanto en aspectos creativos de sus composiciones, como en la manera de tocar el bajo eléctrico. Antes de Jaco, el bajo no era un instrumento muy popular, en el jazz hasta ese punto había predominado el contrabajo. Bueno, eso en parte porque el Fusión recién nacía. El bajo y el contra hasta ese punto conformaban la parte rítmica del ensamble, es decir, eran los encargados de mantener cierta estructura armónica sobre las cuales la sección melódica (guitarra, bronces, piano) desarrollaban sus improvisaciones. Bueno, Jaco pescó su Fender JazzBass, y con una navaja sacó todos los frets (trastes) del instrumento, y desarrollando una manera única, novedosa y particular de trabajar el bajo fretless, permitió que tal instrumento participara melódicamente y alcanzara gran popularidad, incluso hasta el punto de ponerlo como solista principal de una Big Band (la Word of Mouth). Inspiro a todos los grandes bajistas de Jazz que existen hoy (Steve Bailey, Richard Bona, Victor Wooten, etc). Bueno, no hablo mas, fue una vida mágica pero caótica, para saber mas lean su biografía a continuación.

Alex W.-

Jaco nació en Pennsylvania, pero de chico se mudó a Fort Lauderdale, Florida, donde se crió y ya desde temprana edad integró diversas bandas escolares, en las cuales ya se destacaba tempranamente como baterista. De adolescente, sufrió un accidente haciendo deportes, lo cual le provocó una lesión en la espalda que le iba a impedir tocar la batería. Pastorius decidió entonces intercambiar los roles con el bajista de la banda en la que tocaba, llamada Las Olas Brass; aprendiendo el repertorio completo de la banda para su nuevo instrumento en tan sólo una semana. En 1974 comenzó a hacerse más reconocido cuando graba un notable disco acompañando al guitarrista Pat Metheny. Dos años después, grababa su primer disco solista, titulado Jaco Pastorius, aclamado por la crítica y por sus colegas, y que lo llevó a los primeros planos de la escena jazzística internacional. Muchos consideran a este disco como de escucha imprescindible para los bajistas de todos los tiempos, no sólo por la riqueza técnica y el virtuosismo presente en todos sus temas, sino también por la calidad y sensibilidad de sus composiciones.

Jaco era un fanático admirador del grupo de Jazz Rock Weather Report, habiendo, en años anteriores a su debut discográfico, "acosado" reiteradas veces al líder de dicho grupo, Joe Zawinul, para que le diera el puesto de bajista en la banda, con el argumento de que él era "El mejor bajista del mundo". Pese a la explicable resistencia inicial de Zawinul, finalmente Pastorius logró que escuchara una cinta con su música. Zawinul quedó muy impresionado. Al poco tiempo, el bajista de Weather Report de aquel momento, Alphonso Johnson, abandonó la banda y Zawinul le ofreció instantáneamente a Pastorius reemplazarlo.

Jaco tocó con Weather Report desde 1976 hasta 1981, probablemente la mejor época de la legendaria banda, que afortunadamente ha quedado registrada en varios discos grabados tanto en estudio como en vivo. También tuvo la oportunidad de realizar extensas giras por distintos países del mundo, entre ellas una legendaria actuación del grupo que tuvo lugar en Buenos Aires, Argentina.

Luego de dejar Weather Report, Jaco formó su propia banda, Word Of Mouth, con la cual también grabó varios discos y realizó numerosas giras hasta el año 1984. Notables músicos fueron parte de aquella banda, entre ellos el baterista de Weather Report, Peter Erskine, el trompetista Randy Brecker, el saxofonista Bobby Mintzer y el percusionista Don Alias.

A partir de mediados de la década del 80, Jaco comenzó a sufrir las primeras manifestaciones de trastornos mentales, y se lo diagnostica como maníaco depresivo. Las drogas que le habían recetado para tratarse le impedían concentrarse, lo adormilaban, lo que le imposibilitó componer; o peor aún, directamente le dormían los dedos, lo cual no le permitía tocar el bajo. Así que Jaco rehusó tratarse, cayendo en una espiral de conflictos familiares y conductas autodestructivas. Se volvió alcohólico, tomando por costumbre vagar por las calles y convivir con mendigos y vagabundos, de quien se haría amigo tocando para ellos. Incluso el famoso bajo Fender Jazz Bass que Jaco utilizó tanto tiempo desapareció luego de su muerte, pese a haber sido intensamente buscado, y se cree que sus amigos de la calle lo preservaron del mundo como una forma de homenajearlo, haciendo lo que ellos creían que él hubiera querido.

En 1987 Pastorius, en estado de ebriedad, intentó entrar por la fuerza a un bar, donde ya lo conocían como a un vagabundo que acostumbraba molestar y robar las propinas que dejaban los clientes. Un custodio del bar lo golpeó salvajemente, causándole heridas que días después le produjeron la muerte, lo que dejaría al mundo del jazz y la música con una congoja inmensa, por haber perdido a uno de sus más grandes exponentes de todos los tiempos.

Temazo: (Used To Be A) Cha-Cha , Jaco en el Fender Fretless, con Herbie Hancock en Piano y Hubert Laws en flauta, q mas se puede pedir??

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