El Cutus Clan

Por Francia Fernández, Diario La Nación (Domingo 16 de enero de 2005)

El trompetista Cristián Cuturrufo y sus tres hermanos se criaron escuchando el acordeón paterno y más de una vez durmieron en cajas de batería. En 1997 un incendio devastó la casa familiar con instrumentos e historia y ellos fundaron el Club de Jazz de Coquimbo. Nunca han parado de "sonar" y su intimidad refleja un estirpe alegre, talentosa y devota de la Virgen de Andacollo. Estuvimos en su mesa disfrutando del swing de una familia que lleva la música en la sangre.

Un cartel imponente señala el lugar preciso: Club de Jazz de Coquimbo. La cabellera frondosa de Cristián Cuturrufo se asoma a la puerta. "¿Quién me busca?", pregunta con desgano. Después advierte que no se le acerquen mucho porque comió jurel.
Es viernes por la noche. La presentación de este trompetista que fue nombrado Hijo Pródigo de la Región está por comenzar. Su padre, Wilson Cuturrufo, acordeonista, pianista y director regional de Cultura, y María Elena Contador, madre y "jefa máxima" de la familia, corren de un lado a otro afinando detalles. Uno a uno irán llegando los otros hijos, todos con una sonrisa en la cara.

"Mis primeras imágenes en el oído son del swing que tocaba mi papá. Estábamos 'condenados'. De chicos éramos los hermanitos Cuturrufo de Coquimbo. En las veladas del colegio yo (32) tocaba bongó; Rodrigo (36), guitarra; Marcelo (34), flauta dulce, y Carolina (30) cantaba. Después, en quinto básico, fuimos pasando uno a uno a la Escuela de Música de La Serena", recuerda Cristián.

Ahora, Rodrigo es etnomusicólogo, arreglador orquestal y encabeza, desde 1994, el grupo Vernáculo, en que todos se reúnen a cantarle a la Virgen de Andacollo. Marcelo estudió sonido y es el actual baterista de Alvaro Henríquez; Carolina, además de tocar la flauta traversa, es actriz. Y Cristián es considerado el mejor trompetista chileno de su generación.
El prefiere tomárselo con modestia. "He tenido más cobertura y ganado premios como el Altazor (2001), pero nunca me he sentido más. Si lleváramos la música al fútbol y acá fuéramos un equipo, desde mi mamá para abajo jugaríamos todos igual", aclara.

La jefa del clan Cuturrufo describe mejor a sus hijos. "Cristián es alegre y cocina rico, pero es muy desordenado. Y cuando hace asado, se come la mitad y a nosotros nos sirve después... Rodrigo es buen hijo, buen padre y estupendo músico, pero habla hasta por los codos. Marcelo es muy trabajador, pero medio mal genio. Carolina, estudiosa y respetuosa, pero si algo no le parece, se va pegando un portazo".

Otra característica "cuturrufiana" es que los varones son buenos para las 'tallas' rápidas y para los puñetes. "Yo fui pandillero desde los 12 hasta los 14 años, salía a pelear con linchacos y cadenas. Dejé la trompeta y me quedé repitiendo en primero medio. Una vez, en un festival le 'sacamos la cresta' a Alvaro Scaramelli, porque fue roto con mi papá. Pero ahora cuando nos encontramos, nos morimos de la risa", relata Cristián.

-¿Y cómo te enderezaste?

-Un día mi papá me puso como condición para ir a una fiesta que me aprendiera un solo: La Bamba. Me demoré 20 minutos. Y después me dijo: "ensaya, más adelante se te va a encender la ampolleta y me lo vas a agradecer". Al año ocurrió. Y aquí estoy... Me obsesioné con la trompeta, ensayaba 16 horas diarias. En matemáticas y castellano tenía rojos y legalmente repetí todos los años, pero en la trompeta, nunca me ha gustado ser número dos. Mi papá nos inculcó que fuéramos los mejores en lo que hiciéramos.

Lo confirmó el 2004, en una exitosa gira por Europa a la cabeza de Chile Jazz, agrupación que integran además Ignacio González (saxo), Carlos Cortés (batería), Federico Danneman (guitarra) y Rodrigo Galarce (contrabajo). También lanzó su cuarto disco, Jazz de Salón, un álbum de covers, a dos manos con Valentín Trujillo.

Aunque es bajito-bajito, Cristián se agranda en el escenario. En este caso, un círculo iluminado con una lámpara de lágrimas de principios del siglo XX, de la época en que el club era la casona de reuniones sociales de la familia Spencer y no el centro cultural que los Cuturrufo fundaron en 1998.

