Simplemente Jazz

Fela Kuti, la leyenda del rebelde incómodo.

2008-11-11T02:41:00.001-02:00

Hace algo menos de un mes, por recomendación de una amiga del Blog, Alejandra, de México, llegó a mis oídos la maravilla que les presento a continuación. Padre y creador del Afro-Beat, genio musical, multi-instrumentalista, activista y preso político, Fela Kuti es una de las voces que mas fuertes ha sonado desde el continente negro. En su música se pueden escuchar desde las improvisaciones y grandes arreglos de bronces propios del jazz americano, hasta esa simple e inocente alegría de la música nativa de su querida Nigeria, siempre con un contenido social relevante y en primera línea, que lo llevó a estar preso varias veces y a perder a miembros de su familia producto de la opresión dictatorial. Aún así, lo que más llama a escuchar a Fela son las grandes composiciones sobre líneas simples pero llenas de potencia y ritmo, que lo hicieron transformarse en el inventor de uno de los verdaderamente auténticos ritmos de la década del '70. Les dejo un artículo muy interesante publicado en el diario El País, autoría de Sergio A. Manrique. Finalmente un par de temas, ambos bastantes largos como casi todos los del nigeriano (aprox. 15 min. cada uno).
En tiempos donde el derrumbe económico nos demuestra que el dinero y poder corrompen, siempre es bueno recordar a los soñadores, a los verdaderos artistas, quienes entregan su esfuerzo por un mundo mejor y no para llenarse los bolsillos de dólares.
Alex.-

Tenía 59 años cuando dejó de respirar, el 2 de agosto de 1997, en la ciudad de Lagos. Su muerte fue sórdida: se negaba a reconocer la causa de sus dolencias ("el sida es una enfermedad del hombre blanco") y sólo recurrió a tratamientos tradicionales. Testarudo, una de sus últimas canciones atacaba el uso higiénico del condón como contrario a la cultura africana. No veía relación entre su promiscuidad -llegó a tener 27 esposas- y el sarcoma de Kaposi que acabó con su vida. Sólo tras el entierro, que convocó a un millón de nigerianos, su hermano mayor hizo pública la naturaleza de su mal.

Fela Kuti se escapa de nuestros esquemas. Fue un cantante de protesta, con todo lo que eso comporta en un régimen dictatorial como el de Nigeria. Sus piezas señalaban con el dedo los vicios de la sociedad poscolonial, ensañándose especialmente con los militares. Los uniformados demostraron su proverbial falta de cintura y le encarcelaron en varias ocasiones, por delitos que iban desde la tenencia de divisas a la posesión de marihuana. En 1977, tras popularizar el burlón Zombie, mil soldados arrasaron su República de Kalakuta, la comuna de Lagos donde vivía y trabajaba. Hubo violaciones y palizas; la madre de Fela murió a consecuencia de las agresiones.

Pero Fela merecía algo más que solidaridad. Su afro-beat era arrebatador: un espeso potaje de funk, jazz y ritmos nigerianos, base para excitantes expediciones donde Fela tocaba teclados y saxos, aparte de cantar en pidgin, el inglés de la calle, o en yoruba, una de las lenguas nigerianas. En la música, no aceptaba compromisos. Ajeno a la idea occidental de la canción breve para la radio, editaba elepés con un tema por cada cara, que podían durar hasta 30 minutos. Cuando Motown quiso contratar sus servicios, se negó a considerar la idea de recortar su música. Típicamente, rechazó firmar -le pagaban un adelanto de un millón de dólares- con el potente sello estadounidense, tras consultar con un hechicero.

Sus arrebatos eran temibles. Aunque trabajó con músicos blancos como el baterista Ginger Baker, se enfrentó con Paul McCartney en 1972: el ex beatle alucinó al escucharle ("la mejor banda en directo del mundo"), pero Fela se presentó en el estudio de Lagos donde grababa para recriminarle que quisiera robarle su música; McCartney prefirió alejarse del afro-beat. Algunos productores foráneos -Wally Badorou, Dennis Bovell, Bill Laswell- intentaron moderarle, pero el presidente negro volvía irremediablemente a sus peores hábitos: las divagaciones instrumentales, los desarrollos gratuitos, los sermones pueriles.

Así que, 10 años después de su desaparición, la música de Kuti sigue siendo un continente inmenso por explorar: lanzó más de 50 elepés. Muchos de ellos fueron recogidos a pares en CDs de Universal. Hubo un intento de presentarle a un público amplio, como el homenaje Red hot + riot, editado por una organización que combate el sida. Pero su música se mantiene viva a través de sus discípulos y sus hijos. Femi Kuti factura afro-beat muy accesible mientras su hermano Seun dirige Egypt 80, una banda nucleada por veteranos.

Otro alumno es el baterista Tony Allen, ahora cercano al estrellato pop por su aventura con Damon Albarn, el cantante de Blur. Aunque la semilla del afro-beat ha prendido con fuerza en las pistas de baile, abriendo brecha las grabaciones de esa pareja de latinos de Nueva York que funciona bajo el nombre de Masters at Work. La delegación española de los felamaníacos es particularmente activa: organizada como Asociación Afrobeat Project y encabezada por un celebrado pinchadiscos madrileño, DJ Floro, anuncia para septiembre siete fiestas Fela en diferentes ciudades de la Península; el 7 y el 8 en Madrid (Sala Juglar y La boca del Lobo); el 14 en Granada (Afrodisia Club y Booga Club); el 18 en Barcelona (Sidecar); el 21 en San Sebastián (Etxekalte), y el 28 en Sevilla (Malandar).

Muere Richard Wright, fundador de Pink Floyd

2008-09-15T18:01:00.001-03:00

Si bien este es un blog de jazz, no puedo hacer menos que sumarme al triste luto por la pérdida de uno de los grandes tecladistas que haya tenido el rock progresivo, el gran Rick Wright, miembro fundador de una de mis bandas favoritas, Pink Floyd.

Será extrañado por muchos, olvidado por pocos.

Alex.-

El tecladista Richard Wright, miembro fundador de la legendaria banda de rock británica Pink Floyd, falleció a los 65 años víctima del cáncer.

Wright figuró en el primer álbum del grupo, "The Piper at the Gates of Dawn", grabado conjuntamente en 1967 con Syd Barret, Roger Waters y Nick Mason. De su autoría son piezas incluidas en varios álbumes clásicos de la banda como "The Dark Side of the Moon" y "Wish You Were Here". Un portavoz del fallecido músico señaló que su familia "anunció con gran tristeza que Richard murió después de una corta lucha contra el cáncer". El vocero no específico que tipo de cáncer padecía el pianista y tecladista.

Separación y reunión

Wright conoció a Waters y Mason cuando estudiaban Arquitectura en Londres. Juntos fundaron en 1965 "The Pink Floyd Sound" (como se llamó originalmente la banda) y también participaron en agrupaciones previas como Sigma 6. Pronto se convirtieron en referentes de la escena sicodélica londinense, anotándose un éxito con su disco debut en el que Syd Barret tuvo un papel protagónico. Barret abandonó la banda poco después del ingreso de Dave Gilmour en 1968. En la década siguiente la banda alcanzó una popularidad legendaria con discos como "The Dark Side of The Moon", que permaneció en la cartelera de Estados Unidos durante más de una década. Entre las contribuciones de Wright a ese album se incluyeron "The Great Gig in the Sky" y "US and Them".

La última reunión

Wright dejó Pink Floyd tras una pelea con Waters durante las sesiones de grabación de "The Wall" y no participó en "The Final Cut". El músico volvió a unirse a la banda en 1987, cuando pasó a ser liderada por el guitarrista David Gilmour y ya no contaba con la presencia de Waters. Wright, conjuntamente con Gilmour y Mason, continuaron dando giras como Pink Floyd. Su último disco de estudio, "The Division Bell", fue editado en 1994. En 2005 la banda se volvió a juntar por primera vez en 24 años para participar en el concierto de beneficencia "Live 8", que se llevó a cabo en el Hyde Park de Londres. Este mismo año Gilmour le insinuó a la BBC que el grupo podría reunirse otra vez para un concierto especial, pero descartó la posibilidad de otra gira.

Fuente: BBC

Medeski Martin & Wood nuevamente en Santiago!

2008-09-01T02:03:00.001-03:00

Mientras todos andan vueltos locos tratando de comprar entradas de valores estratosféricos para ver a una señora cincuentona cantando pop en un estadio de fútbol, tranquilito por los palos se aproxima un show de verdadera calidad mundial. Si señores. Una vez más tendremos la fortuna de contar en nuestra humilde ciudad de Santiago con estos monstruos del jazz norteamericano. Se trata del trío de jazz de vanguardia Medeski Martin & Wood. Ya hicieron de las suyas en el teatro oriente hace un par de años, y quienes tuvieron la suerte de asistir a ese evento, no me cabe la menor duda de que ya tienen comprada su entrada. Simplemente les puedo decir que es el mejor concierto de jazz al que he asistido. La capacidad de improvisación, el entendimiento y sincronismo entre los tres músicos, y la habilidad de fusionar el jazz de vanguardia, soul y funk de una manera única, son razones de sobra para pagar las luquitas, que lamentablemente en esta oportunidad son bastantes (la más barata a $14.000). Pero les aseguro que no se arrepentirán, mas que un gasto es una inversión.

Anote:
Medeski Martin & Wood
16 de septiembre - 21:00 Hrs.
Teatro Oriente, Providencia.
Entradas a la venta por Ticketmaster
Precios: De $14000 a $24000
Valores no incluyen cargo por servicio (sin cargos en boleterías del teatro)

Les dejo un par de videos para que sepan de que se trata,
Salu2, nos vemos allá!
Alex.-

Comentario de disco / A.M.O. Triyecto

2008-05-01T19:35:00.001-03:00

Adentrarse en el género de Fusión puede ser peligroso. Abarca mucho y, por lo tanto, en ocasiones no es raro oír experimentos sonoros fácilmente olvidables. Claro, de ser tratado con inteligencia y talento, puede entregar grandes producciones.

A.M.O. Triyecto es el primer disco del trío de jóvenes músicos integrado por OrionLion en piano, Miguel Fonseca en bajo y André Valenzuela en batería. El disco fusiona el lenguaje jazzístico con la estética del folklore latinoamericano, sobre todo chileno. Podemos encontrar desde ritmos altiplánicos (Vieja, ya viene el sol) hasta trazos de cueca del centro-sur del país –e incluso un guiño a Los Jaivas- (La fugitiva). En su mayoría el disco está bien logrado, si bien a ratos se extraña un sonido más afiatado entre los tres músicos, dando a ratos la impresión de que les vendría bien la inclusión de algún otro instrumento melódico, ya que el estilo en que Orion ejecuta el piano, si bien es muy interesante, deja algunos espacios que incomodan al oído (al parecer no suele afirmar sus solos con acordes en la zona más baja del piano).

André Valenzuela es un buen baterista, que no abusa en la utilización de recursos en su instrumento y contribuye así a la creación un clima bastante liviano. Esto es destacable en un género plagado de bateristas más preocupados de su propio ego que de la eficacia sonora.

Miguel Fonseca es un correcto bajista, que sabe cumplir inteligentemente su rol dentro del trío, arrimándose perfectamente a la batería de Valenzuela y mostrando su talento a la hora de ejecutar solos. Contribuye además con composiciones correctas y que funcionan –como Tal Vez, el tema más cercano a un jazz post bop- pero son sin duda las creaciones de OrionLion las que destacan, siendo este un músico con algo más de experiencia y con un disco ya a su haber. Ciudad de las grúas utiliza inteligentemente progresiones bastante pegajosas, que dan como resultado un sonido fácil de escuchar, y quizás el más comercial del disco. Vals para Catalina –la pista más larga, con 11 minutos de duración- cierra el disco, y esta balada es sin duda el tema mejor logrado, desde su composición hasta la interpretación de cada músico, destacando los matices logrados por el piano de Orion, que da la impresión de tocar con un sentimiento especial esta última pieza.

A.M.O. Triyecto es en general un correcto disco debut, claro que con el correr de los años estos jóvenes músicos podrán pulir más su sonido y con la práctica lograr una cohesión que en ciertos pasajes del disco se extraña.

Alex W. Levine Arriagada.

El jazz y el sincretismo cultural en el nuevo continente: Hacia una identidad del Jazz Chileno

2008-03-28T19:18:00.001-03:00

El jazz como género comienza a aparecer (hay que comprenderlo como un proceso, no algo que sucedió de la noche a la mañana) a finales del siglo XIX en la ciudad de Nueva Orleans, en el estado de Louisiana, Estados Unidos. La situación geográfica de esta ciudad, y el momento histórico son dos conceptos fundamentales para entender el nacimiento de esta forma de arte. Se hace por lo tanto necesario un poco de historia para poder entender su surgimiento.

En los tiempos en que Louisiana era colonia francesa, su capital, Nueva Orleans, se encontraba en mano de españoles. La ciudad seguirá bajos su dominio hasta 1800, antes de pasar a Francia, por un breve periodo, de 1800 a 1803. En esa época se produjo una gran afluencia de esclavos provenientes de las islas del Caribe francesas y españolas, así como de la isla de Trinidad. Despues de la compra de Louisiana en 1803 por el presidente Jefferson, las culturas caribes, hasta entonces limitadas a este estado, penetran lentamente en las otras regiones del país. Pocos años después, se organizan las primeras danzas y manifestaciones musicales al aire libre en torno del Congo Square en el centro de Nueva Orleans. La gama desplegada se extiende desde las músicas africanas que han resistido el proceso de asimilación, hasta las melodías francesas y españolas mezcladas con ritmos africanos. Las constantes llegadas de refugiados del Caribe y de músicos europeos y sudamericanos daban colores más vivos a ese abanico. Luego de un tiempo de armonía, la segregación racial implementada en Estados Unidos en 1896 produce un profundo cambio en las costumbres musicales y culturales afroamericanas, en palabras del sociólogo Raymond Burke “cuando las autoridades prohíben la práctica pública de las danzas, los negros (y con ellos sus músicos) se refugian en las tabernas, abandonan los instrumentos africanos y toman los de los blancos: el piano y la corneta”.[i]

Por lo tanto, Nueva Orleans funciona durante el siglo XIX como un caldo de cultivo en donde confluyen diferentes influencias culturales, desde los esclavos africanos, los músicos populares y clásicos de Europa (sobre todo de España y Francia), y los ritmos sudamericanos y caribeños, a los cuales nos referiremos como “latinos”.

Bajo este punto de vista, sería un error pensar que el surgimiento del jazz años más tarde se debe sólo a la influencia negra. Nueva Orleans es uno de los tantos ejemplos del sincretismo cultural que suceden en el nuevo mundo, en donde es imposible disminuir el resultado sólo a una parte, a un elemento particular, que si bien tiene una gran influencia en el resultado final, no lo es todo. Es verdad que gran parte de las percusiones y ritmos africanos, además de algunas armonías, formarán la columna vertebral del jazz, pero el uso del sistema cromático europeo y el sistema de escritura musical, con sus respectivos tonos y medios tonos, o de instrumentos surgidos del viejo continente y ocupados en la música docta (como el piano o el contrabajo) o popular (como la guitarra española) son solo dos ejemplos claros y sólidos de la importancia que tendría el viejo continente en la aparición de la música de Nueva Orleans, ya sea el ragtime, el blues o el jazz.

Incluso, como plantea Berenice Corti, el jazz no es siquiera el reflejo de un momento particular de la sociedad norteamericana como un todo, sino el resultado de esta confluencia de culturas en un sitio particular y un momento determinado. El jazz adquiere su valor en tanto reflejo de una nueva realidad, la realidad americana[ii], en la cual se integran muchas raíces provenientes de distintos lugares del mundo para formar una nueva realidad, que si bien las integra, busca ante todo una personalidad, una identidad propia que reúna e identifique a los habitantes como pertenecientes a este nuevo lugar, a este momento particular. Es imposible entonces pensar el jazz como un género esencialmente negro. El jazz debe ser pensado como un género fundamentalmente americano, en tanto representa la nueva realidad del nuevo continente. En Nueva Orleans fue el blues y el jazz, en Cuba la habanera[iii], en Brasil la samba, en Chile, la cueca, etc. Diferentes géneros de un mismo fenómeno: la mezcla de culturas.

Incluso, Taylor Atkins va mas allá, extrapolando el proceso a nivel global: “El jazz, aunque ciertamente nació en tierra estadounidense, fue igualmente producto e instigador de los procesos del temprano siglo veinte y de las tendencias que fueron de alcance global: la manufactura masiva de cultura, la urbanización, la revolución del ocio, y el primitivismo. Este es el hecho –combinado con la verdadera, y temprana ubicuidad de la música- que nos lleva a concluir que, prácticamente desde su concepción, el jazz fue un precursor de lo que conocemos como “globalización”. En nadie cabe que hayan sido cortados los lazos de la música con su país de origen; no obstante, el registro histórico prueba que por algún tiempo ha tenido significación global -no necesariamente para el sentido común- por razones puramente estéticas. El jazz existe en nuestra imaginación colectiva como una música tanto nacional como postnacional”.[iv]

Si compartimos este punto de vista entonces, se nos abre el paso para poder pensar en la identidad del jazz en Latinoamérica.

En primer lugar, hay que tener siempre en mente (y como ya lo hemos dicho antes) que el jazz cuenta con muchas influencias distintas en su origen. Esto es relevante para pensar la extrapolación de este arte al resto del mundo, en el sentido que el jazz es uno de los géneros más versátiles al momento de fusionarlo con otros estilos musicales de occidente. Esto puede ser en parte porque, y gracias a su carácter sincrético, siempre tiene alguna sonoridad familiar para quienes residimos en este lugar del mundo. Así, se integro de manera muy natural con los ritmos afrocaribeños para dar a luz (al poco tiempo del nacimiento del propio jazz), al latin jazz de la mano de importantes figuras como Mario Bauzá y Machito, y posteriormente Chano Pozo y Dizzy Gillespie.

En Brasil por ejemplo, y contrariamente a como se dio el proceso en Norteamérica en donde el jazz surge desde los estratos más bajos de la sociedad, el ahora popular bossa nova nace como una inquietud de un grupo de estudiantes de situación acomodada, y como una respuesta a la popular Samba callejera, estridente y ardiente, para quitarle decibelios, fervor y tambores, y llevarlo a espacios más reducidos donde se pudiera escuchar en plena tranquilidad. Surgieron nuevas y sofisticadas armonías, con irregularidades que tenían una relación directa con el espíritu de la música de posguerra estadounidense, entre ellas el jazz.

Ambos ejemplos demuestran la elasticidad estética que posee el jazz, permitiendo integrarse con otros géneros sin perder su esencia.

Para Berenice Corti el sólo hecho de que existan músicos tocando y componiendo piezas de jazz ya sea en Chile, Argentina o el resto de Sudamérica, es una razón suficiente para poder hablar de una identidad regional con respecto a este género. Si bien esta afirmación puede ser cierta, en mi opinión es necesario poder individualizar ciertas características propias de cómo se ha integrado el jazz en la realidad artística en Sudamérica. Por razones obvias, nos centraremos en la realidad del jazz en chile, y para contextualizar correctamente, es bueno poder revisar un poco la historia del estilo en nuestro país.

Álvaro Menanteau plantea tres momentos definitorios respecto a la historia del jazz en Chile. Primero, cuando llegó desde Estados Unidos bajo la forma de música popular bailable y cantable; segundo, cuando acusó recibo del impacto del bebop y los estilos de "jazz moderno" no asociados al baile ni al canto; y tercero, cuando algunos cultores nacionales abrieron la posibilidad de fusionar recursos jazzísticos con elementos de nuestra música tradicional.

Hacia 1920 llegaron a Chile las primeras manifestaciones de la "norteamericanización" de nuestra cultura popular. Los bailes exportados por Estados Unidos que se basaban en recursos tomados de la "música negra" se sucedían uno tras otro: charleston, one step, shimmy, foxtrot. La mayoría de las veces de trataba de melodías bailables que se arropaban con algún elemento jazzístico como la síncopa, el contratiempo, la instrumentación (corneta, trompeta, saxos, batería) o el fraseo atresillado.

Hacia fines de los 40 se inició la segunda etapa de esta historia cuando las nuevas vanguardias venidas de la metrópolis dejaron atrás la masividad, y el jazz pasó a ser patrimonio de especialistas y de una elite que valoraba su nuevo enfoque estético. Se comenzó a hablar de "jazz moderno", en donde las nuevas tendencias se suceden con rapidez: bebop, cool jazz, hard bop y free jazz tuvieron cultores en Chile en la medida que estos fueron depurando su técnica y poniendose a la altura de las exigencias de la nueva música. Los aficionados fueron desplazados por los músicos profesionales en el cultivo práctico de estas nuevas modalidades jazzísticas, ya que los nuevos estilos eran indudablemente más complejos.

Una vez que se alcanzó una maduración de los nuevos estilos de jazz que llegaban a nuestras costas, fueron los músicos profesionales quienes abrieron una tercera etapa al vislumbrar la necesidad de integrar elementos de la música tradicional chilena con la práctica del lenguaje jazzístico. A mediados de los años 70 se produjeron las primeras síntesis en este sentido, las cuales siguieron madurando lentamente en los años 80 y se decantaron definitivamente en los 90. Cruces entre jazz, música docta, tonada, cueca, música altiplánica y folclor mapuche atraviesan las propuestas que, en definitiva, han logrado posicionar una modalidad de música chilena con un alto grado de autonomía estilística.[v]

Es en este tercer momento que plantea Álvaro Menanteau cuando podemos comenzar a pensar en una identidad de jazz nacional, de un “jazz chileno”. Es el momento en que esta influencia jazzística extranjera se funde e integra con ritmos propios, surgidos en las distintas épocas y lugares de nuestra historia como nación.

A fines de los años ’60, principio de los ‘70, surge un nuevo subgénero en el jazz, la “fusión” (que define al mismo tiempo mucho y nada como término), surgido en Norteamérica de la mano de importantes figuras como Miles Davis o Joe Zawinul, y el cual en un primer momento tenía en su génesis la fusión principalmente con el rock (muy de moda en esos años). Si bien en Chile se mantuvo para la mayoría esta integración con el rock (y su consecuente utilización de instrumentos “enchufados”, antes olvidados por el jazz, como la guitarra eléctrica o el bajo eléctrico) también se adhiere a la mezcla ritmos mapuches y andinos principalmente. Una esencial figura en el advenimiento de la fusión chilena es Guillermo Riffo, importante compositor docto y posterior solista de música contemporánea para percusiones, destaca además como el primer vibrafonista del jazz chileno, y por el liderazgo de importantes agrupaciones de fusión en Chile como Aquila (1973), Sexteto Hindemith 76 (1975) y Latinomúsicaviva (1978), y un extenso trabajo como arreglador de música popular en Chile. También es importantísimo el aporte de la familia Parra, principalmente en las personas de Violeta y Roberto, la primera realizando experimentaciones de fusión dentro del folclore chileno (como en su tema “El Gavilán”) y el segundo desarrollando el denominado “jazz huachaca”, una mezcla de cueca y ritmos populares con jazz, particularmente del hot club francés y la guitarra gitana de Django Reinhardt (como en “Los tiempos de la Negra Ester”).

Lamentablemente el espacio y medio no es el mejor para poder extenderse sobre estas importantes figuras, pero su trabajo en la fusión de la música chilena con el jazz es, como mínimo, esencial en el pensamiento de una identidad chilena de este género.

Además de influencias étnicas, hay un importante ingrediente social en esta mezcla. La realidad del jazz en Chile en aquellos momentos se toparía con un episodio lamentable, como lo sería el golpe militar sufrido el año 1973, el cual devastaría a la sociedad chilena y a gran parte de sus manifestaciones artísticas. Así, y como en su momento lo fue por ejemplo, el blues o el free jazz en EE.UU., el jazz en Chile adquirirá un importante matiz de reclamo social.

Agrupaciones como Quilin (con su disco homónimo en 1983), o el compositor Matías Pizarro (en su disco “Pelo de Rata”, 1975) imprimirían este carácter al jazz fusión en esta época, ocasionando que el jazz en chile ya no tenga sólo la influencia de una realidad pasada (de los grupos originarios) sino que además refleja el ahora, la realidad de un Chile (y un continente) en el presente, dividido y reprimido en su libertades básicas.

Luego de estos difíciles años, en que pocos pero buenos músicos mantiene a flote e incluso desarrollan nuevas ideas que nos llevan a poder pensar en un jazz chileno, en el cual se imprime un carácter originario y una realidad propia de este lugar del mundo, surge lentamente con el advenimiento de la democracia una nueva camada de artistas que recuerdan en su arte a importantes influencias de nuestra cultura, como lo son Violeta Parra o Victor Jara. Así, en años recientes agrupaciones como Quintessence o Verdevioleta incluyen en sus composiciones obras o claras influencias de la música de Violeta Parra, y jóvenes artistas como Paz Court y Rodolfo Chodil versionan y arreglan obras de la ya mencionada Violeta junto a Victor Jara, en una nueva y fresca forma de fusión chilena. Además, hasta este mismo año, se siguen escuchando influencias de nuestros pueblos nativos en los discos de jazz chileno, como en los trabajos de Marcelo Aedo (“Norte Verde Grande”, 2007) o Mario Feito Trío (“El Último Patagón”, 2007).

Por lo tanto, es absolutamente posible poder concluir la existencia del “jazz chileno”, como un proceso que desde los años ’70 en adelante se ha conducido hacia la construcción de una identidad. Es en aquellos años cuando, producto de fuertes cambios sociales en Sudamérica (y particularmente Chile), los músicos comienzan la búsqueda de una identidad propia dentro de la forma de hacer su música, y en el cual el jazz realmente comienza a adquirir propiedades tanto estéticas como sociales que podemos llamar inherentes a nuestra tierra, nuestra historia y nuestra sociedad. Este proceso aún sigue hasta el día de hoy, y como todos los procesos en la música, el arte y la propia humanidad, es imposible predecir a donde llegara, y a su vez es lo que hace al jazz tan interesante, esa capacidad de renovarse y mantenerse como una importante manifestación artística de nuestra realidad.

Alex W. Levine Arriagada.-

[i] “¡Caliente! Una historia del Latin Jazz” de Luc Delannoy, Fondo de Cultura Económica, 2001.

[ii] Al ocupar el término “Americano”, se debe entender que me refiero al continente como un todo, no como se ocupa erróneamente en ocasiones para definir sólo a los Estados Unidos de Norteamérica.

[iii] Música de las denominadas de "ida y vuelta", que tiene su origen durante el siglo XIX en los marineros y emigrantes retornados de Cuba que cantan con nostalgia recuerdos de aquella tierra. Generalmente se interpretaba en las tabernas.

Musicalmente tiene su origen en un ritmo de procedencia inglesa al que se añaden influencias caribeñas. En su versión más pura se interpretan a capella (polifonía), aunque en la actualidad es habitual acompañarla con guitarras, laúdes y bandurrias. Su ritmo es de cuatro por cuatro y su tempo lento.

La habanera es el nombre con el que se conoce en Cuba y en todo el mundo diversas formas de danzas y canciones populares cubanas. Fuera de Cuba se llamó habanera a la Contradanza y la Danza que bailaba la burguesía y la aristocracia de la isla Posteriormente recibió el nombre de habanera la canción culta para voz y piano que el compositor Sebastián Iradier definió como Danza lenta, y que tiene su primera partitura de autor conocido en su composición de título "La Paloma".

[iv] “Hacia una historia Global del Jazz” de E. Taylor Atkins (2003), traducido por Berenice Corti (Toward a Global History of Jazz. En Jazz Planet, Jackson, University Press of Mississippi.)

[v] “El jazz en Chile: Una paronámica inicial”. Artículo por Alvaro Menanteau.

Somewhere in California...

2008-02-19T23:06:00.001-02:00

Les dejo a continuación uno de los cortos de la película “Café y Cigarrillos” del director Jim Jarmush (Flores Rotas), titulado "Somwhere in California". Acá podemos ver a dos grandes referentes de la cultura musical popular norteamericana, nada más ni nada menos que a Tom Waits -un tanto rayado- y a un desconcertado Iggy Pop, en una conversación algo delirante. Imperdible.

Alex.-

La elegancia de Marlango

2008-02-18T16:50:00.001-02:00

Recuerdan a la bailarina en coma del filme “Hable con Ella” de Almodóvar? Bueno, aparte de ser una excelente actriz española (para verla, les recomiendo la película “Inconscientes”), es la frontwoman del grupo Marlango, quienes introducen en su música influencias de Tom Waits y una buena pizca de Jazz, con una propuesta que destaca por la elegancia y efectividad de sus composiciones. Les dejo un artículo aparecido en el diario El País sobre ellos para que lo revisen, y un par de temas para su escucha.
Saludos,
Alex.-

Leonor Watling nació el mismo año en que Tom Waits publicaba su directo Nighthawks at the Diner, aunque no sería hasta 1979 cuando Waits cantase el tema que diese nombre a la futura banda de la actriz de Hable con ella. Leonor Watling tenía cuatro años y la canción hablaba de Suzie Marlango, una chica de jersey de angora que volvía loco a Waits en Nueva Orleáns.

Siendo niña, Leonor aspiraba a ser bailarina, aunque con los años se encaminó al cine. Marchó a Londres a estudiar en el Actors Center, y a su regreso inició una etapa de televisión que desembocó en el cine. Primero se estrenó en Jardines colgantes y luego vino su consagración en La hora de los valientes (1998), de Antonio Mercero y por la que fue candidata al Goya como mejor actriz protagonista.

La actriz reconvertida a cantante lidera un proyecto tan bonito como eficaz. Pero en esta conversión tiene mucha importancia Alejandro Pelayo, pianista cantabro y trotamundo de las teclas. Tras su paso por el Julliard School de Nueva York, Alejandro paseó sus composiciones por locales de Dublín y Madrid. Hasta que se cruzó con Leonor.

El génesis de la historia arranca frente a un piano hace diez años. Ella y Alejandro pusieron las bases de lo que sería su primer trabajo. Luego, el tiempo, los azares y los ratos libres hicieron el resto. En 2002 Óscar Ybarra trasladó su residencia de Nueva York a Madrid, oyó la maqueta y se incorporó a la banda de trompetista. Dos años después salía Marlango, un disco que presentan por España, Portugal y visita el Pabellón de la Expo de Japón, allí vendieron 20.000 copias y fueron recibidos por el primer ministro. Su música tiene la virtud del pincel, se oye, se disfruta y se dibuja. Son sonidos oscuros de local de humo denso y cerveza en el suelo, sonidos que pueden ser la banda sonora de una película de David Lynch o de una novela de Paul Auster. Reminiscencias jazz que les valieron para actual en el festival Jazzlandia

El éxito del grupo camina paralelo a la buena estrella de Leonor como actriz. Y aunque ninguno tiene al grupo como su actividad principal, Óscar por ejemplo toca con Los Coronas y ha producido el último trabajo de Marlango, todos lo reconocen como el lugar en el que disfrutan, su sitio de recreo. Tras despachar 100.000 copias de su primer disco en 2005 presentan Automatic Imperfection. Un trabajo acogido con expectación e interés, tan grato para los oyentes exigentes como exitoso en copias despachadas. El pasado 2007 se publicó The electical morning, su tercer trabajo que ahora presentan en gira española.

"Este disco, por ejemplo, es un disco de momentos, es un disco polaroid", declara Óscar, hay más sonidos y es más experimentado. Han madurado y crecido en el mundo de la música. Se ha perdido el pudor y la inocencia de los primeros trabajos, pero se ha ganado ironía y perspectiva. Si la calle moldea a los buenos futbolistas, la carretera lo hace con los músicos. Y al final sacan tiempo para trabajar, para dar cincuenta conciertos al año, para colaborar con amigos y para grabar temas nuevos. Y todo empezó por la chica del jersey de angora, Suzie Marlango.

El jazz se quedó sin Oscar Peterson

2008-01-13T16:03:00.001-02:00

La Navidad blanca canadiense se ha visto ensombrecida por la muerte de uno de los genios del piano de jazz, Oscar Peterson, quien falleció el lunes 24 de diciembre de un fallo renal en su domicilio, en las afueras de Toronto, a los 82 años de edad.

Oscar Peterson había nacido el 15 de agosto de 1925 en un distrito pobre de Montreal y su padre, ferroviario, le permitió convertirse en músico siempre que llegara a ser "el mejor". El pequeño Oscar comenzó a tomar clases de piano clásico a los 6 años de edad.

Peterson, uno de los pianistas más virtuosos del llamado "jazz moderno", llegó a ser conocido en todo el mundo por sus solos improvisados de gran rapidez y depurada técnica pianística, que provenía directamente del estilo de Art Tatum.

Fue el primer ciudadano canadiense contemporáneo cuya efigie figuró en sellos postales de su país, y recibió el título de Miembro de la Orden de Canadá, la condecoración civil canadiense de mayor prestigio.

Gigante del jazz

Ello debido en parte a la fama mundial y a la gran influencia que Peterson tuvo sobre músicos de la segunda mitad del Siglo XX.

En el año 1949 era un músico totalmente desconocido en los Estados Unidos cuando actuó por primera vez en el famoso Carnegie Hall, de Nueva York. La impresión que causó a público y críticos de jazz fue tan grande, que uno o dos años después ya estaba considerado como uno de los "gigantes" de este tipo de música.

Fue el productor y promotor de jazz Norman Granz quien lo contrató para sus famosos conciertos llamados "Jazz At The Philharmonic", que condujeron a la fama y al disco a muchos músicos de comienzos de los años 50.

Su estilo personal, que tenía elementos del be-bop con raíces en la tradición pianística desde el Boogie-Woogie, le llevó a grabar decenas de álbumes con tríos, cuartetos y conjuntos mayores. Tocó con la mayoría de los "gigantes" del jazz y participó en todos los más importantes festivales mundiales de jazz.

Entre los numerosos músicos con quienes tocó se destacan Ray Brown, Herb Ellis, Stan Getz, Dizzy Gillespie, Milt Jackson, Billie Holiday, Harry "Sweets" Edison, Charlie Parker, Joe Pass, Ben Webster, Lester Young, Barney Kessell, Niels Pedersen, Louis Armstrong y Ella Fitzgerald.

Galardones

Durante su carrera musical, Oscar Peterson recibió innumerables premios y honores académicos, entre ellos galardones Grammy y la prestigiosa International Jazz Hall of Fame, que sólo se da a los músicos de jazz más influyentes, como Duke Ellington o Charlie Parker.

Peterson fue también un refinado compositor. Entre otras obras escribió la elogiada "Suite canadiense", en 1964.

Fue también un interesante vocalista de jazz, aunque no cantaba muy frecuentemente. Sin embargo, cuando lo hacía, su sonoridad vocal recordaba mucho a la de Nat King Cole.

Canadiense puro

Peterson pasó gran parte de su vida tocando en los Estados Unidos y Europa. También realizó giras por Japón y otros países del lejano Oriente. No obstante siempre regresaba a Canadá, país del que se sentía orgulloso En 1960 creó en Toronto --donde se había radicado-la "Escuela Avanzada de Música Contemporánea", pensando en ayudar académicamente a los jóvenes que se interesan por estudiar música.

Fue siempre también la estrella de los famosos festivales de jazz canadienses de Toronto y de Montreal (siendo este último uno de los más importantes del mundo).

En 1993 un accidente de cierta gravedad le alejó de los escenarios musicales, pero retornó a ellos luego de un corto tiempo, en forma gradual. Sin embargo, hasta el momento de su muerte, nunca pudo volver a usar su mano izquierda como lo hacía antes.