Unas cien personas siguen atentas el espectáculo. A un costado del escenario sorprende la figura de Matías, el hijo melómano de Marcelo, que con un movimiento de cabeza sigue, desde su silla de ruedas (sufre de una enfermedad neurológica), el ritmo de su padre y sus tíos. Definitivamente, son los genes...

FUEGO

En algún cruce de la carretera, entre Coquimbo y La Serena, un camino de tierra conduce hasta la parcela número 68. Es la casa 'matriz' de los Cuturrufo-Contador, una morada amplia pero sencilla de color burdeos, rodeada de los parajes donde Rodrigo, Marcelo, Cristián y Carolina se criaron entre ladridos de perros y otros sonidos que sólo ellos distinguen.

Es la hora de almuerzo del día sábado. Todo el mundo está trasnochado, pero aún hay ánimo para un pescado a la leña, especialidad culinaria de Cristián. Camino a la cocina está la Mechita, una anciana enferma que entró en la vida de la familia desde siempre. "Es una herencia. Todos saben que tienen que preocuparse de ella, es nuestra güagüa", cuenta María Elena, la dueña de casa.

En 1997, un incendio consumió la casa original de pino oregón, que medía 400 metros cuadrados. Fue un domingo en la noche. Marcelo salvó a la familia. Llegó en su camioneta y sintió olor a quemado. "El lugar era un infierno. Entré por la pieza del lavado y traté de humedecer la casa. Fui a sacar a mis papás, a mis hijos, a mi abuelo, a la Mechita, que no reaccionaba... Lo único que me faltó fue un perro, que se murió", detalla Marcelo.
"Cómo habrá sido que se fundió una tina de hierro que era de mi abuelo…Teníamos una flauta del siglo XVI que se quemó, violines, pianos. Perdimos una historia de 25 ó 30 años, en fotos y videos. En 10 minutos y medio todo desapareció, pero reafirmamos otras cosas", se lamenta Carolina.

Seis meses después fundaron el Club de Jazz y construyeron la nueva casa. De hecho, como cuentan por separado, al otro día hasta se reían y bromeaban. Marcelo terminó de construir su estudio de grabación a las cuatro de la tarde y lo vio hecho cenizas, en la noche. "Después del incendio, nos dieron una mediagua y la Onemi nos puso una carpa... Acá estamos, parados de nuevo", dice. Como resume Cristián: "Familia unida, jamás será vencida".

CHORO Y COQUIMBANO

Wilson Cuturrufo toma el acordeón y toca una melodía. Sus hijos no tardan en seguirle el ritmo. Es algo natural: siempre lo vieron dirigiendo orquestas. A los 9 años comenzó a tocar profesionalmente. "Cuando me hice conocido, todo el mundo me llamaba. Yo dije: me están pidiendo mucho, voy a tener que empezar a cobrar… Eso me ayudó a costearme los estudios de profesor", rememora el 'gran jefe'.

Crecieron escuchando tocar a su papá y más de una vez durmieron en las cajas de batería. "La música es algo que se traspasa solo, viene con el gen Cuturrufo. Mi hijo, Matías, escucha jazz todo el día y toca batería y acordeón, dentro de sus posibilidades. Mi otra hija, Ignacia, es baterista como yo", dice Marcelo.

Rodrigo, el mayor de los hermanitos Cuturrufo, es tan fanático que bautizó a su hija menor (percusionista), con el nombre de Ska. La otra, Jeruska, toca el clarinete. También se enorgullece de que su familia y él sean coquimbanos.

-¿O sea?

-Choros, mañosos, garabateros.

Carolina lo sabe bien: en el colegio, sus hermanos le espantaban a los pretendientes. "Recién a los 17 años pololeé", se queja. "Si un huevón quería acercársele, tenía que entenderse con los hermanitos Macana", reconoce Cristián.

En la mesa, las anécdotas abundan, sobre todo con unos hijos que, por lo visto, eran maldadosos y creativos… "Esto es medio cochino, pero una vez, no sé de dónde sacaron que a una perra (la Zucky), si le metían una aspirina en el poto, ella se iba a encender. Cristián le hundía la aspirina y le decía: 'prende luz' ", dice María Elena.