Su discografía como pianista, director de conjuntos o simple participante en grupos de otros músicos, supera los dos centenares de álbumes.

fuente

Comentario de disco. Fusión Judá – A Paso Firme (2007).

2007-11-28T01:37:00.001-03:00

Fusión Judá lleva ya siete años de vida, es un grupo integrado por familiares y amigos, quienes luego de mucha espera, y como ellos mismos afirman producto del “clamor popular”, entregan este año al mercado su primera placa, A Paso Firme, grabada en vivo en la Sala Master de la Radio Universidad de Chile. Un poco más de una hora de música dividida en trece temas, en donde llama la atención a primera vista el uso de instrumentos como el saxo alto y la flauta traversa por su correspondiente manera de trabajarlos en las composiciones, evocando a ratos sonidos más cercanos al jazz que al rock. En su sonido se notan influencias de grupos similares como Fulano o Congreso.

Destacable por sobre todo son las percusiones de todo tipo, desde la inteligente batería de Daniel Trujillo (aunque lamentablemente en la grabación se pierde un poco el sonido) hasta las congas y otras percusiones menores, en donde el multi-instrumentalista Juan Montecinos (quien ejecuta además la flauta traversa a la perfección) asombra con un gran dominio del lenguaje fusionista, dando a ratos la impresión de ser el “guaripola” que conduce esta marcha latina.

Al escuchar la guitarra de Enrique Vasconcelos y el tipo de distorsión que ocupa, es clara la influencia del Gato Alquinta y el legado que dejó para la música chilena y por sobre todo a los revisionistas de la fusión latinoamericana. Si bien cumple de buena manera su trabajo con la eléctrica, es con la guitarra acústica con la que Vasconcelos logra una calidez sonora que se agradece en los parajes más lentos del disco (como “Viento recio”, tema en el que su hermano Felipe lo acompaña con un precioso trabajo en la melódica) y con la cual le brinda un toque más folk a las composiciones.

Si bien Lucas Flores demuestra un excelente dominio del instrumento, a ratos abusa del sonido percutivo de su bajo, momentos en los que tal vez debería tomar un rol secundario (como sucede en “Sigueme”, “Mano de Dios”).

En el disco destacan temas como “Bienvenido a mi vida”, en donde el soleo del joven pianista Felipe Vasconcelos y el saxofonista Dany Montecinos le brindan a la agrupación tintes más cercanos al jazz. En ”Sublime Gracia” Juan Montecinos y Enrique Vasconcelos demuestra su talento en variedad de flautas, alcanzando además el grupo uno de los temas mejor logrados del disco con un inteligente uso de las percusiones, junto con “Kamisaki” en donde el rock y los ritmos andinos conducidos por Trujillo, y la potencia del saxo de Dany Montecinos se integran en el tema más consistente de la placa.

En este, su primer disco, Fusión Judá demuestra la solidez de sus músicos (se nota que llevan bastante tiempo tocando juntos) y la personalidad que logran aportar cada uno a las composiciones y arreglos. Sólo se extraña a momentos un trabajo más cuidado en el arreglo de algunos temas, o el mejor sonido que podría otorgar una grabación de estudio. Fuera de eso, queda claro que han logrado lo más difícil, como lo es crear una original manera de fusionar tan variados ritmos, desde los australes sonidos de nuestra natal Sudamérica, pasando por el son y la salsa caribeña, el síncope nacido en New Orleans hasta el rock progresivo británico. Un viaje por diferentes tierras, distintas eras, por una ruta que ya recorren a paso firme.

Alex Levine.-

Bye Joe...

2007-09-11T23:54:00.001-03:00

Joe Zawinul

7 de Julio de 1932 – 11 de Septiembre de 2007

Ya que la vida del hombre no es sino una acción a distancia,
Un poco de espuma que brilla en el interior de un vaso;
Ya que los árboles no son sino muebles que se agitan:
No son sino sillas y mesas en movimiento perpetuo;
Ya que nosotros mismos no somos más que seres
(Como el dios mismo no es otra cosa que dios)
Ya que no hablamos para ser escuchados
Sino que para que los demás hablen
Y el eco es anterior a las voces que lo producen,
Ya que ni siquiera tenemos el consuelo de un caos
En el jardín que bosteza y que se llena de aire,
Un rompecabezas que es preciso resolver antes de morir
Para poder resucitar después tranquilamente
Cuando se ha usado en exceso de la mujer;
Ya que también existe un cielo en el infierno,
Dejad que yo también haga algunas cosas:

Yo quiero hacer un ruido con los pies
Y quiero que mi alma encuentre su cuerpo.

(“Solo de piano”, Nicanor Parra).
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Joe Zawinul, quien saltó a la fama como uno de los creadores del ''jazz fusion'' y tocó con Miles Davis, murió la madrugada del martes, dijo una vocera de un hospital. Tenía 75 años.
Zawinul estuvo hospitalizado desde el mes pasado. Una portavoz de la Clínica Wilhelmina de Viena confirmó su deceso sin proporcionar detalles. Su manager, Risa Zincke, dijo que Zawinul padeció un raro tipo de cáncer de piel, según la Austria Press Agency (APA).
Zawinul fue reconocido internacionalmente como el tecladista de Davis en exitosos álbumes como ''In A Silent Way'' y ''Bitches Brew'', y fue el eje central tras el llamado ''jazz eléctrico''.
En 1970, fundó la banda Weather Report y produjo una serie de discos que incluyen ''Heavy Weather'', ''Black Market'' y ''I Sing the Body Electric''. Tras la desintegración del grupo, fundó Zawinul Syndicate en 1987.
Zawinul, quien nació en la capital austríaca de Viena y emigró a Estados Unidos en 1959, es acreditado por integrar al jazz el piano eléctrico y el sintetizador.
A principios de este año, viajó a Europa para celebrar el 20o aniversario del Zawinul Syndicate. Se sometió a tratamiento médico al terminar su gira, dijo el mes pasado la Asociación Hospitalaria Vienesa en un comunicado.
El presidente de Austria, Heinz Fischer, declaró que la muerte de Zawinul representa la pérdida de un ''embajador musical'' conocido y querido en todo el mundo.
''Como persona y a través de su música, Joe Zawinul será inolvidable para todos nosotros'', manifestó el mandatario en un comunicado.
El canciller austriaco Alfred Gusenbauer alabó su ''modo poco pretencioso de tratar al público'' y dijo que Zawinul nunca fue ''cegado por las superficialidades''.
''Dondequiera que tocó, impresionó con su interpretación'', dijo Gusenbauer en un comunicado.
El hijo del músico, Erich Zawinul, expresó que su padre no sería olvidado. '' (Su memoria) perdurará'', dijo, según APA.
Zawinul tocó con Maynard Ferguson y Dinah Washington antes de unirse por nueve años al gran saxofonista Cannonball Adderley, según una biografía publicada en su sitio de Internet. Con Adderley compuso varias canciones importantes, entre ellas el éxito funky ''Mercy, Mercy, Mercy''.
Zawinul entonces realizó una breve colaboración con Miles Davis, cuando éste incursionaba en la onda eléctrica, y Davis debutó en el área con una melodía de Zawinul, ''In a Silent Way''.
Los planes del funeral no se revelaron de inmediato, pero el alcalde de Viena Michael Haeupl dijo a la prensa que recibiría una tumba honoraria en la capital.
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Otro gigante que perdemos acá abajo, otro que ganan allá arriba.
Que envidia.

Christian Gálvez / América Luz

2007-09-10T01:26:00.001-03:00

Muchos sabemos lo importante que fue este año recién pasado para Christián Gálvez. El eximio bajista chileno pudo tocar al lado del gran Stanley Clarke, quien impresionado con el talento del muchacho (y créanme, impresionar a Clarke como bajista no es nada fácil), lo invitó a integrarse a su banda para su gira europea, y producto de esto decide su posterior radicación en Norteamérica. Se fue, pero no sin antes despedirse, y claro, lo hace de la única manera que lo sabe hacer: con música.

En “América Luz” (2006) Gálvez cambia sus acostumbradas piruetas circenses con el bajo eléctrico por un escenario en donde, a pesar de tener una verdadera big band de apoyo, es mucho más intimista. En su despedida Galvez quiere agradecer a sus raíces, a su tierra, al continente que lo cobijó y del cual obtuvo marcadas influencias en su música, y por esto deja por un momento su clásica tonalidad post-bop a que nos tiene acostumbrados por un disco con marcadas raíces folk-pop, abriéndose a un público mucho más amplio. Sí, somos muchos los que tenemos alguna discriminación con esa palabra “pop” tan relacionada con bodrios como MTV o boy bands, pero si ponen a un músico que desborda talento y con un gran sentido del gusto musical, es un apellido que mucho no importa.

En esta oportunidad las influencias del bajista van desde una Samba brasilera hasta el Son cubano, pasando por el obligado Latin Jazz. Además, en palabras del propio bajista, en este disco descubrió un nuevo instrumento, su voz, que a pesar de no ser lo más destacable de su música, sabe utilizar inteligentemente en ciertos parajes del disco.

Dentro del repertorio, destacables son “Gente morena”, con un bello arreglo de cuerdas, una pista bastante pegajosa, o la notable “El saltarín”, un latin jazz de tomo y lomo como pocas veces escuchamos de jazzistas chilenos. En la balada “Mi cielito” trabaja una bella línea de bajo acompañada por el seguimiento vocal del mismo Gálvez. En “Zamba pa’ la vida” es donde mejor suena su voz, que inteligentemente acompaña de coros para poder apoyarla.

En este disco Galvez nos demuestra otras de sus genialidades como músico, que además de su talento para la composición y arreglos, posee una gran flexibilidad como interprete. Y ojo, “América Luz” no es un adiós, sino un hasta pronto.

Alex W. Levine.

Les dejo un par de temas ya nombrados arriba, primero "Mi gente morena" y a continuación "El saltarín". Y para finalizar, un video de su reciente presentación en la SCD de Plaza Vespucio a donde tuve la suerte de asistir. No es un tema del disco pero es un clásico "Metrallazo de bajo" de esos que sólo Gálvez puede entregar, asi que vale la pena verlo.

Adiós Maestro: Falleció Luciano Pavarotti

2007-09-06T04:26:00.001-03:00

*A pesar de que este es un Blog dedicado al jazz, creo que la muerte del gran tenor Luciano Pavarotti enlutece a todo el mundo de la música, por lo cual creo adecuado informar esta triste noticia. Descanza en paz, Maestro.
Alex Levine.-

Esta noche, a los 71 años de edad, falleció en su casa el destacado tenor italiano Luciano Pavarotti.

La noticia fue confirmada por su representante Terri Robson. "El gran tenor Luciano Pavarotti murió hoy a las 05.00 hora local (0300 GMT) en su casa en Modena", dijo Robson en un comunicado, donde agregó que "el Maestro luchó una larga y dura batalla contra el cáncer de páncreas que finalmente se llevó su vida".

"A tono con el estilo que caracterizó su vida y su trabajo, siguió siendo positivo hasta finalmente sucumbir a las últimas etapas de su enfermedad", concluyó.

Ayer en horas de la tarde, los medios locales habían dado cuenta del deteriorado estado de salud del artista, que padecía un cáncer de páncreas y cuya condición había empeorado considerablemente.

De hecho, fuentes no identificadas habían asegurado que Pavarotti estaba inconsciente y que sus riñones ya no funcionaban.

Hasta el momento se desconoce cuando será los funerales y donde serán enterrado.

El tenor estrella, que fue operado el año pasado de un tumor en el páncreas, abandonó hace unos días el hospital en su ciudad natal, Módena.

El célebre tenor tuvo que suspender en marzo del año pasado un concierto en Chile, a raíz de su enfermedad. Esa sería la tercera actuación de Pavarotti en Chile. En diciembre de 1991 se presentó ante 20 mil personas en el Estadio San Carlos de Apoquindo; cuatro años después, en enero de 1995, actuó en el Estadio Regional de Concepción, frente a 12 mil espectadores.

EL RECONOCIMIENTO QUE NO ALCANZO A RECIBIR

Luciano Pavarotti recibiría una distinción muy especial: el "Premio per l'Eccellenza nella Cultura Italiana" (Premio a la Excelencia en la Cultura Italiana) que el Ministerio de Cultura en Roma otorgará en su primera edición al cantante, enfermo de cáncer, informan hoy medios locales.

El tenor se había manifestado "conmovido y agradecido", en una primera reacción. "El premio me da la posiblidad de seguir celebrando la magia de una vida para el arte", explicó el cantante.

El honor, que consiste en una medalla honorífica y un diploma, será concedido en el futuro dos veces al año.

Fuente: La Tercera

Las visiones interiores de Stevie Wonder

2007-09-04T04:49:00.001-03:00

Siempre ha existido una cierta alergia entre los melómanos, especialmente los del lado mas jazzero, a la palabra POP. Me puedo incluir fácilmente entre aquellos, pero recientemente me he dado cuenta de que se puede hacer buena música, vendiendo millones de discos y ganando todo premio que se cruce por delante. ¿En qué me soporto para decir tal afirmación, para muchos aberrante? Dos palabras señores, STEVIE WONDER.

Stevie Wonder, así es, ese músico que muchos conocen más por su ceguera o los chistes en torno a esta, que por su música. Nacido como Stevland Hardaway (cáchense el nombrecito, como no ser artista), deslumbró a temprana edad a los ejecutivos de Tamla (Motown) contratándolo a la corta edad de 12 años, bajo el pseudónimo “Little Stevie Wonder”, del cual posteriormente el músico extraería el “pequeño” conservando su nombre artístico. No les voy a dar la lata con su biografía, aunque les recomiendo que la lean (está llena de historias interesantes, como que estuvo a punto de morir en un choque, quedó en coma y respondía moviendo sus dedos sólo cuando su mánager le cantaba al oído la letra de “Higher Ground”, luego de un tiempo despertó pero perdió el sentido del olfato, contando así con solo tres de los cinco para el resto de su vida).

Sólo para que sepan de qué les hablo, Wonder es multi-instrumentalista (por lo que sé toca teclados, armónica [como pocos], bajo eléctrico, y batería), es reconocido mundialmente como uno de los compositores mas importantes de la música popular norteamericana, y cuenta con una voz privilegiada. Firmó en los 70s un contrato millonario, el mayor hasta esa época, por 13 millones de dólares por 5 años con Motown. Cuenta con 22 Grammys, un Óscar, y una larga historia de números uno en el Billboard norteamericano y británico. Destaca también el contexto social de su música, en la cual impregna su preocupación por los derechos civiles, sobre todo en la entonces discriminada minoría afro-americana.

¿A qué suena Stevie Wonder?, ¿A quién se parece Stevie Wonder? Simplemente, a nadie. Creó su propio estilo de hacer música popular (como su maestro e inspiración Ray Charles) llevándolo a ser uno de los grande innovadores de la música negra. Personalmente considero que es un ejemplo de vida, que demuestra que los impedimentos físicos son sólo un obstáculo en el camino, pero que con talento y esfuerzo son ampliamente superables.

Este tipo tiene un DISCAZO con mayúsculas, que es “Innervisions” del ’73. No acostumbro a subir discos pero haré una excepción ya que creo que es una pieza de música que es casi un patrimonio de la humanidad, uno de esos discos “de isla desierta”. Escuchen también “Songs in the key of Life” y “Fulfillingness' First Finale”, que componen junto al ya nombrado el llamado periodo clásico de Wonder, sin duda el mejor del músico.

Bájelo, no sea…

Bueno, si aún no se animan, les dejo dos temitas para que se tienten. Para los mas “puristas” les va uno que compuso en honor a Duke Ellington y que aparece en “Songs in the…”, Sir Duke. Y una de mis favoritas, Living for the City, de “Innervisions”. Además un par de videitos con sus amiguis, Tony Bennet y Ray Charles.

Señoras y señores, esto es buena música sin apellidos, sólo con un nombre: Stevie Wonder.

Comentario de Discos: Hiromi Uehara - Time Control

2007-06-24T03:49:00.001-03:00

Japón, y en general los países orientales, se han caracterizado por entregar músicos técnicamente muy avanzados pero que a menudo dejan mucho que desear en cuanto a improvisación y swing, ambas características tan propias del jazz, y razón por la cual quizás no hay muchos jazzistas conocidos en occidente proveniente de esas latitudes. Hiromi Uehara es la gran excepción.

Criada primero como pianista clásica, fue un encuentro con Chick Corea cuando ella tenía sólo 17 años lo que cambió definitivamente su switch hacia el jazz. Poco después viajaría a la prestigiosa escuela de Berklee en Boston, EEUU, para desarrollar sus cualidades como pianista y compositora.

Su primer disco fue una verdadera revelación para el mundillo del jazz y la colocó como la virtuosa más importante dentro de su instrumento en el estilo (por favor, nadie nombre a Diana Krall o Norah Jones). Su ópera prima, Another Mind (2003), es un fantástico disco en donde demuestra de forma sensacional sus grandes dotes como pianista, pero aún más, las alucinantes composiciones que esta tímida asiática de entonces sólo 23 años fue capaz de realizar. Composiciones que tanto en calidad como en rapidez, quizás se pueden esperar de músicos con vasta experiencia en el género. Luego vendría un disco con tonalidades funkys, Brain (2004), y otro más centrado en la balada jazz, Spiral (2005), ambos de también calidad superior.

Time Control (2007), al igual como pasa con los tres anteriores, es absolutamente distinto. Mucho más centrado en la precisión y la sincronización entre los músicos (quizás de ahí su nombre), tiene un formato que lo puede acercar más a la experimentación progresiva (Time Difference, Time Control), aunque también destacan bellas baladas en donde la guitarra del maestro David Fiuczynski se encarga de entregar virtuosos solos (Time Travel). Es un disco fresco, en donde la pianista demuestra una faceta menos purista que en sus anteriores esfuerzos, y en donde se consolida como una talentosa compositora, con grandes capacidades creadoras (no olvidemos que prácticamente desde el 2003 viene sacando un disco por año, algo poco usual en el jazz).

Además de la estrella que es Hiromi, la calidad de estos cuatro discazos no sería posible de no ser por los tremendos músicos que la acompañan. En la batería aparece Martin Valihora, músico eslovaco (también de las aulas del Berklee) que puede ir desde una ametralladora a la Deniss Chambers, hasta una sensibilidad mucho más bop cuando las baladas lo precisen. En el bajo un inglés con mucho groove y rapidez de ejecución, pero nunca tan astringente como un Victor Wooten, como buen británico mantiene una elegancia característica. Finalmente, el ya nombrado David “Fuze” Fiuczynski, maestro de las seis cuerdas de bastante bajo perfil pero muy apreciado por los otros guitarristas (tiene un disco en donde Medeski, Martin & Wood hacen de su banda de soporte, algo más que decir?).

En resumen, Hiromi Uehara es una jazzista con talento desbordante, que con sus ya cuatro discos, cada uno diferente del otro pero iguales en virtuosismo, trae vientos de cambio al jazz fusión, y amenaza con convertirse en una tormenta.

Para que la cosa sea justa y puedan apreciar la variedad de estilos que entrega esta chica, les dejo un video por cada álbum en orden sucesivo. XYZ de su primer disco Another Mind, Kung-Fu World Champion del segundo Brain, Reverse de Spiral y finalmente Time Out del recién salido del horno Time Control.

Los sonidos marinos de Steve Turre

2007-05-19T02:53:00.001-03:00

“Con esto ya lo he visto todo” es una frase cliché que es cada vez menos aplicable al jazz. Hemos visto, desde los inicios del fusión, o incluso remontándonos a la época dorada del latin jazz (con Dizzy Gillespie tocando con Chano Pozo) como se han ido integrando decenas de nuevos instrumentos continuamente al escenario y estudio del músico jazz.

Hace unos tres años, nos visitó en Santiago el arpista colombiano Edmar Castañeda, quien junto con el grupo brasileño Trío da Paz nos dejo a muchos impresionados como un instrumento tan folk como el que ejecutaba, podía quedar tan bien en una formación jazz si se contaba con el talento requerido.

Bueno, y que hablar otros instrumentos, steel drums, armónicas, melódicas, diferentes tipos de flautas, saxos contrabarítonos, oboes, clarinetes bajos, cornos ingles, entre muchos otros que no fueron diseñados para el jazz, pero que con éxito o no mucho, se intentaron introducir.

Hace ya unos 7 años que tengo un increíble disco de jazz, con Dizzy Gillespie a la cabeza de un selecto grupo de músicos, entre ellos Paquito D’Rivera, Arturo Sandoval, Flora Purim, Airto Moreira, Claudio Roditti, en fin, un “all stars” de músicos latinos, tocando en vivo en el Royal Festival Hall de London. 4 años atrás encontré su versión DVD en una disquera y no dudé en comprarlo. Había un tema que siempre me intrigaba, ya que no podía percatarme que instrumento sonaba. Al ver el DVD, por fin pude darme cuenta de qué sonaba: Una concha de caracol!

Raro instrumento, si es que se le puede llamar así, pero sonaba excelente dentro del grupo. El responsable: Steve Turre, un estadounidense descendiente de mexicanos, pueblo del cual serían originarios estos particulares sonidos. El gringo es un excelente tromobonista (fue titular de la banda de Saturday Night Live) y bien que sabe soplar estos reacondicionados vientos surgidos desde el fondo del mar. Si quieren escucharlo centrado en esta beta, consíganse el disco “Sanctified Shells”.

A continuación una breve bio extraída del sitio apolo y baco.

Después de estudiar música en la Universidad durante la segunda mitad de los años sesenta, el trombonista Steve Turre, empezó a actuar en San Francisco con el multiinstrumentista Roland Kirk en 1970. Se pasó toda esa década alternando apariciones y encuentros con Art Blakey y sus Jazz Messengers en 1973; con Thad Jones y Mel Lewis al año siguiente, con Woody Shaw en 1974 y con Chico Hamilton en 1975.

A finales de los setenta estuvo de sideman con el maestro Ray Charles, con el bluesman Van Morrison y con otros artistas relacionados con el rock. Sus grabaciones para la Blue Note con Chico Hamilton y para el sello Muse con Woody Shaw fueron lo mas destacado de esa frenética actividad musical. También fue muy destacable su participación con la "Thad Jones-Mel Lewis Big Band" en el festival de jazz de Monterey.

En los años ochenta su prestigio aumentó cuando participó con los grupos Dizzy Gillespie United Nations Orchestra, con la Lester Bowie's Brass Fantasy y con la The Timeless All-Starts. En 1995 volvió al festival de jazz de Monterey y a su nombre comenzó a grabar discos en 1987 con el sello Stash; con el sello Verve, entre 1995 y 1999; y últimamente con el sello Telarc, entre 2000 y 2003. Con éste ultimo sello firmó en 2001, el que muchos consideran su mejor álbum hasta el momento de titulo: TNT (Trombone-N-Tenor).

Temitas los que les dejo:

“Dizzy Shells”, del conciertazo del que les hablé con Dizzy Gillespie.

Y "All Blues", en un programa de TV norteamericano.

Saludos,

Alex W. Levine.-

Pulso + Jazzimodo en el Club de Jazz

2007-03-12T16:53:00.001-03:00

Medeski Scofield Martin & Wood / Out Louder

2007-02-28T17:38:00.001-03:00

El ascenso de Medeski Martin & Wood (MMW) al Olimpo del jazz fue vertiginoso e inesperado, sobre todo para ellos. Se juntaron casi de casualidad para tocar un día como cualquier otro en Brooklyn, y de inmediato la química del trió apareció, un tipo de jazz juguetón, fresco y de mucha potencia surgió de la mezcla de los tres entonces desconocidos músicos. Ya han pasado 16 años de eso, y hoy podríamos decir que es uno de los grupos más relevante de la fusión mundial. Sus discos (en su mayoría impecables) integran ritmos latinos, del funk y el blues con la electrónica y principalmente, claro, el jazz. Es un grupo que supo realizar un crossover a un público menos purista, agradando a auditores en su mayoría joven y no siempre tan conocedor del tema.

En su último disco de estudio, integran en sus filas a uno de los guitarristas más perfectos técnicamente y con un estilo, que al igual que ellos, es absolutamente nuevo dentro de lo que se conocía antes de su aparición, por supuesto hablo de John Scofield. No vale la pena mencionar la importancia de este último en la renovación del jazz norteamericano de los últimos 12-15 años, junto con figuras como Metheny o los hermanos Marsalis entre otros.

El guitarrista ya había grabado un disco acompañado por el trío, pero justamente es acá en donde surge la diferencia entre el ya nuevo clásico A Go Go (1998) con Out Louder (2006). En el disco de hace ya 9 años, Scofield llevaba las riendas, ocupando sus composiciones y arreglos propios, y utilizando a MMW como una banda de apoyo, en cambio en su más reciente placa, es un integrante más del cuarteto. Esto sin duda es un factor positivo para los auditores, ya que el nivel de composiciones de Medeski y la calidad de arreglos del trío son una suma perfecta al talento de Scofield. Se nota de inmediato, sobre todo en la sección rítmica, donde el trío mete mucho más la mano que en A Go Go. Destaco sobre todo el feeling de la sección rítmica, Wood en los graves y Martin en las percusiones son los que hacen la diferencia en este tipo de fusión, bastante fresca y ligadas a ritmos modernos, como el funk y la electrónica. En fin, un disco redondo, de lo mejor que salió el 2006.

Sin duda estos son músicos para escucharlos en vivo, como ya pudimos apreciar al trío neoyorkino en marzo del 2006, y a Scofield hace muy poco en el Providencia Jazz (enero del 2007). Les puedo decir que son dos de los mejores conciertos a los que e asistido, mejor ni pensar escuchar al cuarteto en vivo, sin duda debe ser asombroso. Recomendación absoluta escuchar previamente A Go Go para hacer las comparaciones de rigor. Los dejo con un breve análisis de los temas del disco, y algunos audios para que puedan apreciar el sonido de la placa.

1. Litttle Walter Rides Again

El disco comienza con un tema bien funky, en donde destaca el ritmo groovie que marca la batería de Billy Martin y la ya acostumbrada frescura del Hammond de Medeski. Este tema demuestra lo bien que funciona Chris Wood en el bajo eléctrico por sobre el acústico en este tipo de fusión mas juguetona, un poco mas animada a lo que son los primeros y últimos discos del trío, de cortes mas ambientales.

2. Miles Behind

Quizás una respuesta al “Miles Beyond” de la Mahavishnu Orchestra, es un tema de un corte mas rockero, con Scofield gritando wha whas a través de su Gibson Signature, apoyado sobre el Fender eléctrico de Wood, un tema de tempo bastante acelerado, con distorsiones en prácticamente todos los instrumentos. Un lucimiento para Scofield y digno tributo fusionista a su alguna vez mentor y jefe, Miles Davis.

3. In Case the World Changes Its Mind

Volviendo un poco a la tranquilidad, en un pegajoso waltz donde Medeski toma la melódica (un tipo de pianito que genera sonido al soplarlo) para entrar en un dialogo con Scofield, que nuevamente pone en juego su repertorio de chicherías electrónicas para brindar sus característicos efectos al solear, sobre una base del mismo guitarrista.

4. Tequila and Chocolate

Cosa de leer el título para saber el sabor que trae este tema. Scofield toma las riendas al comienzo de esta bella balada acompañada por un distorsionado órgano de fondo, tema que luego progresa notablemente hacia una fusión latina, con Martin dándole sabor al tema en las percusiones. Scofield usa sus “soleos invertidos” que viéramos en el provijazz en ciertas partes del track, además de octaveos dentro de su clásica técnica. De lo mejor del disco

5. Tootie Ma Is a Big Fine Thing

Lo mas cercano a lo clásico de Medeski Martin & Wood, con un contrabajo pegajoso y una bien lineada batería, que dan paso a un tema bastante funky, de la mano de Scofield y Medeski, sobre todo este último, experto en hacer una fusión bastante colorida, sobre un Sco un poco mas estructurado. Otro de los más notables temas del disco

6. Cachaca

Notable el trabajo y el sonido que alcanza el contra de Chris Wood en los temas mas acústicos, que hace recordar uno de los últimos discos del trío, el futurista End of the World Party (Just in Case) (2004). Claro que el aporte de Scofield hace la gran diferencia, encargándose principalmente de rápidos soleos sobre este tema lleno de frescor.

7. Hanuman

A principio extraño, con lo que parece ser un oboe o clarinete bajo distorsionado (seguro salido de la cajita de sorpresas de Medeski) da paso a un maridaje perfecto de sonidos entre los cuatro integrantes del grupo como no se da en el resto del disco, el juego armónico de un animado Billy Martin y un sincronizado Chris Wood hacen de este tema un agrado al oído, al conjugarlo con el sólido trabajo de Scofield, que asombra con un impecable sentido del tempo, en donde prima el crear una atmosfera por sobre el lucimiento propio, cosa que pocos guitarristas eximios saben hacer, súmenle a eso las súper distorsiones de Medeski y tienen quizás el mejor logrado tema del LP.

8. Telegraph

Las tonadas de catedral gritadas por el órgano introducen un tema más experimental, en completa contrariedad con el anterior. Altamente abierto a la improvisación de la línea melódica del cuarteto, no suena mal pero si un poco débil en comparación con el resto del disco, de un corte mas funky y menos dado a la experimentación sónica.

9. What Now

Volvemos a una base groovie de batería para que esas mismas tonadas catedráticas del tema anterior abran un tema mucho mas groovie que el recién pasado, mas rápido y un poco menos experimental, con un notable solo de órgano tirado al blues, y Scofield posicionándose de a poco sobre este para con su guitarra wah abrir el tema. Sobre el final caen un poco en lo más experimental y más difícil para el oído, perdiendo un poco de fuerza en el cierre.

10. Julia

La composición más bella del disco. Una balada a la que no nos tiene acostumbrado el trío, pero que con clara influencia de Scofield (debe ser de composición suya) sacan adelante el más tranquilo, pero ciertamente mas potente y bello tema del disco. El sentido estético del guitarrista es una vez más, perfecto, nutrido por el excelente fondo ambiental y un ocasional pero preciso soleo de Medeski.

11. Down the Tube

Otro tema cargado de la excelente fusión funky, como se puede apreciar en el disco de MMW Combustication (1998), con algunas bases previamente grabadas. Vuelvo y no me canso de resaltar la labor de Wood en el bajo eléctrico, con una distorsión exquisita, que le da una estética especial al trabajo de los otros tres instrumentos, sin duda la base funky de este tema y de la mayoría. Buen corte, pero innecesariamente largo (dura casi 12 minutos, el más extenso del disco). Obviamente por la duración varía sus ritmos desde acelerados soleos a experimentaciones mas relajadas.

12. Legalize It

Un reggae con influencias latinas, tranquilito y fácil de digerir, agradable para el oído, un corte mucho mas acústico en contraste con un disco bastante mas eléctrico, un frescor necesario para poder cerrar esta excelente placa, de mano de la nueva súper potencia de la fusión mundial.

En resumidas cuentas, un disco que hay que escuchar, y que da a pensar por su solidez en que será un futuro clásico de nuestra época.

Ficha Técnica:

Medeski Scofield Martin & Wood / Out Louder
Temas: 12
Tiempo total: 61:57
Lanzamiento: 26 de septiembre del 2006
Sello: Indirecto Records
Precio: CL$13.990 en Feria del Disco (encargo espe
cial), US$13.99 en Amazon.com (+ costos de envío)

Lista de temas:
1. Little Walter Rides Again. (3:55)
2. Miles Behind. (2:53)
3. In Case The World Changes Its Mind. (3:41)
4. Tequila and Chocolate. (6:25)
5. Tootie Ma Is A Big Fine Thing. (4:42)
6. Cachaca. (4:14)
7. Hanuman. (6:24)
8. Telegraph. (3:55)
9. What Now. (4:54)
10. Julia. (5:18)
11. Down The Tube. (11:40)
12. Legalize It. (3:56)

Alex W. Levine.-

Providencia Jazz 2007: 3° Noche (Tube Factory & John Scofield)

2007-02-11T20:48:00.000-03:00

Y llegó la última noche del Providencia Jazz, con dos bandas internacionales, una que prometía y otra que con solo oír los nombres del trío ponía los pelos de punta. La velada comenzó con una desconocida banda (por lo menos para mi), "Tube Factory", desde Finlandia.

Hablando con amigos, muchos coincidimos en que sólo por el nombre deberían ser algo así como los potentes "Pink Freud", una buena banda fusión salida de tierras nórdicas. Gran decepción, los de Tube Factory no podrían tocar un jazz más tradicional, un gélido aporte para esta versión del festival. Pasaron rapidito y sin gloria. Estos grupos hacen pensar, ¿para qué traer gente de tan lejos, si acá en chile hay por lo menos 30 músicos de jazz que podrían igualarlos y fácilmente superarlos (tanto en composición como en ejecución)? Bueno, no fueron más que una fría previa para el plato de fondo de la noche y de todo el festival.

Luego de unos 15 minutos de interrupción entraron en escena entre un mar de aplausos el nuevo trío de John Scofield (lo estrenaba acá en Chile). En la batería el mas joven pero para nada por esto sólo una promesa, Kendrick Scott es una máquina en los paños, algo así como un Dennis Chambers con un gran sentido del swing, un verdadero talento a sus escasos 26 años. En el contrabajo, un líder natural y quizás el mejor contrabajista del medio jazz en el mundo, John Patittucci. Este ya experimentado contrabajista (Chick Corea Electric Band) es simplemente alucinante para verlo tocar en vivo, tiene una rapidez en el mástil que es asombrosa si pensamos que no se equivoca prácticamente nunca, una máquina el gringo, a quien ya lo pudimos apreciar hace un tiempo en nuestra capital cuando vino con Wayne Shorter. Muchos pensaron, porqué no se llamara "Patittucci trío", y bueno, es que el cabecilla de todo esto no es ni mas ni menos que uno de los mejores guitarristas de jazz del mundo, el maestro John Scofield. Scofield creó un sonido absolutamente diferente dentro de lo que es la guitarra jazz, comparable con pocos, como Django Reinhardt (con su jazz gitano), Wes Montgomery (el gran exponente del estilo "octavado"), o Pat Metheny (con la melosa "synth guitar"). Su forma de tocar con acordes "al borde", en un tono bastante crudo comparado con la clásica guitarra cálida del jazz, y composiciones llenas pegajosos de ritmos funkys y fusionados, lo ha hecho ganarse un puesto a los que pocos pueden postular.

Los gringos salieron a escena y la vieja frase "El todo es mas que la suma de las partes" tomó sentido en pocos minutos. Scofield no para de renovarse, y a su clásica forma de trabajar las seis cuerdas, agregó una montonera de efectos, con los cuales incluso soleaba consigo mismo (ver video), cosa que al parecer gran parte del público jamás habíamos escuchado, por la cara de impresión de muchos, Scott a su vez manejaba la batería como un reloj de cuarzo, y Patittucci nos dejaba a todos con la boca abierta con sus ametralladores soleos. Al verlos en vivo, repasando parte de la productiva carrera del guitarrista, el trío sonaba como una orquesta, la potencia de los tres monstruos llegó hasta el otro lado del río, en donde las galerías colmadas de fanáticos de la buena música se unieron a un Parque de las Esculturas casi repleto para dar un cierre como se merecen estos tres artistas y estos tres días de celebración de la buena música, los buenos artistas y el buen Jazz.