Cristián bromea con que si fuera portero del Club de Jazz, no lo "pescaría" nadie. "Todas las mujeres que he tenido las he conocido por la música", asegura. Igual que el padre.
A María Elena, Wilson Cuturrufo la conquistó "sin decir una palabra", hace casi 40 años, en un malón familiar. Ella es la única que no es músico, aunque, a través de los años, aprendió a darse cuenta cuando alguien desafina o si hay que subir un volumen o bajarlo.
En todo caso, en el Club de Jazz "cada cual atiende su juego". María Elena es la administradora. Marcelo tiene un estudio de grabación. Carolina es la directora de una escuela de teatro. Rodrigo piensa abrir un café. Y Cristián toca cada vez que puede. Para los casamientos venden un 'servicio' completo: la madre se encarga del banquete, el padre oficia de maestro de ceremonias y dirige a Los Mascott, orquesta 'cumbianchera' de la cual, por supuesto, participan sus hijos.

"En la casa, bailamos, cantamos todos y yo hago payas", cuenta Cristián. Y son sagrados los 18 y las navidades en familia. Aunque Rodrigo, cada vez más fervoroso (apenas acepten sacerdotes casados se hace cura), va hasta Andacollo, a saludar a la "negrita", como llama a la Virgen.

Cristián lleva al cuello una cadena gastada con su imagen. Son todos devotos. Y, hasta la fecha, le han dedicado dos discos.

En sus tierras, a los Cuturrufo les dicen el 'Cutus Clan', porque se mueven en grupo, y nadie sabe si eso tiene que ver con las raíces diaguitas o sicilianas que se le atribuyen al apellido. "A mí me gusta. Habla de una familia férrea. Establecimos una marca, pero también ayudamos al desarrollo de mucha gente. Siempre hemos tenido instrumentos y los prestamos para que otros aprendan", subraya Wilson Cuturrufo.

Y como buen grupo, no paran: el 2006 esperan inaugurar la Escuela Iberoamericana de Ciencias y Cultura de Coquimbo. Claro que aún no está decidido quién "tocará" qué...


Alex W. Levine.-

El Gigante del Saxo: John Coltrane

Hay un antes y un después de Coltrane. Son muchos los músicos que incluso hoy toman como punto de referencia lo que este excepcional músico aportó al Jazz. Pero Contrane no es un artista que surge de la nada, con un estilo propio y ya innovador desde sus primeras grabaciones, muy al contrario, estamos ante un estudioso que con profundo respeto hacia los que le precedieron, pretende y consigue revolucionar no solamente la forma de interpretar, sino sobre todo la de transmitir cada una de las sensaciones que su privilegiada mente acoge.

William John Coltrane ("Trane") nace en Hamlet, un pueblecito de Carolina del Norte el 23 de septiembre de 1926. Es hijo de un sastre aficionado a la música y es en sus años escolares y en una banda de scouts cuando empieza a tocar el saxo alto. En 1943 su familia se traslada a Filadelfia donde obtiene una beca para estudiar música. En 1945 es movilizado por la Marina tocando en la orquesta de su regimiento en Hawai. A su vuelta trabaja en grupos de rhythm and blues con Joe Web, Big Maybelle, King Kolax y con la orquesta del saxo alto Eddie Vinson donde por primera vez toca como saxo tenor. De esta época guardo siempre Coltrane un buen recuerdo, reflejado posteriormente en "Countdown", que era una adaptación de una composición de Vinson ("Tune Up). Durante ésta época Coltrane profundiza en su conocimiento de Lester Young y Coleman Hawkins. Durante una gira por California conoce en una jam sesion a Charlie Parker, Red Callender, Erroll Gaener y al batería Harold West. En 1948 junto a los hermanos Heath (Al, Percy y Jimmy) forma parte de la orquesta del Apollo de Harlem.

Tras una gira por Chicago, Coltrane es despedido. En la segunda mitad de 1949, el saxo tenor Jesse Powell sugiere a Dizzy Gillespie que contratara a Jimmy Health quien acude a una audición preliminar acompañado de Coltrane, resultando ambos elegidos. En la orquesta de Gilliespie figuran Yusef Lateef (que inicia a Coltrane en el estudio de las religiones orientales), Bill Barron (que también le inicia en la práctica del yoga) y Charles Greenlee (que contraería después matrimonio con la prima de Coltrane (Mary). En la orquesta, la mayoría de los solos se encomendaban a Health, mientras que Coltrane actuaba en pocas piezas. Debido a graves problemas dentales producidos por la carencia de vitaminas y abuso de dulces, Coltrane se acostumbró a ingerir excesivas cantidades de licores que le aliviaran el dolor. En las Navidades de 1950, Gillespie disuelve su big band y forma un septeto con Jimmy Health y Coltrane (ya como saxo tenor). A comienzos de 1951 Health abandona el grupo, permaneciendo Coltrane definitivamente como tenorista. Es entonces cuando comienza a escuchar y aprender de Hawkins, Young, Dexter Gordon y Stan Getz, los músicos que junto a Sonny Stitt y Sonny Rollins más influyern en Coltrane.

Entre el 21 de noviembre de 1949 y el 1 de marzo de 1951, Coltrane realiza junto a Stan Getz sus primeras grabaciones como sideman, para los sellos Capitol y la Dee Gee.
En 1951 deja la banda de Gillespie y regresa a Filadelfia, matriculándose en la "Granoff School of Music" donde comienza a escuchar a compositores clásicos europeos (Debussy, Ravel, Stravinski y Bartók).

A comienzos de 1952 Coltrane entra en la orquesta de Earl Bostic con quien permance hasta 1953 y gaba algunos temas como sideman.

En 1953 entra a formar parte de la orquesta del saxo contralto Johnny Hodges que acababa de abandonar la orquesta de Ellington. En esta época Coltrane comienza a consumir narcóticos, consumo que supone, tras algunas grabaciones para la Verve, que en septiembre de 1954 tenga que abandonar la orquesta. En junio de 1954 conoce a Juanita "Naima" Grubbs, contrayendo matrimonio el 3 de octubre de 1955.

Pese a residir en Filadelfia, Coltrane se traslada muy a menudo a Nueva York trabajando en las sessions que se daban todos los lunes en el "Birdland". Tras ser recomendado por Red Garland, Paul Chambers y la tercera esposa de Parker (Doris), Coltrane entra en el quinteto de Miles Davis al que también pertenecía el batería Philly Joe Jones. El 27 de octubre de 1955 el grupo graba para Prestige el álbum "The New Miles Davis Quintet" y posteriormente "Cookim", "Relaxin", "miles Davis and the Modern Giants", "Miles Davis and John Coltrane play Richard Rodgers"... El quinteto de Davis tuvo un gran éxito del que se beneficiaron todos sus músicos. El grupo es contratado por Columbia grabando el tema "Sweet Sue", pieza que se incluyó en una especie de antología del Jazz organizada por Leonard Bernstein ("What is Jazz"), grabando posteriormente el femomenal "Round About Midnight". Es en el tema que da título al album donde Coltrane pone de manifiesto toda su genialidad con un "solo" que resume todos sus conocimientos. Pese a todo y al empeorar su salud, Coltrane abandona el grupo regresando a Filadelfia con su mujer. Aquí graba con Paul Chambers y Tadd Dameron el álbum "Mating Call".

En Junio de 1957 se traslada con su esposa a Nueva York donde empìeza a trabajar con Thelonious Monk. De esta colaboración Coltrane descubre un nuevo universo musical grabando "Thelonious Monk With John Coltrane" y "Monk´s Music".

El 15 de septiembre de 1957 Coltrane graba su primer álbum para la Blue Note, "Blue Train". Durante 1957 hasta abril de 1958, Coltrane trabaja muy intensamente, grabando "The Believer", "The Last Trane", Soultrane", Trane´s Reing" (todos ellos para Prestige).
En noviembre de 1957 Coltrane vuelve a grabar junto a Miles Davis ("Milestones", "Jazz Track", Miles and Monk at Newport"), grabando en 1958 y a su propio nombre "Black Pearls", Stardust", "Standard Coltrane", "Bahía" y "Coltrane Time" (grabado este último con Cecil Taylor y George Russell).


En 1959 empieza a interesarse con ocasión de un encuentro con el saxofonista "James Moody" por el saxo soprano y participa con Miles Davis en el fenomenal "Kind Of Blue". En este mismo año graba "Giant Steps" para el sello Atlantic. en 1960 Coltrane funda el núcleo de su futura actividad musical, el "John Coltrane Quartet", si bien también realiza grabaciones junto a otros músicos como en "Coltrane Jazz" (junto a Wynton Kelly, Paul Chambers, Jimmy Cobb, McCoy Tyner, Elvin Jones y Steve Davis). Profundizando en el uso del saxo soprano Coltrane gaba "My Favorite Things". En este año 1960 y en el siguiente, Coltrane es elegido por los lectores de "Down Beat" como el mejor saxofonista tenor. En 1961 se une al cuarteto Eric Dolphy con el que graba el álbum que marca el paso de Atlantic a Impulse, "Africa Brass". Siguió todavía para Atlantic la grabación de "Olé Coltrane", así como "Impressions".