Les dejo primero un par de temas clásicos del guitarrista, "Polo Towers" del discazo funky Uberjam, y "Hottentot", del disco A Go Go, en donde se acompañó de los monstruos Medeski Martin & Wood. Con este tema cerró el festival, pero para que vean la potencia que le inscribió les dejo el video del mismo tema, en vivo en el Providencia Jazz. Además un par de fotos que pude tomarme con los músicos.

Saludos!
Alex W. Levine.-

Gálvez se fué a Yuesei

2007-02-08T23:11:00.000-03:00

Fuente: La Tercera, 7 de Febrero del 2007.

Alex W. Levine.-

Providencia Jazz 2007: 2° Noche (Contracuarteto & Escalandrum)

2007-01-29T16:06:00.000-03:00

La segunda noche del providencia jazz era un tanto predecible. Buena música, baja asistencia. Es común ya en las distintas versiones del festival, que los días que tocan músicos menos conocidos la gente menos asiste. Pero grandes sorpresas han surgido de estos menos conocidos para nosotros los chilenos. Pasó el 2005 con Trío da Paz, excelente grupo brasileño radicado en New York, y el 2006 con Pink Freud, a mi gusto uno de los grupos más vanguardistas dentro de la escena del jazz actual, simplemente increíbles.

El jueves se presentaban los nacionales Contracuarteto y los trasandinos de Escalandrum. Comenzaron la jornada los chilenos, con los hermanos Félix (batería) y Roberto (contrabajo) del reconocido clan Lecaros encargados de la parte rítmica, y Andrés Pérez (s.tenor) y Cristián Gallardo (s.alto), ambos salidos de la cantera de la Conchalí Big Band, completaban esta extraña formación para un cuarteto jazz. Lo que pusieron en escena es lo que ya muchos saben, cada integrante de esta formación toca a un nivel que los hace competir con cualquier número internacional. Andrés Pérez es una máquina en el tenor, por algo es de los saxofonistas con más proyectos dentro del medio, Félix es reconocido por los mismos músicos y bateristas como un virtuoso en su instrumento. Lo de Cristián Gallardo es otra cosa, este saxofonista está tocando a un nivel realmente impresionante, utilizando su alto como una metralleta de melodías y sonidos perfectamente hilados, que no por su rapidez, pierde la consistencia. Notables los muchachos de Contracuarteto, un verdadero orgullo para la escena santiaguina.

Escalandrum es un grupo que tuve la suerte de conocer previamente a que se presentaran en el Providencia Jazz. La sorpresa al escuchar su más reciente LP, Misterioso no es menor, la frescura que introducen a esta música es notable, gracias al notable manejo que tiene la sección rítmica, integrada por el líder y baterista Daniel Pipi Piazzolla, nieto del revolucionario del tango, Astor Piazzolla, y el contrabajista Mariano Sivori. El manejo del tempo de ellos dos es esencial para lo que desempeñan la sección de bronces, con un talentoso Gustavo Musso en el saxo soprano, un impecable Damián Fogiel en el tenor, y lo que hace en gran parte la diferencia en este grupo, el clarinete bajo de Martín Pantyrer. Este instrumento poco usual actualmente en el jazz le da un soporte a los bronces para improvisar que es realmente notable y esencial para esta frescura que brinda Escalandrum(si quieren escuchar un excelente clarinetista bajo, escuchen las pocas grabaciones que dejó Eric Dolphy). El pianista Nicolás Guerschberg, aparte de ser un excelente intérprete, es el autor de la gran parte de los temas, así que su labor en el grupo es esencial. Sincronización perfecta, que a veces podía caer en una falta de improvisación, pero que se sacrifica en parte por la perfección en la interpretación de los temas. Lo argentinos junto con Scofield, me atrevo a decir que fueron lo mejor de esta versión del Providencia Jazz.

Esta fue por lejos la más completa jornada del festival, pensando en que ambos números se lucieron y dejaron con una gran sensación a la mayoría de los asistentes, haciéndonos sentir a todos que en este rincón del mundo, el jazz va por muy buen camino. Lamentable que los amantes de esta música que fueron los otros dos días al festival, seguro movidos sólo por los nombre reconocidos de los norteamericanos que se presentaron, no vinieran a esta, hace pensar, realmente a los de las primeras filas (casi vacías la segunda noche) les gusta esto, o es sólo para hacer acto de presencia, al mas puro estilo de las páginas sociales?, bueno, a los que realmente nos gusta la buena música estábamos ahí, vimos, escuchamos, disfrutamos y nos fuimos satisfechos al fin de la segunda jornada del Providencia Jazz 2007.

Para que escuchen, primero "Anticuerpos" de nuestros compatriotas de Contracuarteto, y luego un tremendo tema, "Bagualera" del último disco de los trasandinos de Escalandrum.

Alex W. Levine.-

1 Año de Simplemente Jazz...

2007-01-25T18:44:00.000-03:00

Y fue hace ya un año, dentro del aburrimiento y el calor de enero del 2006, cuando se me ocurrió comenzar un nuevo blog, un blog de jazz. Era una idea de hace tiempo, el poder escribir sobre uno de los temas que más me apasionan, y el 25 de enero pasado inauguré Simplemente Jazz con un post sobre una breve historia del estilo.

Este año musicalmente ha sido redondo, muchos pudimos apreciar talentos de peso, como Medeski Martin & Wood, Stanley Clarke, Airto Moreira, Frank Gambale, Dave Holland, Scott Hendersson, Jean Luc Ponty, Pink Freud, John Patittucci, John Scofield, Al Di Meola, etc. Una seguidilla de monstruos del síncope que visitaron nuestro país en un año lleno de buena música, sin duda un buen año para comenzar el blog. También pude apreciar la calidad del jazz en Chile, que puedo decir sin dudar que no le debemos envidiar nada a músicos de otras latitudes. Entre ellos, La potencia de Contracuarteto, el free-jazz de la Pacific Ensemble de Martin Joseph, el jazz experimental de Moderfokin, Los excelentes proyectos de Paz Court (The Beatles; y Violeta Parra & Victor Jara), la big band Quintessence, la metralleta del bajo Christián Galvez, etc.

Además tuve la suerte de conocer a los buenos muchachos de Vivojazz, sitio web al que ahora me he integrado a full, con quienes nos la estamos jugando por la difusión del jazz de nuestra capital, Santiago de Chile, y dentro de lo que se puede, del país. Un proyecto que ya va a cumplir un año también y que sin duda ha sido un éxito rotundo. También he conocido gente que ha estado relacionada con el tema, ya sean músicos o simplemente gente a la que le gusta el jazz. Por eso un saludo a Pancho Gallardo, Seba Iturbe, Leo Hernandez, Enzo Vespa, Paz Court, Claudia Aranda, etc. Mis agradecimientos especialmente a todos quienes continuamente visitan el blog, como Karina, Oscar, Gonzalo, Gabriel, Julio, y a todos los que han colaborado para que este lleve ya más de 9000 visitas en estos doce meses.

Y que se viene para el año?, bueno, seguir humildemente con el sitio, posteando cosas interesantes sobre música tanto de nuestro país como del extranjero, poder seguir escuchando buenos números y seguir realizando un trabajo de difusión y educación sobre este tema que a tantos nos fascina y apasiona.

Saludos!

Alex W. Levine.-

Providencia Jazz 2007: 1° Noche (Al Di Meola)

2007-01-22T14:46:00.000-03:00

El miércoles pasado fue el día en que se dio inicio al gran vento jazzístico del verano y quizás del año, el festival Providencia Jazz, en su ya sexta versión, este recién iniciado 2007. La parrilla programática era prometedora, el primer día tocaba la gran luminaria de la guitarra fusión de los 70-80 del siglo pasado, el norteamericano Al Di Meola. Se presentaría con su banda, integrada en gran parte por músicos latinoamericanos, en el marco de su gira mundial del disco "Conequence of Chaos".

La producción del festival, por el nivel de preparación previa prometía ser mejor que la de otros años, sin embargo una temprana gran decepción fue el lugar destinado a quienes cubríamos el festival, ya que el espacio destinado a los acreditados estaba ubicado directamente a un lado del escenario, motivo por el cual se podía apreciar poco y nada del desempeño de los artistas en escena, detalle a lo menos grave para quienes deben reportear a medios de información sobre esto mismo. Pasando este detalle, a las 21.15 comenzó el festival, con el anfitrión Jorge Aedo dando la bienvenida a los asistentes (si, el mismo otrora numero uno numero uno numero uno numero uno jejeje), imposible no haber tomado en cuenta la pifiadera de la gente ubicada al otro lado del rió al momento de que les pregunto como estaban, claramente una manifestación provocada por el cobro de $1500 pesos por una paupérrima posición, que era lo único gratis que iba quedando en el providencia jazz, un pena pensando que alguna vez era un festival abierto para todo tipo de personas, y no sólo para aquellas que podían desenfundar unos cuantos billetes para escuchar a estos excelentes artistas.

Pocos minutos después aparece la estrella de la noche, con su guitarra eléctrica (la misma que usa Santana) y algunos problemas de sonido (jamás se escuchó el bajo eléctrico, a lo más en una par de solos) entregándonos algunos singles de sus más nuevos registros discográficos, y de vez en cuando algún tema un poco mas antiguo y reconocible. No es sorpresa que Di Meola se ha movido cada vez más hacia estilos más populares, alejándose en demasía de ser la alguna vez estrella de Return to Forever, formación integrada por monstruos de la talla de Stanley Clarke y Chick Corea, banda que moldeó el Fusion Jazz post-Miles Davis(junto con Weather Report). No, el Di Meola que vimos es el más cercano al mundo pop, estilo destinado a un público mas fácil y amplio, pero no a los amantes del jazz. Esto se notó por el frió recibimiento que tuvo en un principio ante el público, cosa que cambió sólo con sus dos temas finales, cuando interpretó un tema de Astor Piazzolla, y concluyó la noche con un potente tema fusión de tiempos ya pasados.

Buen artista, es cierto, pero quizás el camino que tomó hace ya un tiempo no es el preferido de muchos, entre quienes me incluyo. Lo más rescatable fue poder darse cuenta de los grandes músicos que lo acompañaron, que como ya dije eran en su mayoría sudamericanos, entre ellos de nacionalidad argentina y cubana. A opinión personal, lo mejor de Di Meola fue cuando tomó la guitarra acústica, instrumento en el cual es un máquina expendedora de notas y melodías. El show tuvo una buena duración, aproximadamente dos horas, y dejó a la mayoría del público satisfecho, lejos sí de una quizás esperada efervescencia ante un artista de tal currículum.

Les dejo un temón de los tiempos de Di Meola con Return to Forever, "The Musician", de su disco Live.

Alex W. Levine.-

Concierto: Paz Court Trío

2007-01-09T23:32:00.000-03:00

La musica no se detiene. Me toma de la mano y me lleva acelerada por la vida a infinitos lugares llenandome de cada sentimiento y pensamiento posible en lo humano.

La musica no se detiene, y de su mano Este Viernes 12 de Enero , me presentare Junto a Diego Urbano en Vibrafono y Nicolas Rosenthal en Percusiones , en el Bar Thelonious (Bombero Nuñez 336 Bellavista) a las 21 hrs. para repetir lo que fue nuestro homenaje a Violeta Parra y Victor Jara.

Jazz, pop, Folklore y electronica fusionados para rememorar a quienes han sido el pilar de nuestra querida musica chilena.

Los espero invitandolos este año 2007 a adentrarse en este mundo del arte y la musica, a salir a las calles, a engolosinarse, a fluir con la vida y todo lo que lleva dentro y que el arte expresa haciendonos sentir, pensar, vivir.

Un abrazo!!
Paz.-

Paz Court - Te Recuerdo Amanda (Victor Jara)

Alex W. Levine.-

Claudia Acuña dará concierto gratuito durante Santiago a Mil

2007-01-08T14:29:00.000-03:00

Sólo hace algunos días llegó a nuestro país Claudia Acuña, donde de paso aprovechó de cantar una pieza en el club Miles, y hasta esta mañana aún no había certeza del motivo de su visita. Hoy se confirmó que la llegada de la destacada cantante de jazz radicada en Nueva York se debe a que será parte del programa de Santiago a Mil.

La noche del sábado 13 de enero, la artista ofrecerá un concierto gratuito y al aire libre en las afueras de la Iglesia San Vicente Ferrer de Los Domínicos (Av. Apoquindo 8600). De esta manera se inaugura la inclusión de la música durante el ya tradicional festival de la cultura que domina las actividades de enero.

Lady crooner

Pero no sólo se trata de un concierto habitual de jazz como los que Acuña ya ha ofrecido antes en teatros operáticos como el Municipal, espacios reducidos como el Club de Jazz y festivales multitudiarios como el Providencia Jazz. En esta ocasión, Acuña se plantará además frente a la conocida orquesta de jazz de adolescentes Conchalí Big Band, para actuar por primera vez en Chile como lady crooner.

Claudia Acuña destacó que esta presentación junto a la orquesta “será una bonita unión entre dos equipos”. Y respecto del programa que presentará esa noche, la cantante no quiso adelantar nada. “Será una sorpresa” se limitó a decir, aunque se sabe que Acuña se ha manifestado musicalmente cada vez más alineada con la raíz latinoamericana que con el swing norteamericano.

La cantante agregó que aún se está viendo la posibilidad de agregar más conciertos durante el festival en otras comunas y que no se descarta ampliar la temporada junto a la orquesta de jazz. Porque un tema importante para Claudia Acuña es la “accesibilidad” de su música y por eso mismo afirma “que para mí es un sueño volver a la calle".

"Yo siempre miraba de lejos el festival de teatro y soñaba con que algún día se incluyera la música en este evento”, señaló la cantante de jazz, según la cual Santiago a Mil “más que un festival de teatro, es un carnaval de las artes”.

Sin embargo, Carmen Romero, directora general del Festival Internacional Santiago Mil, especificó que éste seguirá siendo sólo un festival de las artes escénicas.

“La presentación de Claudia Acuña es como un broche que de aquí en adelante queremos agregar al Festival”, agrega Romero. La idea es que se incluya sólo un número musical dentro de la programación y que éste “sea inédito o de un carácter especial”.

El año decisivo

La conexión entre Claudia Acuña y la Conchalí Big Band era un proyecto que la cantante resguardaba en silencio desde sus anteriores visitas al Teatro Municipal en 2004 y a San Carlos de Apoquindo en 2006. Su interés por integrarse a proyectos nacionales estaba latente después de una década de acción en Estados Unidos y Europa.

Después de cantar junto al pianista Moncho Romero en temporadas de jazz en Santiago, y de haber participado en el primer Festival de Jazz Vocal de 1992 (donde salió segunda tras Rachel) Claudia Acuña emigró a Nueva York para construir su carrera musical. Corría 1994 cuando se instaló en la capital mundial del jazz. Ahí conoció al pianista Jason Lindner, su histórico socio musical, y alcanzó resonancia entre los ejecutivos del sello Verve que la vieron como una figura latinoamerica "exótica" para el mundo anglo.

En 2000 debutó con el disco Wind from the south y dos años después grabó Rhythm of life con músicos como el contrabajista Dave Holland y el pianista Billy Childs. En 2004 cambió de casa editora y publicó Luna con Maxjazz.

El mismo año de su viaje a Nueva York, en la comuna capitalina de Conchalí se gestaba uno de los hitos del jazz chileno del último tiempo. El cornista clásico y trompetista Gerhard Morninghew organizó el proyecto de la creación de una orquesta de músicos adolescentes. Logró la consecución de fondos para adquirir instrumentos y convocó músicos para enseñar el lenguaje del swing.

A doce años de su fundación, la Conchalí Big Band ha promovido a músicos que hoy despiertan la atención del medio jazzístico: Agustín Moya (saxo tenor), Marcelo Maldonado (trombón), Cristián Gallardo (saxo alto), Andrés Pérez (saxo tenor), Italo Viveros (trompeta), Jorge Prieto (trombón), Sergio González (batería).

Es la misma fecha histórica para Claudia Acuña y los jóvenes músicos de la orquesta conchalina que se encontrarán por primera vez este próximo 13 de enero, en el concierto del festival Santiago a Mil.

Fuente: EMOL.cl; Miércoles 13 de Diciembre de 2006,
Por Ilona Goyeneche e Íñigo Díaz.

Alex W. Levine.-

Imperdible del mes: Providencia Jazz 2007

2007-01-06T15:54:00.000-03:00

Pagarías dos dólares por este concierto?

2007-01-03T02:02:00.000-03:00

Yo se que yo sí, y lo que tuviera...

Alex W. Levine.-

3° Festival de Jazz de Lebu

2007-01-02T01:50:00.000-03:00

Para empezar este 2007 con el pié derecho, los mejores jazzistas de la escena Santiaguina, hacen sus maletas y se van en patota hasta Lebu, tierra del poeta Gonzalo Rojas, lugar en donde gracias al apoyo del Fondart, toda la gente cercana podrá disfrutar de un espectáculo de primera calidad y absolutamente gratis, en el 3° Festival de Jazz de la ciudad.

Durante dos días, artistas de lujo llegarán hasta los oídos de los afortunados asistentes, para lo cual se les cita este 5 y 6 de enero, en el Anfiteatro Parque Costanera. Podrán ver en escena a grupos como Contracuarteto (el mejor hard-bop chilensis, que se presentará además en el Providenciajazz), Jazzimodo (jazz-pop liderado por la carismática vocalista Paz Court y Talo Quevedo, talentoso tecladista y compositor), Jorge Díaz Quinteto (a mi gusto personal, el mejor guitarrista del medio), además de toda la familia Lecaros, Goodmania Swing y Pulso (encabezado por el Saxo Tenor de Agustín Moya).