En 1962 graba "Coltrane" y "Ballads" y pocos días después gaba junto a Ellington "Duke Ellington and John Coltrane". Todas estas grabaciones ponen de manifiesto el alto grado de madurez alcanzado por el saxofonista. En noviembre de este año, Coltrane inicia su segunda gira europea (la primera la realizó el año anterior bajo los auspicios del productor Norman Granz). A su vuelta, Elvin Jones tiene que ser ingresado para una cura de desintoxicación, siendo sustituido por baterías como Philly Joe Jones, Louis Haynes y Roy Haynes, si bien con ninguno llegó Coltrane a compenetrarse tanto como lo hacía con Elvin Jones, si bien fue con Roy Haynes con quien más a gusto se encuentra, grabando una estupenda versión en directo de "My Favorite Things" incluída en el album "Selflessness". En 1963 Coltrane abandona a su esposa Naima y se une a la pianista Alice McLeod.

En 1964 se acentúa el interés de Coltrane por la cultura y religiones orientales y graba el monumental "A Love Supreme". A esta grabación le siguen otras entre las que destacan "Kulu Se Mama" (donde aparece por primera vez Pharoah Sanders) y "Ascension". A continuación inicia una nueva gira europea en la que se empieza a resquebrajar la unión en su cuarteto debido fundamentalmente a las modificaciones que el grupo sufre con las intervenciones de voces nuevas como las de los tenores Shepp y Sanders y del batería Rashied Ali. McCoy Tyner deja el grupo y es sustituido por Alice McLeod, al igual que lo hace Elvin Jones, siendo definitivamente sustituido por Ali. La nueva formación en la que todavía figura Garrison graba en mayo de 1966 un álbum en directo en el "Village Vanguard" de Nueva York, y en julio durante una exitosa gira por Japón graba un concierto dado en Tokio.

Estamos en los últimos años de vida del saxofonista que al parecer había vuelto a abusar en el consumo de drogas. Poco antes de morir, Coltrane graba "Expression", uno de los discos más poéticos de toda su producción y que contrasta con las angustiosas "Interstellar Space" y "Stellar Regions" grabados todos en 1967.

El 16 de julio de 1967 Coltrane ingresa de urgencia en el "Huntington Hospital" falleciendo al día siguiente a las cuatro de la madrugada a causa de un cáncer hepático. En el funeral celebrado el 21 de julio en la "St. Peter´s Lutheran Church" ante una enorme multitud, intervinieron muchos músicos, como Albert Ayler y Ornette Coleman que tocaron durante toda la ceremonia.

Bueno, he dividido los temas en lo que yo considero las tres grandes etapas en el desarrollo musical de john coltrane, primero un tema de su era hard-bop, quizás la que muchos más aprecian de él, porque las otras son de mas difícil entendimiento. De acá "Blue Train", del disco homónimo de 1957 (su primer disco con Blue Note). En 2° lugar, de cuando coltrane ya había avanzado a una etapa que llamo "espiritual" (en donde entendia su música como una expresión de su fé y devoción a dios), el tema "resolution", del impresionante (y el mas vendido de Trane) "A Love Supreme". Antes de morir este gigante, su tercera etapa lo llevó por los caminos del Avant-Gardé y del Free-jazz (con una musicalidad eso si que ya se la quisiera Ornette Coleman), y de acá les presento el tema (y disco al mismo tiempo) de 38 minutos, "Ascensión (Edition I)", que si bien puede ser enmarcado también como espiritual, ya marac las tendencias free. Tal como lo dice su nombre es como que si la música cada vez flotara más, ojalá les de el cuero para escucharlo entero, no se van a arrepentir.




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Alex W. Levine.-

Lo que el viento nos dejó: Eric Dolphy

(por Guillermo Bazzola, publicada originalmente por la revista "Clásica", marzo de 2001)

"Al escuchar música, una vez que terminó, se va con el aire. Nunca puede ser capturada otra vez".

Las palabras de Eric Dolphy resuenan como un eco del más allá en el instante final de Last Date, esa suerte de obra póstuma, su última grabación (no autorizada, por supuesto) que recoge una actuación en Hilversum, Holanda junto a un grupo de jóvenes músicos entre los que estaban el pianista Mischa Mengelberg y el baterista Han Bennink.