Entonces la cita está echa, imperdible panorama para la gente del sur, el mejor sonido del nuevo jazz chileno y totalmente gratis. Más información en jazzlebu.cl

Alex W. Levine.-

Los novedades de la sexta versión del Providencia Jazz

2006-12-03T13:02:00.000-03:00

Artistas mundiales y jóvenes revelaciones de Argentina y Chile

Con el anuncio oficial de los artistas invitados y el inicio de la venta de entradas, que este año incluye asientos numerados y graderías al otro lado del río Mapocho, se puso en marcha la etapa previa al 6º Festival Internacional Providencia Jazz organizado por el Instituto Cultural de Providencia (ICP), y que se realizará los días 17, 18 y 19 de enero próximo en el Parque de las Esculturas.

Los organizadores informaron que compartirán el mismo escenario de este festival la fama y éxito mundiales de los estadounidenses Al Di Meola Band y John Scofield Trio, a los que se sumarán Tube Factory, de Finlandia; el talento del destacado grupo jazzístico argentino, Escalandrum y un verdadero fenómeno artístico chileno, ContraCuarteto, que ha emergido en los últimos dos años como verdadera revelación.

El encuentro musical, considerado entre los importantes de su género en Sudamérica, se desarrollará, como en su versión anterior, al interior del Parque de las Esculturas donde sus organizadores han incorporando nuevas y cómodas instalaciones que incluyen asientos numerados y graderías con acceso pagado al otro lado del río Mapocho

"Afinados todos los detalles del Festival hemos iniciado el proceso de venta de entradas y la etapa de información al público, y organización y recepción de las figuras mundiales invitadas como el guitarrista Al Di Meola y el grupo Tube Factory, por ejemplo. Nuestro deseo es ofrecer un encuentro de música muy superior al de los años anteriores", dijo Osvaldo Rivera Riffo, Director del ICP.

Señaló también Rivera que "accediendo a las peticiones de una gran cantidad de publico que asistió en enero de este año, decidimos cambiar algunos aspectos estructurales en el Parque de las Esculturas, como concepto escenográfico, para alcanzar mejores niveles de sonido, y proporcionar mayores comodidades a los asistentes, como, por ejemplo entradas numeradas. Todo ésto, sumado al nivel de los artistas, ha significado, aumentar el costo de la entrada a este espectáculo internacional".

Convertido en uno de los más importantes referentes de música jazz del país, en su sexta versión el Festival espera recibir a más de 6 mil personas diarias para lo cual equipos especializados están trabajando desde hace 3 meses en las diversas áreas con el fin de proporcionar al público principalmente organización, seguridad y comodidad.

El actual Festival comenzó el año 2002 con la participación de artistas como Mike Stern, Luis Salinas, Tolvan Big Band, Cyntia Scout y Fernando Noroña Black Soul, entre otros, y es heredero evolucionado de "Música junto al río", una iniciativa que surgió en 1992 orientada al uso del espacio urbano en actividades culturales.

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PROGRAMA OFICIAL

Miércoles 17 de enero - 21:00 horas
Al Di Meola Band (Estados Unidos)
"Consequence of Chaos Tour 2007"

Jueves 18 de enero - 21:00 horas
ContraCuarteto (Chile)
Escalandrum (Argentina)

Viernes 19 de enero - 21:00 horas
Tube Factory (Finlandia)
John Scofield Trio (Estados Unidos)

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VENTA DE ENTRADAS Y ABONOS (sin cargo por servicio)
Exclusivamente en el Instituto Cultural de Providencia (Avda. 11 de Septiembre 1995 fono 2232700) y en las oficinas de Montecarmelo-Providencia (Bellavista 0594, fono 7770882) y Parque de las Esculturas (Avda. Santa María 2201, fono 3351832)

VENTA TICKETMASTER (tiene cargo por servicio)
Venta telefónica: 690 2000
Venta internet: www.ticketmaster.cl
Tiendas Falabella
Homecenter Sodimac
Cines Hoyts

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VALOR DE LAS ENTRADAS:

Galería Costanera $1.500
Platea General $5.000
Silver General $9.000
Golden Numerada $12.500

Alex W. Levine.-

La descendencia perdida de Tom Waits

2006-11-22T18:51:00.000-03:00

El crooner de la Norteamérica que no retratan las postales regresa con su más abultada colección de canciones no reconocidas. Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards se llama el disco triple con 56 temas (30 de ellos nunca antes publicados) que aparece el 21 de noviembre en Estados Unidos.
Por Mauricio Jurgensen (La Tercera)

Se supone que debería conceder alguna de esas frases que ayudan a templar el ambiente previo al arribo de un nuevo trabajo. Pero nada. Tom Waits (California, 1949), uno que ha hecho carrera instalado en la periferia y siempre a espaldas de las exigencias de la industria, apenas se acomoda el sombrero y lanza con voz sucia y destemplada: "Es sólo un, montón de canciones que se me cayeron por la cocina mientras preparaba la cena". Habrá entonces que conceder de vuelta: no se trata sólo del disco de tumo (sucesor de Real Gone, 2004) y, por cierto, menos de las sobras del menú.
Orphans: Brawlers, Bawlers and Bastards asoma como el testimonio más generoso y definitivo de una carrera musical iniciada formalmente -tras "curtirse" en los bares- en 1973 con Closing Time. La ficha de su disquera (y que incluye la notable frase de entrada) habla de una colección de 56 canciones -30 de ellas inéditas, dos "escondidas" hacia el final de la lista- que irán repartidas en tres discos separados por criterios de estilo: blueseras (Brawlers), melancólicas (Bawlers) y experimentales (Bastards). También hay covers de The Ramones y Daniel Johnston, dos musicalizaciones sobre escritos de Charles Bukowski y Jack Kerouac y colaboraciones de gente como Mark Linkous (Sparklehorse) y Les Claypool (Primus).
Rodeado de amigos y no de muy buena gana, aceptó salir de gira para promocionar un título que será editado el 21 de noviembre en Estados Unidos. Aunque hablar de gira sea un exceso: durante agosto pasado montó ocho conciertos en ciudades ajenas al circuito convencional y, cuando le pidieron razones para emprender tan atípico periplo, sólo argumentó: Vamos a Kentucky, porque allá un tipo me debe dinero, y pasaremos por Tennessee, porque no me quiero perder los fuegos artificiales.

Surreal y narcótico
Burlón e inflexible, Waits dice que Orphans "es un chico sin futuro manejando un ataúd con grandes neumáticos por el río Ohio, usando anteojos para soldar, y también un tipo golpeador de esposas con un petardo en su oído". Pero lo que se oye son canciones en un clima tan narcótico como seductor con pianos, bronces, violines y batería con plumillas. Registros de belleza insana y maldita que produjo junto a su esposa y colaboradora, la irlandesa Kathleen Brennan, y a dos de sus tres hijos.
La cita familiar no es gratuita. Después de arroparse en el repertorio de piano y jazz que nutrió la primera década de su carrera musical, Waits logró que en 1983 el sello Island publicara Swordfishtrombones, a un año de haberlo grabado y después de que Asylum, su primera casa disquera, lo desechara por "inentendible". Por esos días, el músico conoció a Brennan en los estudios Zoetrope, de la familia Coppola, y fue ella quien precipitó dos decisiones clave: dejar el alcohol y seguir escribiendo lo que le viniera en gana. Waits cambió la melancolía etílica por una crónica enrarecida y rústica de rango experimental. Swordfishtrombones inauguró una trilogía de discos imperdibles, que completan Rain Dogs (1985) y Frank's Wild Years (1987), y que sellaron las claves de su posterior repertorio.
Orphans confirma ese tono surreal y narcótico, que durante la última década -y como golpe a la cátedra dé una carrera que siempre fue esquiva en términos de rentabilidad-, comenzó a gozar, de fuerte popularidad. Sobre todo a partir de Mule Variations (1999), que llegó a vender más de un millón de copias. Esta edición, que supera el rango retrospectivo por su inclusión de 30 canciones nuevas, tiene también una edición de lujo con librillo de 94 páginas y letras de puño y letra de un músico que ajusta cuentas con el pasado reconociendo, formalmente, a sus crías pérdidas.

Les dejo un par de temas, "The Last Rose of Summer" y "Singapore", de sus discos The Black Rider y Rain Dogs respectivamente, bien diferentes para que capten su estilo.

Si gustan pueden bajar el tremendo DISCO ENTERO de Tom Waits, "The Heart of Saturday Night", del año 1974, cuando el crooner recién comenzaba su carrera (con el pie derecho), CLICK ACÁ

Alex W. Levine.-

El Padre del Ethio-Jazz: Mulatu Astatke

2006-11-12T22:40:00.000-03:00

Jim Jarmush, (Coffee and Cigarettes, 2003) escuchó hace 6 años la música de un jazzista etíope. Fue tanto el impacto que tuvo en él, que desde entonces comenzó a escribir un guión exclusivamente para acompañar estos ritmos: Broken Flowers. Gracias a esta película muchos pudimos acercarnos al desconocido en Chile, pero increíble pionero del jazz africano, Mulatu Astatke.

Mulatu Astatke es uno de los músicos más importantes de Etiopía. A fines de los 50, viajó a Londres y posteriormente a Boston y Nueva York, absorbiendo influencias del Jazz y ritmos latinos. Ha grabado varios LPs (uno de los cuales, Mulatu of Etiopía, se ha convertido en una leyenda para DJs en el último tiempo), y eventualmente llevando tanto el jazz moderno e influencias latinas, así como instrumentos específicos de la música occidental de vuelta a su natal Addis Ababa. En piano, órgano, vibráfono y percusión, con sus arreglos y composiciones, y como un agente provocador, se convirtió en una figura esencial en la gran era del Jazz y Pop Etíope, entre 1968 y 1974. Desde 1969, creó las primeras bandas independientes de la milicia etíope, que anteriormente había dominado al escena musical de su país. Hoy en día, se mantiene en una posición central en la escena musical etíope, como dueño de club, fundador de escuela musical, DJ de radio, compositor, arreglista e instrumentalista.

El disco Ethiopiques, Vol. 4: Ethio Jazz & Musique Instrumentale, 1969-1974 (volumen dedicado exclusivamente a la música de Astatke) es un gran ejemplo para entender la mezcla de influencias que reúne este eximio músico africano. Lo que encontrarás en este disco: la excelente fusión de Jazz, Funk, Groove y Swing. Gran parte del sonido de este disco se posa sobre las largas y pegajosas líneas de bajo eléctrico. Un gran trabajo de octavas de los saxos recuerdan lineas del Swing norteamericano de principio de los '50, siempre con una gran influencia latina. La guitarra tiene un papel protagónico en este disco, una guitarra eléctrica distorsionada o Wah que recuerda los mejores riffs de la época jazzera de Frank Zappa, y que en muchas ocasiones se adueña de los solos. Las percusiones tienen un sólido sonido funk y latino (imaginense a James Brown y Mongo Santamaría metidos en una juguera), creando la base ideal para el desempeño de los otros instrumentos. Acá no encontraras temas con solos marcados de cada instrumento y una walkin' del bajo, es casi un viaje astral por cada tema, que se mueve como seda por cada segundo de su composición y arreglo. El resultado? ETHIO-JAZZ, término forjado casi exclusivamente en el trabajo pionero de Astatke, que llevó el sonido de su África natal y del jazz un paso mas allá, con la calidad de pocos.

Lo que hay que escuchar: el mismo Ethiopiques, Vol. 4: Ethio Jazz & Musique Instrumentale, 1969-1974 (muy difícil de encontrar en Santiago) o el más accesible, la banda sonora de "Broken Flowers", que si bien no es tan bueno como el anterior, mas de la mitad es de propiedad del músico africano.

Subí el disco entero de Ethiopiques Vol.4, que lo pueden bajar haciando CLICK AQUÍ

Ahora sí se arregló la página para postear los temas, asi que les dejo tres muestras que pueden escuchar a continuación, saludos,

Alex Levine.-

Homenaje a The Beatles, visto desde los ojos del Jazz, con Paz Court y Rodolfo Chodil.

2006-11-12T17:33:00.000-03:00

Tener una idea ardiente en la cabeza, soñarla un millon de veces, dejarla pasar otras miles de veces.....llegar finalmente a concretarla.

Despues de meses de trabajo creativo, de insistencia, configuracion y gestacion....por fin y felizmente tengo el agrado de invitarlos a ser participes de este hermoso proyecto:

PAZ COURT y RODOLFO CHODIL COLECTIVO en: LOS BEATLES

Este SABADO 18 de NOVIEMBRE a las 22hrs en Thelonious, sera una noche de homenaje a The Beatles, una noche que no se puede dejar pasar.
Sus canciones,que revolucionaron al mundo, impresas en la memoria colectiva, han sido llevadas a laboratorio por nuestro colectivo tomando asi diferentes colores y texturas, nuevas sonoridadas, pasando por el jazz, lo docto, lo experimental....
Voz, piano, saxo, contrabajo y cuarteto de cuerdas para acariciar el corazon con estas melodias que nunca mueren.
Les aviso con tiempo para que vayan haciendo espacio en sus agendas. En www.vivojazz.cl podran encontrar mas informacion, musica, promociones, etc....

Los espero !!!! No se lo pueden perder.

Paz.

El trance hipnótico de Airto Moreira en Santiago

2006-10-25T21:02:00.000-03:00

Otro de los "Miles Boys" nos deleitó con su visita a Santiago, mas que un concierto, Airto Moreira dictó una clase de música, energía y espiritualidad, tres elementos esenciales en la vida de un artista de su altura.

Como ha sido la tónica de este espectacular año (musicalmente hablando), pudimos hace un par de semanas contar con la visita de otra leyenda del jazz acá en Santiago. En esta oportunidad se trató del mítico percusionista Airto Moreira. ¿Quién es Airto Moreira para quienes no lo conocen?, bueno lean esto: participò en la grabación del disco más vendido de la historia del jazz, "Bitches Brew" de Miles Davis, fue miembro fundador de una de las bandas seminales del jazz-fusión, Weather Report. Además ha tocado con Dizzy Gillespie, Herbie Hancock y Chick Corea entre otros. Envidiable currículum, no?

Fue el 14 de octubre la fecha de reunión, en el ya común escenario de estas importantes visitas, el Teatro Oriente. Comenzó un poco tarde y hubo algunos atochamientos en la entrada, pero un vez sentado y comenzado el show esto rápidamente se me olvidó. Comenzó Airto tocando distintas baratijas de sus más de 70 instrumentos sobre el escenario, que iban desde una especie de vaina de haba gigante, hasta una caja llena de juguetes plásticos de niños. Con respecto a la estrella de la noche, el manejo del ritmo que tiene es realmente envidiable, cosa difícil cuando tiene que tocar tantos instrumentos distintos. Su forma de tocar consiste en improvisación sobre líneas prediseñadas de temas. Para esto contó con la participación de una "reacondicionada" versión del Chilean Proyect (me quedo con la de Gambale, con los hermanos Cheul). En bajo, el ex-congreso Ernesto Holman que si bien tenía gran apoyo del público, no lo encontré muy destacable, hay bajistas que de seguro podrían manejar mejor estos tipos de ritmos. También participaron el percusionista Giorgio Varas, Jorge Díaz en guitarra (para mi gusto entre los mejores guitarristas de Chile y el que mejor se desempeñó acompañando al brasileño), Cristian López en teclados (lamentablemente los teclados estuvieron muy deslucidos, de seguro podría haber sido mejor prescindiendo de este) y el ex baterista de Pedro Aznar, Quintino Cnall. La modalidad fue que tocaban un tema juntos, y entre estos Moreira tocaba un solo de percusiones, al final del concierto se apropió de la batería para tocar una zamba clásica brasileña, la cual repitió en el bis. Difícil calificar el concierto ya que de jazz tuvo poco, pero en cuanto a calidad no hay duda. Se podría describir como un gran trance de casi dos horas, que nos acercó a las raíces africanas de los ritmos de nuestro continente, en donde Airto fue nuestro Shamán y absoluto protagonista del viaje. Excelente número para ir terminando con las sorprendentes visitas que recibimos este año los amantes del jazz en el pueblo de Santiago.

A continuación les dejo un par de fotos que pude tomar (ya que con las que tenía puestas colapso el explorer, usen firefox please!) y un video que grabé justo en un solo de batería de Moreira.

Alex W. Levine.-

El Último Gran Tenor: Bob Berg

2006-10-06T01:25:00.000-03:00

Bob Berg no tenía demasiada confianza en sacar adelante su carrera de músico. Fue, antes de dedicarse profesionalmente al jazz, conductor de taxis y camionero, profesión que ejercitaba en paralelo a sus primeros escarceos con el saxo tenor. Así y todo, llegó a ser (en mi opinión) el más grande intérprete del Saxo Tenor desde John Coltrane, antes de su trágica muerte a los 51 años.

Nacido en 1951, Bob Berg comenzó su experiencia musical a la edad de seis años, estudiando piano clásico en su hogar, en Brooklyn N.Y. Empezó a tocar saxofón a la edad de 13, y al poco tiempo ya asiste a la High School of the Performing Arts. En 1968, Berg es admitido en la Juilliard School, y estudia saxofón clásico. Mientras asiste a Juilliard, le ofrecen un tour con Jack McDuff, donde comienza su carrera como músico de jazz.

En 1973, Berg se une a la banda de Horace Silver y se mantiene en esta por tres años, apareciendo en tres discos de Silver. Fue en este período que Bob se vuelve activo en la escena jazzística de Nueva York, encontrándose con otros músicos jóvenes y tocando e intercambiando ideas con varios colegas. También le dio la oportunidad de trabajar con algunas de las importantes bandas que se desempeñaban por la ciudad.

En 1976, reemplaza a George Coleman en el cuarteto clásico de Cedar Walton, Eastern Rebelion. Berg se mantiene con Walton por cinco años, tocando con la legendaria sección rítmica del bajista Sam Jones y el baterista Billy Higgins. Con esta banda, Berg se va de gira por gran parte del globo y graba varios discos.