Dolphy había nacido en Los Angeles en 1928. Su debut discográfico se produjo en 1949, como miembro de la banda de Roy Porter, y durante los años siguientes, su actividad fue más bien errática. En 1956 grabó con el cantante Ernie Andrews en una orquesta dirigida por Benny Carter. Luego empezó a trabajar con la big band de Gerald Wilson, y recién abandonó la categoría de desconocido al ingresar al quinteto del baterista Chico Hamilton.

En 1958, el vientista Paul Horn, que había sucedido a Buddy Collette, dejó la banda. "Mi hermano Bernie, el Capitán Dobby de la serie Starsky & Hutch, me dijo que debía escuchar a este amigo suyo de la secundaria", recuerda Hamilton. Dolphy, ejecutante consumado de saxo alto, flauta y clarinete bajo, ingresó al quinteto, con el que aparece en la conocida película Jazz en una Noche de Verano, filmada durante el Festival de Newport.

Para Hamilton, Dolphy fue "uno de los músicos más dedicados que he conocido. La música fue su vida, y a veces la pasamos mal porque el público no estaba preparado para él". Estuvo en el grupo poco más de un año, y luego partió hacia la inevitable New York con la orquesta de Sy Oliver, que acompañaba a Sammy Davis Jr.

Allí empezaba otra historia. Además de comenzar su carrera solista, con el formidable Outward Bound, grabado en abril de 1960, Dolphy iniciaba una serie de sociedades con otros grandes músicos de la época: Charles Mingus, John Coltrane, Ornette Coleman, Oliver Nelson, Booker Little.

Con Little, un extraordinario trompetista y compositor de sólo 22 años, grabó en diciembre de 1960 Far Cry, un álbum fundamental que incluía Miss Ann, probablemente la más conocida de sus composiciones. Al año siguiente, en julio de 1961, aparecieron juntos en las célebres sesiones del Five Spot Cafe con Mal Waldron, Richard Davis y Ed Blackwell. La intempestiva muerte de Little en el mes de octubre, lo privó de uno de sus más cercanos colaboradores.

"Trane tomó pocas decisiones musicales importantes sin consultarlo primero", dice Bill Cole en su biografía de John Coltrane, quien era amigo de Dolphy desde principios de los 50's. Su manera de tocar era muy distinta: Coltrane fluido y Dolphy entrecortado y angular. Tal vez por eso se complementaban a la perfección. En mayo de 1961, grabaron Ole Coltrane, el último álbum de Trane para Atlantic y Africa Brass, la primera sesión para Impulse, ésta con el grupo de Coltrane (experimentando con dos contrabajos) y una orquesta arreglada y dirigida por Dolphy. A fines de ese año, se presentaron en las memorables sesiones del Village Vanguard, y poco después compartieron un tour europeo.

Charles Mingus lo integró a su grupo en 1960, y aunque de modo intermitente, siguieron tocando juntos hasta 1964. Grabaron varios discos, y uno de los momentos memorables es el dueto entre el contrabajo y el clarinete bajo en What Love, donde Mingus y Dolphy hacen hablar a sus instrumentos.

La colaboración con Coleman y Nelson no fue tan extensa. De cualquier modo vale la pena notar que su participación en álbumes tan importantes (y tan distintos) como Free Jazz y The Blues and the Abstract Truth no hace otra cosa que destacar la versatilidad de Dolphy para adaptarse a contextos disímiles sin perder nada de personalidad.

En sus tres instrumentos, Dolphy fue un maestro. Con el saxo alto, mostró inicialmente una fuerte influencia de Charlie Parker, pero a medida que crecía la figura de Ornette Coleman, fue asimilando las concepciones de libertad armónica, al tiempo que su sonido se tornaba cada vez más extrovertido. Con la flauta tenía un sonido depurado, y respecto al clarinete bajo, se podría prácticamente afirmar que lo inventó como instrumento para la improvisación moderna. Salvo esporádicas ejecuciones de Harry Carney (saxo barítono de la orquesta de Duke Ellington), a este instrumento anteriormente no se le había dado demasiada importancia.

Muchas veces se lo asocia con un estilo turbulento y por momentos hiriente, pero su capacidad para interpretar las baladas es inimitable, ya sea con el saxo alto en Tenderly, con la flauta en Glad to Be Unhappy, o con el clarinete bajo en God Bless the Child.