En 1984, Berg se une a la banda de Miles Davis. Su sociedad con Miles dura tres años y consiste de varios tours mundiales y muchas grabaciones. Luego de dejar a Davis, Berg se embarca en una carrera de grabaciones solistas y reconocidas colaboraciones con el guitarrista Mike Stern. Bob y Mike producen varias grabaciones juntos, además de irse muchas veces de gira.

En 1992, Berg comienza su trabajo con el cuarteto acústico de Chick Corea. Nuevamente, recorre el mundo en gira con esta gran banda, además de grabar dos discos con esta.

En los noventas, Berg es invitado como embajador cultural por el departamento de estado de EEUU. El "Bob Berg Quartet" gira por el caribe en 1992, y por gran parte de la ex Unión Soviética en 1994. La banda se encuentra con gran apoyo del público en estas regiones.

A mediados de los noventas, Berg gira con su propio cuarteto y otros proyectos especiales. Además se involucra en una nueva reencarnación del grupo Steps Ahead junto con Mike Manieri, Peter Erskine, Eliane Elias y Marc Johnson. Su último proyecto fue el grupo "The Jazz Times Superband" el 2000, que incluye además a Randy Brecker, Joey Defrancesco y Dennis Chambers.

El tenorísta muere en un trágico accidente automovilístico en Amaganser, Long Island, NY, el 5 de diciembre del 2002, a la edad de 51 años, donde además su mujer resulta gravemente herida.

Bob Berg fue un fenomenal intérprete del Saxo Tenor. Su música fue una flexible reinterpretación del Hard Bop, rápida y alucinante. Era un swingista natural. Berg demostraba una técnica perfecta en la ejecución de su instrumento a través de cada registro, hasta el más rápido tempo; melódica y harmónicamente seguro, con la habilidad de interpretar acordes de incrementada dificultad con aparente facilidad, en conjunto con un gran sonido perteneciente a la influencia de Sonny Rollins y Coleman Hawkin.

Fuentes:
BobBerg.com
Apolo y Baco
Jazz Professional

Les dejo para el deleite de sus ojos una grabación de Bob Berg y Mike Stern en vivo, tocando Friday Night At The Cadillac Club

...y para el deleite de sus oidos, un par de temas de la "Jazz Times Superband", el megarpoyecto en que participó Berg poco antes de su temprana muerte. primero, "Silverado", y en segundo lugar, "SoHo Sole"

Traducido por Alex Levine.-

El legado de Miles Davis resuena en el aniversario de su muerte

2006-09-27T17:00:00.000-03:00

La celebración este jueves del quince aniversario de la muerte de Miles Davis llega con una incesante aunque justificada serie de homenajes a este maestro del jazz. Su trompeta se deja oír en la recién publicada colección de cuatro discos que, bajo el título de "The Legendary Prestige Quintet Sessions", agrupa una elegante serie de grabaciones del Miles Davis Quintet entre 1955 y 1956, y su vida vuelve a ser motivo de discusión 15 años después de su muerte, acaecida el 28 de septiembre de 1991, con la próxima publicación de "Dark Magus", una nueva biografía del músico redactada en esta ocasión por su hijo mayor, Gregory.

Tanto en vida como después de su muerte, Miles es reverenciado como uno de los grandes del jazz, alguien cuyo arte tan sólo es comparable con otra leyenda de este género como Duke Ellington. Sin llegar a poseer el virtuosismo de su idolatrado Dizzy Gillespie a la trompeta, Miles ofreció un toque personal, siempre diferente y en constante evolución. En sus manos cada una de las notas era importante mientras su estilo evolucionaba del bop al jazz libre, también considerado uno de los pioneros en la fusión con otros géneros musicales. Como asegura la crítica, la historia del jazz sería diferente de no ser por este nacido en Alton, Illinois, un 25 de mayo de 1926.

Junto al talento demostrado como trompetista en obras como su "Porgy and Bess" (1958) o "Sketches of Spain" (1960), Davis fue un brillante "caza-talentos" para sus formaciones orquestales. El hombre que durante años no quería hablar con nadie que no fuera músico descubrió a talentos como Gerry Mulligan, John Coltrane, Herbie Hanckock, Chick Corea, Keith Jarrett o John McLaughlin, algunos de los principales valores del jazz moderno.

Este es el Davis que celebra este mes el Hollywood Rock Walk cuando inscriba el nombre del músico en la galería en honor a los maestros del rock & roll, el jazz, el blues o el R&B.

Pero en la biografía "Dark Magus: The Jekyll and Hyde Life of Miles Davis", la otra cara queda al descubierto. Escrito por Gregory Davis, el mayor de los cuatro hijos del músico, el libro habla del comportamiento cambiante de su padre, un hombre que alternó entre sus momentos de sobriedad y de drogadicción de los que salieron clásicos como "Walkin" (1954). También habla de la lucha entre un hombre que amaba a su familia pero que llevaba en su interior un egoísmo destructivo, o de la búsqueda de Davis de una estabilidad marital a la vez que corría obsesionado detrás de las mujeres jóvenes que conocía.

Como detalla la estrella de jazz Clark Terry, el volumen que saldrá a la venta el próximo noviembre es "una brillante y enternecedora revelación del carácter de Miles a través de los recuerdos de su hijo mayor". Un perfecto complemento a la autobiografía "Miles" que el músico publicó tras anunciar en 1975 su despedida de unos escenarios a los que volvería en 1981. "El hijo y compañero de Miles Davis tiene experiencias que ningún biógrafo o periodista puede ofrecer", añade el crítico Phil Freeman. "Dark Magus" ofrece las dos caras del artista, la del genio y la de sus demonios. Sus páginas también muestran al aficionado que hace quince años se quedó huérfano de Davis nuevas fotos de su maestro o incluso cotilleos de las disputas familiares que acompañaron su testamento.

Pero si lo que sus seguidores van buscando es su música como mejor recordatorio, las más de 120 grabaciones que Davis dejó a su muerte cuentan ahora con una nueva colección que engloba uno de sus periodos musicales culminantes. Entre los cuatro discos de "The Legendary Prestige Quintet Sessions" hay uno que contiene interpretaciones inéditas de Davis en la radio y la televisión. Se trata de un nuevo ejemplo sonoro de la virtud musical más veces alabada de Davis. Como asegura su hijo, en vida Miles Davis se debatió en una constante lucha personal, pero en el escenario siempre será siempre recordado por su delicado control sobre su trompeta.

Fuente: La Tercera

De puro buena onda que soy les dejo una joyita: Miles con su octeto, presentando a Carlos Santana y Robben Ford

Alex W. Levine.-

Christian Gálvez de gira con Stanley Clarke

2006-09-19T20:33:00.000-03:00

Luego de la visita de Stanley Clarke a Chile, el músico norteamericano quedó tan impresionado con el desempeño de nuestro compatriota Christian Gálvez en el bajo eléctrico de 6 cuerdas, que lo invitó de inmediato a integrarse a la banda para el resto de su gira mundial. A continuación la traducción de la pagina oficial de Stanley Clarke:

Stanley tocó recientemente un concierto en Chile, con los mejores músicos de ese país. Luego de tocar con el bajista Christian Gálvez, lo invitó de inmediato a unirse a la banda.

Christian es un virtuoso de jazz, fusión, ritmos chilenos y latinoamericanos, y de música experimental. A tocado con los mejores músicos en Latinoamérica. Así tambien lo ha hecho con Billy Cobham, Mike Stern, Iván Lins, Leni Andrade, y Fareed Haque. Sus discos incluyen Christian Gálvez (2000) Cero (2002) Dinámica Solista (2004) Christian Gálvez Trio & Live (DVD 2005).

Ha tocado en mas de cién discos de artistas chilenos y extranjeros, y se ha presentado por todo el mundo.

Fuente: StanleyClarke.com (Click para ir al artículo)

Para quienes no conozcan al bajista, les dejo un video de YouTube con su Trio, tocando el tema "Regresando a Casa", en vivo en el Club de Jazz de Stgo.

Salu2,
Alex W. Levine.-

Stanley Clarke en Chile

2006-09-18T14:48:00.000-03:00

Fue hace ya dos viernes que tuve la suerte de poder apreciar el talento de uno de los bajistas mas influyentes del jazz en el siglo XX, y quizás el mas importante en vida, Stanley Clarke.

En realidad fueron dos conciertos, una función a las 20.00 horas y otra fijada a las 22.30. El Show comenzó con un retraso de unos 30 minutos, pero que todos los asistentes olvidaron rápidamente cuando se dio inicio al sonido. Clarke comenzó percutiendo su eléctrico Alembic con su distintiva técnica, y fue presentando de a uno a sus acompañantes, todos músicos Chilenos. En la batería Raúl Aliaga, en los teclados Sebastián Almarza (ambos de Congreso), en la guitarra Emilio García, y en el bajo eléctrico Christian Gálvez, y en ocasiones participó como segundo tecladista Carlos Valenzuela, (de Papanegro). Luego de esta introducción de los músicos comenzó el show, que como prometió Clarke, fue una selección de "oldies" del bajista norteamericano. Lo que mas me impresionó fue la calidad de estos músicos chilenos, que no tienen nada que envidiar a sus pares extranjeros. El show consistió en algunos temas con Clarke en el bajo eléctrico, y aún más impresionante, tocando el contrabajo. Destacable para mí fueron un par de temas, uno que tenia cierta ritmicidad étnica, compuesto por Clarke cuando era muy joven, con García en la guitarra acústica y Aliaga en el cántaro. El otro tema, compuesto por Charlie Parker, llamado "Confirmation", este tema consistió en Gálvez en el eléctrico y Clarke en el acústico, turnándose los solos y acompañamientos, simplemente alucinante, Gálvez ya puede con cualquiera. El show terminó con un clásico potentísimo como lo es "School Days", para luego volver una vez más al escenario y tocar un último tema. Dentro del repertorio puedo recordad "Canción de Sofía" (dedicada a su esposa Sofía Prieto, chilena hija del baladista Antonio Prieto), "Song to John" (compuesta en memoria del tenorista John Coltrane), "Confirmation" y "School Days".

Terminado el show, gracias a un par de frescos que quisieron quedarse a la fuerza al segundo show, y a la complicidad de los guardias, tuve la suerte de no sólo quedarme al segundo concierto, sino que verlo en tercera fila en platea, una entrada que bordeaba los $25.000. Obviamente este segundo show los disfruté mucho más, ya que estaba a solo metros del escenario. Sobre el repertorio, nada que decir, era el mismo de la primera función, sonaron con la misma fuerza y calidad que en la primera. En el concierto también tuve la suerte de conocer a Sebastian Iturbe, a Pancho Gallardo y a los demás chicos de VivoJazz, que se encargaron de la impecable producción multimedia del concierto. Fue con ellos que nos dirigimos a camarines, y pude cruzar un par de palabras con el bajista norteamericano y con quien además nos fotografiamos.

La producción del concierto fue muy buena, incluso consiguieron que El Mercurio se pusiera con Whisky Johnnie Walker Etiqueta Negra para todos los asistentes, ni les explico la cantidad de tatitas felices que había jeje, en fin, un gran show, una gran noche, que decir, Stanley Clarke.

Fotos Gentilesa de VivoJazz
Alex W. Levine.-

Jazz en Santiago: Lluvia de Estrellas

2006-08-25T18:39:00.000-03:00

Los virtuosos guitarristas John Scofield y Al di Meola son los primeros nombres confirmados para el Providencia Jazz Festival 2007, que se realizará la segunda quincena del mes de Enero en el tradicional Parque de Las Esculturas. Asi lo anuncian sus respectivos sitios web. John Scofield viene a presentar en vivo su nuevo trabajo "Trio Beyond" y Al di Meola presentará su disco "Consequence of chaos". Más info en www.aldimeola.com y www.johnscofield.com

Recuerden que el 1 de septiembre el bajista eléctrico del jazz-funk y la fusión Stanley Clarke, quien está casado con la chilena Sofía Espinoza (hija del cantante Antonio Prieto), regresa al país para ofrecer su tercer concierto solista, en el Teatro Oriente.

La novedad es la banda de respaldo de Clarke, formada exclusivamente por jazzistas nacionales que hoy estudian la música del brillante músico que se inició en el cuarteto eléctrico de Chick Corea en 1972, Return to Forever (por entonces, quinteto acústico).

Emilio García (guitarra), Christian Gálvez (segundo bajo), Sebastián Almarza (teclados, de Congreso) y Raúl Aliaga (batería, también de Congreso) lo acompañarán en una de sus últimas apariciones de la gira mundial de Clarke, que comenzó en junio pasado.

Entradas entre 8 mil y 25 mil pesos, dispoinbles en las boleterías del teatro y en sistema Ticketmaster.

Alex.-

Video de la Semana: Astor Piazzolla - Milonga del Ángel

2006-08-25T00:08:00.000-03:00

Al Maestro, con cariño...

Alex.-

Video de la Semana: Mike Stern Band - Tipatina's.

2006-08-16T00:33:00.000-03:00

Esta vez, una banda con virtuosos músicos del mundo del fusion-rock.

Mike Stern en la guitarra, monstruo de los riffs rockeros que junto a Dennis Chambers, asesino a sangre fría de tambores y platillos le ponen toda la potencia a este grupazo. En saxo Bob Fraceschini, que con su velocidad y sincronia se las arregla para ir a la par de estos otros dos musicazos. En Bajo un hombre al que admiro, Richard Bona, este tipo es un verdadero virtuoso, ya que a corta edad ya sabia tocar varios instrumentos del folcklor africano (su tierra madre), y luego de viajar por Europa y gringolandia, podriamos decir que se decidió a tocar el bajo electrico, pero sabiendo tocar a la perfección muchos más.

Visitaron Chile hace unos años en el marco del festival "Música junto al Río", hoy transformado en el "Festival Providencia Jazz".

Bueno señoras y señores, dejemos las palabras y vamos a la acción, con ustedes la Mike Stern Band.

Alex.-

Video de la Semana: Buddy Guy - First Time I Met The Blues

2006-08-08T00:05:00.000-03:00

El ultimo post de mi buen colega blogger Julio Martinich me inspiró a salirme un poco de lo q es netamente jazz, claro que conservando siempre el amor a esos ritmos nacidos de los lamentos de una vida ya olvidada de esclavitud y dolor, problemas de los cuales el Blues toma toda su potencia. Este "tio abuelo" del jazz nace de la musica Gospel, esos cánticos negros con que los esclavos pronunciaban los evangelios (de hecho gospel literalmente significa evangelio en inglés), y de los ritmos africanos que influenciaran, por no decir crearan gran parte de los estilos musicales tan variados que tenemos en el continente americano, desde las frias estepas de Alaska hasta la última punta de tierra del Cabo de Hornos.

Les dejo como video de la semana el que a mi gusto es el mejor bluesero con vida, el increible Buddy Guy entonando "First Time I Met The Blues", que crudamente sale de las seis cuerdas de su Strato "Polka Dots". Rescato sobre todo la fuerza que le imprime a una voz que no es la clásica aspera y gastada de conocidos blueseros, pero que con su sello se pone sobre muchos grandes.

Como dato, durante todo el año y hasta enero del próximo, se desarrollará el "Festival de Blues de La Reina".

Lugar: Centro Cultural de La Reina (Santa Rita Nº 1153 esq. Echeñique)
Fecha: desde 7 de julio de 2006 al 19 enero 2007
Horario: 21:00 hrs.
Entrada: $3.000 general, $2.500 estudiantes
Informaciones: 277 62 14 - 227 70 23, info@culturalareina.cl, www.culturalareina.cl

Este nuevo ciclo, que se realizará por séptimo año consecutivo, reunirá a las mejores bandas nacionales, y de sudamérica, quienes desarrollan distintas corrientes del blues. El Festival se extenderá hasta enero del 2007.

Programa:

-Viernes 11 de Agosto: Alex Rossi (Brasil)
-Viernes 6 de Octubre: Miguel Botafogo (Argentina)
-Viernes 10 de Noviembre: Vintage Blues (Chile)
-Viernes 19 de Enero: Jamm de Cierre.

Saludos a todos.

Alex W. Levine.-

Video de la Semana: Cierre acústico de Medeski Martin & Wood, Santiago de Chile.

2006-08-01T00:54:00.000-03:00

Había pasado ya casi dos horas cuando la velada llegaba a su fin.
Una explosión sonora con toda la potencia del mejor jazz electrónico del nuevo siglo.
En pocas palabras, "Medeski, Martin & Wood",
por primera vez en Santiago el pasado 24 de Marzo.
Cerraron con la calma acústica,
demostrando su maestría en todos los ambitos jazzeros.
Simplemente uno de los mejores conciertos a los que he asistido.
...Simplemente Jazz.

Alex W. Levine.-

Video de la Semana: Miles Davis & John Coltrane - So what

2006-07-25T17:48:00.000-03:00

Como extra a lo que ya posteo (dentro de lo que el tiempo me permite), espero poder mostrarles semanalmente buenos videos de jazz gracias a YouTube.

Esta semana, los magnánimos bronces de Davis & Coltrane con So What, un clásico del Kind of Blue, en una grabación del año 1958. Imperdible.

Para cualquier recomendación, alexwlevine@gmail.com

Salu2
Alex.-

2006-07-22T18:08:00.000-03:00

Festival de Jazz de Ñuñoa
"Cristián Cuturrufo Latin Funk"
Empieza a sonar la trompeta y el funk se cuela por las butacas del Teatro Municipal de Ñuñoa. Otra aparición más del soplido de Cuturrufo y una fiesta que queda como la mejor del año. Pero no es todo. También se aproximan diez apasionados críticos con vientos, piano, percusión, batería y toda una banda de ideales. Cristián Cuturrufo Latin Funk y Mediabanda para iluminar Ñuñoa en otra versión de su Festival de Jazz.

Viernes 28/7. Cristián Cuturrufo Latin Funk
Sábado 29/7. Mediabanda

ENTRADA LIBERADA
20 hrs.
Teatro Municipal de Ñuñoa (Irarrázaval 1564)

Stanley Clarke en Chile??!!