Su interés nunca se centró exclusivamente en la música de jazz, sino que abarcó desde las músicas folklóricas de Oriente y el Africa hasta la música académica contemporánea. Se dice que gustaba ejecutar la obra Density 21.5 del compositor Edgar Varèse, y estando en Darmstadt, Alemania, asistió a un curso dictado por el gran flautista italiano Severino Gazzelloni. A él dedicó el tema llamado precisamente Gazzelloni, incluído en Out to Lunch!, su obra maestra.

Es de imaginar que un músico con influencias tan variadas lograría cristalizar un sonido original. Eso fue lo que ocurrió con Dolphy, que e ahondó como pocos en la investigación del timbre instrumental y del fraseo en la improvisación. Sus ejecuciones tenían un sesgo expresionista, casi declamatorio, a veces de una profundidad desgarradora.

El 29 de junio de 1964, nueve días después de haber cumplido 36 años, murió repentinamente, al parecer víctima de un infarto, mientras se encontraba en un local en Berlín. Gil Evans cuenta su versión: "Eric Dolphy murió de una sobredosis de miel. Todo el mundo piensa que fue por drogas, pero él estaba obsesionado por su salud. Era diabético y no lo sabía. Comía nueces y se tomaba un par de tazas de miel todos los días, y eso lo mató. Entró en coma y nunca pudo salir".

Poco antes había aparecido en dos álbumes extraordinarios: su Out to Lunch!, con Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson, Richard Davis y Tony Williams, y Point of Departure, del pianista Andrew Hill, junto a Kenny Dorham, Joe Henderson, Davis y Williams. Nadie podría afirmar con certeza cuales hubiesen sido sus próximos pasos, pero Out to Lunch! lo presenta ya no sólo como un instrumentista excepcional sino también como un compositor de gran estatura.

En todo caso, sólo resta agradecer a los productores e ingenieros de sonido por haber estado en el momento justo, pero sobre todo al viento por haber tenido la generosidad de dejar de soplar oportunamente, y de esta manera contribuir a la perpetuación de la obra de un artista incomparable.

Para la escucha: 1° el tema "Miss Ann", que como ya dice arriba es uno de los mas conocidos de Dolphy, en donde se puede apreciar su calidad en la ejecución del saxo, muy seco y con rápidos cambios de melodías. El 2°, "Left Alone", es una hermosa balada en donde toma la flauta traversa para nuevamente deslumbrar con su potencia interpretativa. Estos dos temas son del disco "Far Cry", mientras que el 3° pertenece a su obra cúmbre, "Out to Lunch", hablo de "Gazzelloni", dedicado a su maestro y en el cual se ve cómo Dolphy se movia cada vez más hacia el avant-gardé, antes de que su repentina muerte cortara una promisoria carrera.

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Discografía como Líder:

The Prophet (reunion de Outward Bound y Out There por Prestige, 1960).
Latin Jazz Quintet with Eric Dolphy (Prestige, 1960).
Others Aspects (Blue Note, sessions de 1960, 62).
Far Cry (Prestige, 1960).
Eric Dolphy At the five Spot vol.1 et 2 (Prestige, 1961).
The Berlin Concerts (Enja, 1961).
Stockholm Sessions (Enja, 1961).
Live at Gaslight Inn. (Ingo, 1962).
Iron Man (Enja, 1963).
Conversations (Affinity, 1963).
The Illinois Concerts (Blue Note, 1963).
Out To Lunch (Blue Note, 1964).
Eric Dolphy with the Misha Mengelberg Trio Last Date (Emarcy, 1964).
Eric Dolphy / Donald Byrd Unrealized Tapes (West Wind, 1964).


Discografía como Sideman:

Charles Mingus Mingus at Antibes (Atlantic, 1960).
Charles Mingus Charles Mingus presents Charles Mingus (Candid, 1960).
Gunther Schuller Jazz Abstractions (Atlantic, 1960).
Ornette Coleman Double Quartet Free Jazz (Atlantic, 1960).
Abbey Lincoln Straight Ahead (Candid, 1961).
Oliver Nelson The Blues and The Abstract Truth (Impulse, 1961)
Booker Little and his Sextet Out Front (Candid, 1961).
George Russel Sextet Ezz-Thetics (Riverside, 1961).
John Coltrane Africa / Brass (Impulse, 1961).
John Coltrane Olé Coltrane (Impulse, 1961).
Max Roach Percussion Bitter Sweet (Impulse, 1961).
John Coltrane Live at the Village Vanguard (Impulse, 1961).
John Coltrane The Complete Paris Concerts (BYG, 1961).
John Coltrane John Coltrane Live at Birdland featuring Eric Dolphy (Affinity, 1962).
Charles Mingus and his Orchestra Town Hall Concert (United Artists, 1962).
Freddie Hubbard and his Orchestra The Body and The Soul (Impulse, 1963).
Charles Mingus and his Orchestra Mingus, Mingus, Mingus, Mingus (Impulse, 1963).
Gil Evans The Individualism of Gil Evans (Verve, 1963).
Andrew Hill Sextet Point of Departure (Blue Note, 1964).
Charles Mingus Jazz Workshop : tous les enregistrements de la tournée de 1964 !

Alex W. Levine.-

Del Rock al Jazz: Bill Bruford's Earthworks

Hablar de Bill Bruford es hablar de una leyenda viva. Este potente y experimentado baterista quizás no es reconocido por la mayoría de la gente por su trabajo en estilos jazzeros. Durante la década del ‘70 especialmente, y también en los ‘80 y ‘90, Bruford fue el baterista de las mejores y mas novedosas bandas del rock progresivo inglés, que vinieron a ponerle “cabeza” y virtuosismo a un rock simplista existente hasta ese momento. Conocí a este tremendo baterista través de King Crimson, el multi-cambiante grupo del virtuoso guitarrista inglés Robert Fripp. Me declaro fanático incondicional de King Crimson así que lo que diga no sería muy objetivo, pero el tipo era realmente increíble en los paños (les recomiendo el disco "Larks' Tongues in Aspic”). Antes había tocada en la exitosa y reconocida banda Yes, pero por intereses musicales se fue al rey carmesí, y por lo mismo es que dejó el rock hace ya un tiempo, esto porque en sus propias palabras el rock se había convertido en un negociado y aborrecía cuando la música se transformaba en otra cosa que no fuera una expresión artística.

Para mí fue una sorpresa saber hace ya un buen tiempo que el más importante batero de la escena progresiva se daba una tremenda vuelta para entrar en el jazz. Es que hay que decir que siempre ha existido el prejuicio de que los músicos de Rock sirven para eso y ya, y que el jazz requiere otro nivel de habilidades, mucho mayores a la de sonidos mas duros. Claro, yo no sabía que Brufford tiene en sus raíces un entrenamiento Jazz en la batería, y que luego se fue al rock… touché.

Acá es donde entra en escena el Bill Bruford’s Earthworks. Una clásica formación de jazz acústico (que para mi sorpresa ya lleva 20 años de existencia), compuesto por grandes talentos de la escena jazzistica del Reino Unido. A continuación les hablaré un poco de los integrantes 2005/06; Tim Garland (quizás el nombre que más suena) se apodera del Saxo Tenor y composiciones, reconocido mundialmente por haber tocado con Chick Corea, es un gran talento si se trata de escribir y componer música. Laurence Cottle en bajo eléctrico, otro “viejo conocido” en la escena rockera inglesa, cuyos trabajos van desde Black Sabath hasta Eric Clapton. En el piano el bebé del grupo, Gwilym Simcock, un virtuoso pianista de sólo 25 años, quien a su corta edad ya tiene en su currículum nombres como Kenny Wheeler, Tim Garland, Stan Sulzmann, Iain Ballamy, Julian Arguelles, Pete King, Don Weller y Steve Waterman.

Si bien los “trabajos terrícolas” de Bruford son netamente jazz, es inevitable sentir la influencia de sus años de desenfreno progresivo, sobre todo en sus discos más antiguos. Hay temas en los que se puede escuchar la influencia de Fripp en su música, una suerte de fusión que muestra finamente el lado progresivo, pero sin caer en algo mas rockero por parte del baterista (advertencia: acá no van a escuchar jazz-rock como lo hacen un John McLaughlin por ejemplo). En sus últimos trabajos con el Earthworks, se ha movido hacia las raíces del jazz, explorando por ejemplo en el disco en vivo “Footloose and Fancy Free” (2002) lo mejor del jazz acústico, muy bien grabado además. Este disco doble es simplemente excepcional, y si se lo pueden conseguir, háganlo (difícil en Santiago, o el DVD “Footloose in NYC” es otra buena alternativa). El saxo recuerda los mejores tiempos de un Wayne Shorter, un contrabajo impecable y un piano que arma el grupo. Realmente imperdible.

Dos temas, El acústico y movido que otorga su nombre al disco, “Footloose and Fancy Free”. Para Finalizar, “Triplicity”, en donde los que ya conoce al Bruford rockero podrán fijarse en la influencia progresiva que conduce el tema.

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Alex W. Levine.-