2006-07-21T20:12:00.000-03:00

He escuchado rumores de que a principios de septiembre estaría visitando chile ni mas ni menos que el monstruo de los sonidos graves (bajo eléctrico y acústico) STANLEY CLARKE. Si alguien sabe algo sobre esta noticia, por favor dejen sus comentarios. Ojalá no sea sólo un rumor.

Salu2,
Alex W. Levine.-

2006-07-12T17:33:00.000-03:00

Roger "Syd" Barrett
1946-2006

Syd Barrett, cofundador de Pink Floyd, falleció el domingo pasado a la edad de 60 años, anunció ayer una portavoz de la formación británica. Nacido en Cambridge en 1946, Barrett abandonó la banda en 1968, sólo tres años después de haberla puesto en pie, y tras haber grabado y compuesto –excepto un solo tema, acreditado a Roger Waters– The Piper At The Gates Of Down, uno de los debuts más impresionantes de la historia del rock, psicodelia palpitante, brillante y relampagueante: el marchamo irrepetible de su compositor, quien por su abuso del LSD basculó entre la lucidez dolorosa y el caos más estrepitoso.

En sus últimos conciertos con Pink Floyd, Barrett aparecía con la mirada perdida, vagando en algún punto entre el autismo y la esquizofrenia. Sabedores de su carisma de profeta alucinado, sus compañeros trataron de mantenerle al frente de la formación, a la manera de un Brian Wilson –líder de los Beach Boys, con quien el inglés compartió fronteras con la locura–, siquiera como muñeco roto portador de recuerdos maravillosos. Tal maniobra fue imposible en cualquier caso: el carácter errático y los cada vez más crípticos pasadizos por los que se deslizaba forzaron su marcha-expulsión definitiva. David Gilmour se convirtió entonces en miembro del grupo.

En adelante, la formación aseó su psicodelia, y si con Barret sus canciones ofrecían fulgores imprevisibles y abrumadores, en su nueva etapa sus compañeros se movieron en coordenadas menos audaces: megalómanos discos conceptuales, arreglos ampulosos y sinfonismo de pesada digestión. Desapareció, en suma, el genio, aprisionado en una fórmula –una de tantas– que cultivaron con fruición y autocomplacencia decenas de compañeros de viaje. Eran los futuros dinosaurios. La discografía de Pink Floyd ofreció sin Barrett momentos felices, pero la sombra libérrima y radical de éste ya no dejaría de planear sobre las nuevas canciones de la (no siempre, pero demasiado frecuentemente) fatua pretenciosidad del dúo Waters-Gilmour.

Sus compañeros, por supuesto, no lo olvidaron. Una de las muchas canciones legendarias de Pink Floyd, Wish You Were Here (Waters), está dedicada al antiguo compañero, entonces (1972) un ser fantasmal con sobrepeso y cejas rasuradas. Barrett también se acordó de sus viejos colegas, que colaboraron con él en algunos de sus discos en solitario –The Madcap Laughs, Barrett...–.

Fue el miembro más efímero de Pink Floyd, pero también el más interesante; a él pertenece, de hecho, el alma de su sonido. Músico atormentado, genio en sombras, ha sido objeto de un culto (no tan) subterráneo. Enfermo de diabetes desde hace años, vivió los últimos capítulos de su vida exiliado del mundo, al que le unían básicamente tres vínculos: su hermana (su medium con la vida real), la jardinería y la pintura. El genio oscuro ya no sueña mundos.

El Cutus Clan

2006-06-30T20:18:00.000-03:00

Por Francia Fernández, Diario La Nación (Domingo 16 de enero de 2005)

El trompetista Cristián Cuturrufo y sus tres hermanos se criaron escuchando el acordeón paterno y más de una vez durmieron en cajas de batería. En 1997 un incendio devastó la casa familiar con instrumentos e historia y ellos fundaron el Club de Jazz de Coquimbo. Nunca han parado de "sonar" y su intimidad refleja un estirpe alegre, talentosa y devota de la Virgen de Andacollo. Estuvimos en su mesa disfrutando del swing de una familia que lleva la música en la sangre.

Un cartel imponente señala el lugar preciso: Club de Jazz de Coquimbo. La cabellera frondosa de Cristián Cuturrufo se asoma a la puerta. "¿Quién me busca?", pregunta con desgano. Después advierte que no se le acerquen mucho porque comió jurel.
Es viernes por la noche. La presentación de este trompetista que fue nombrado Hijo Pródigo de la Región está por comenzar. Su padre, Wilson Cuturrufo, acordeonista, pianista y director regional de Cultura, y María Elena Contador, madre y "jefa máxima" de la familia, corren de un lado a otro afinando detalles. Uno a uno irán llegando los otros hijos, todos con una sonrisa en la cara.

"Mis primeras imágenes en el oído son del swing que tocaba mi papá. Estábamos 'condenados'. De chicos éramos los hermanitos Cuturrufo de Coquimbo. En las veladas del colegio yo (32) tocaba bongó; Rodrigo (36), guitarra; Marcelo (34), flauta dulce, y Carolina (30) cantaba. Después, en quinto básico, fuimos pasando uno a uno a la Escuela de Música de La Serena", recuerda Cristián.

Ahora, Rodrigo es etnomusicólogo, arreglador orquestal y encabeza, desde 1994, el grupo Vernáculo, en que todos se reúnen a cantarle a la Virgen de Andacollo. Marcelo estudió sonido y es el actual baterista de Alvaro Henríquez; Carolina, además de tocar la flauta traversa, es actriz. Y Cristián es considerado el mejor trompetista chileno de su generación.
El prefiere tomárselo con modestia. "He tenido más cobertura y ganado premios como el Altazor (2001), pero nunca me he sentido más. Si lleváramos la música al fútbol y acá fuéramos un equipo, desde mi mamá para abajo jugaríamos todos igual", aclara.

La jefa del clan Cuturrufo describe mejor a sus hijos. "Cristián es alegre y cocina rico, pero es muy desordenado. Y cuando hace asado, se come la mitad y a nosotros nos sirve después... Rodrigo es buen hijo, buen padre y estupendo músico, pero habla hasta por los codos. Marcelo es muy trabajador, pero medio mal genio. Carolina, estudiosa y respetuosa, pero si algo no le parece, se va pegando un portazo".

Otra característica "cuturrufiana" es que los varones son buenos para las 'tallas' rápidas y para los puñetes. "Yo fui pandillero desde los 12 hasta los 14 años, salía a pelear con linchacos y cadenas. Dejé la trompeta y me quedé repitiendo en primero medio. Una vez, en un festival le 'sacamos la cresta' a Alvaro Scaramelli, porque fue roto con mi papá. Pero ahora cuando nos encontramos, nos morimos de la risa", relata Cristián.

-¿Y cómo te enderezaste?

-Un día mi papá me puso como condición para ir a una fiesta que me aprendiera un solo: La Bamba. Me demoré 20 minutos. Y después me dijo: "ensaya, más adelante se te va a encender la ampolleta y me lo vas a agradecer". Al año ocurrió. Y aquí estoy... Me obsesioné con la trompeta, ensayaba 16 horas diarias. En matemáticas y castellano tenía rojos y legalmente repetí todos los años, pero en la trompeta, nunca me ha gustado ser número dos. Mi papá nos inculcó que fuéramos los mejores en lo que hiciéramos.

Lo confirmó el 2004, en una exitosa gira por Europa a la cabeza de Chile Jazz, agrupación que integran además Ignacio González (saxo), Carlos Cortés (batería), Federico Danneman (guitarra) y Rodrigo Galarce (contrabajo). También lanzó su cuarto disco, Jazz de Salón, un álbum de covers, a dos manos con Valentín Trujillo.

Aunque es bajito-bajito, Cristián se agranda en el escenario. En este caso, un círculo iluminado con una lámpara de lágrimas de principios del siglo XX, de la época en que el club era la casona de reuniones sociales de la familia Spencer y no el centro cultural que los Cuturrufo fundaron en 1998.

Unas cien personas siguen atentas el espectáculo. A un costado del escenario sorprende la figura de Matías, el hijo melómano de Marcelo, que con un movimiento de cabeza sigue, desde su silla de ruedas (sufre de una enfermedad neurológica), el ritmo de su padre y sus tíos. Definitivamente, son los genes...

FUEGO

En algún cruce de la carretera, entre Coquimbo y La Serena, un camino de tierra conduce hasta la parcela número 68. Es la casa 'matriz' de los Cuturrufo-Contador, una morada amplia pero sencilla de color burdeos, rodeada de los parajes donde Rodrigo, Marcelo, Cristián y Carolina se criaron entre ladridos de perros y otros sonidos que sólo ellos distinguen.

Es la hora de almuerzo del día sábado. Todo el mundo está trasnochado, pero aún hay ánimo para un pescado a la leña, especialidad culinaria de Cristián. Camino a la cocina está la Mechita, una anciana enferma que entró en la vida de la familia desde siempre. "Es una herencia. Todos saben que tienen que preocuparse de ella, es nuestra güagüa", cuenta María Elena, la dueña de casa.

En 1997, un incendio consumió la casa original de pino oregón, que medía 400 metros cuadrados. Fue un domingo en la noche. Marcelo salvó a la familia. Llegó en su camioneta y sintió olor a quemado. "El lugar era un infierno. Entré por la pieza del lavado y traté de humedecer la casa. Fui a sacar a mis papás, a mis hijos, a mi abuelo, a la Mechita, que no reaccionaba... Lo único que me faltó fue un perro, que se murió", detalla Marcelo.
"Cómo habrá sido que se fundió una tina de hierro que era de mi abuelo…Teníamos una flauta del siglo XVI que se quemó, violines, pianos. Perdimos una historia de 25 ó 30 años, en fotos y videos. En 10 minutos y medio todo desapareció, pero reafirmamos otras cosas", se lamenta Carolina.

Seis meses después fundaron el Club de Jazz y construyeron la nueva casa. De hecho, como cuentan por separado, al otro día hasta se reían y bromeaban. Marcelo terminó de construir su estudio de grabación a las cuatro de la tarde y lo vio hecho cenizas, en la noche. "Después del incendio, nos dieron una mediagua y la Onemi nos puso una carpa... Acá estamos, parados de nuevo", dice. Como resume Cristián: "Familia unida, jamás será vencida".

CHORO Y COQUIMBANO

Wilson Cuturrufo toma el acordeón y toca una melodía. Sus hijos no tardan en seguirle el ritmo. Es algo natural: siempre lo vieron dirigiendo orquestas. A los 9 años comenzó a tocar profesionalmente. "Cuando me hice conocido, todo el mundo me llamaba. Yo dije: me están pidiendo mucho, voy a tener que empezar a cobrar… Eso me ayudó a costearme los estudios de profesor", rememora el 'gran jefe'.

Crecieron escuchando tocar a su papá y más de una vez durmieron en las cajas de batería. "La música es algo que se traspasa solo, viene con el gen Cuturrufo. Mi hijo, Matías, escucha jazz todo el día y toca batería y acordeón, dentro de sus posibilidades. Mi otra hija, Ignacia, es baterista como yo", dice Marcelo.

Rodrigo, el mayor de los hermanitos Cuturrufo, es tan fanático que bautizó a su hija menor (percusionista), con el nombre de Ska. La otra, Jeruska, toca el clarinete. También se enorgullece de que su familia y él sean coquimbanos.

-¿O sea?

-Choros, mañosos, garabateros.

Carolina lo sabe bien: en el colegio, sus hermanos le espantaban a los pretendientes. "Recién a los 17 años pololeé", se queja. "Si un huevón quería acercársele, tenía que entenderse con los hermanitos Macana", reconoce Cristián.

En la mesa, las anécdotas abundan, sobre todo con unos hijos que, por lo visto, eran maldadosos y creativos… "Esto es medio cochino, pero una vez, no sé de dónde sacaron que a una perra (la Zucky), si le metían una aspirina en el poto, ella se iba a encender. Cristián le hundía la aspirina y le decía: 'prende luz' ", dice María Elena.

Cristián bromea con que si fuera portero del Club de Jazz, no lo "pescaría" nadie. "Todas las mujeres que he tenido las he conocido por la música", asegura. Igual que el padre.
A María Elena, Wilson Cuturrufo la conquistó "sin decir una palabra", hace casi 40 años, en un malón familiar. Ella es la única que no es músico, aunque, a través de los años, aprendió a darse cuenta cuando alguien desafina o si hay que subir un volumen o bajarlo.
En todo caso, en el Club de Jazz "cada cual atiende su juego". María Elena es la administradora. Marcelo tiene un estudio de grabación. Carolina es la directora de una escuela de teatro. Rodrigo piensa abrir un café. Y Cristián toca cada vez que puede. Para los casamientos venden un 'servicio' completo: la madre se encarga del banquete, el padre oficia de maestro de ceremonias y dirige a Los Mascott, orquesta 'cumbianchera' de la cual, por supuesto, participan sus hijos.

"En la casa, bailamos, cantamos todos y yo hago payas", cuenta Cristián. Y son sagrados los 18 y las navidades en familia. Aunque Rodrigo, cada vez más fervoroso (apenas acepten sacerdotes casados se hace cura), va hasta Andacollo, a saludar a la "negrita", como llama a la Virgen.

Cristián lleva al cuello una cadena gastada con su imagen. Son todos devotos. Y, hasta la fecha, le han dedicado dos discos.

En sus tierras, a los Cuturrufo les dicen el 'Cutus Clan', porque se mueven en grupo, y nadie sabe si eso tiene que ver con las raíces diaguitas o sicilianas que se le atribuyen al apellido. "A mí me gusta. Habla de una familia férrea. Establecimos una marca, pero también ayudamos al desarrollo de mucha gente. Siempre hemos tenido instrumentos y los prestamos para que otros aprendan", subraya Wilson Cuturrufo.

Y como buen grupo, no paran: el 2006 esperan inaugurar la Escuela Iberoamericana de Ciencias y Cultura de Coquimbo. Claro que aún no está decidido quién "tocará" qué...

Alex W. Levine.-

El Gigante del Saxo: John Coltrane

2006-06-23T17:02:00.000-03:00

Hay un antes y un después de Coltrane. Son muchos los músicos que incluso hoy toman como punto de referencia lo que este excepcional músico aportó al Jazz. Pero Contrane no es un artista que surge de la nada, con un estilo propio y ya innovador desde sus primeras grabaciones, muy al contrario, estamos ante un estudioso que con profundo respeto hacia los que le precedieron, pretende y consigue revolucionar no solamente la forma de interpretar, sino sobre todo la de transmitir cada una de las sensaciones que su privilegiada mente acoge.

William John Coltrane ("Trane") nace en Hamlet, un pueblecito de Carolina del Norte el 23 de septiembre de 1926. Es hijo de un sastre aficionado a la música y es en sus años escolares y en una banda de scouts cuando empieza a tocar el saxo alto. En 1943 su familia se traslada a Filadelfia donde obtiene una beca para estudiar música. En 1945 es movilizado por la Marina tocando en la orquesta de su regimiento en Hawai. A su vuelta trabaja en grupos de rhythm and blues con Joe Web, Big Maybelle, King Kolax y con la orquesta del saxo alto Eddie Vinson donde por primera vez toca como saxo tenor. De esta época guardo siempre Coltrane un buen recuerdo, reflejado posteriormente en "Countdown", que era una adaptación de una composición de Vinson ("Tune Up). Durante ésta época Coltrane profundiza en su conocimiento de Lester Young y Coleman Hawkins. Durante una gira por California conoce en una jam sesion a Charlie Parker, Red Callender, Erroll Gaener y al batería Harold West. En 1948 junto a los hermanos Heath (Al, Percy y Jimmy) forma parte de la orquesta del Apollo de Harlem.

Tras una gira por Chicago, Coltrane es despedido. En la segunda mitad de 1949, el saxo tenor Jesse Powell sugiere a Dizzy Gillespie que contratara a Jimmy Health quien acude a una audición preliminar acompañado de Coltrane, resultando ambos elegidos. En la orquesta de Gilliespie figuran Yusef Lateef (que inicia a Coltrane en el estudio de las religiones orientales), Bill Barron (que también le inicia en la práctica del yoga) y Charles Greenlee (que contraería después matrimonio con la prima de Coltrane (Mary). En la orquesta, la mayoría de los solos se encomendaban a Health, mientras que Coltrane actuaba en pocas piezas. Debido a graves problemas dentales producidos por la carencia de vitaminas y abuso de dulces, Coltrane se acostumbró a ingerir excesivas cantidades de licores que le aliviaran el dolor. En las Navidades de 1950, Gillespie disuelve su big band y forma un septeto con Jimmy Health y Coltrane (ya como saxo tenor). A comienzos de 1951 Health abandona el grupo, permaneciendo Coltrane definitivamente como tenorista. Es entonces cuando comienza a escuchar y aprender de Hawkins, Young, Dexter Gordon y Stan Getz, los músicos que junto a Sonny Stitt y Sonny Rollins más influyern en Coltrane.

Entre el 21 de noviembre de 1949 y el 1 de marzo de 1951, Coltrane realiza junto a Stan Getz sus primeras grabaciones como sideman, para los sellos Capitol y la Dee Gee.
En 1951 deja la banda de Gillespie y regresa a Filadelfia, matriculándose en la "Granoff School of Music" donde comienza a escuchar a compositores clásicos europeos (Debussy, Ravel, Stravinski y Bartók).

A comienzos de 1952 Coltrane entra en la orquesta de Earl Bostic con quien permance hasta 1953 y gaba algunos temas como sideman.

En 1953 entra a formar parte de la orquesta del saxo contralto Johnny Hodges que acababa de abandonar la orquesta de Ellington. En esta época Coltrane comienza a consumir narcóticos, consumo que supone, tras algunas grabaciones para la Verve, que en septiembre de 1954 tenga que abandonar la orquesta. En junio de 1954 conoce a Juanita "Naima" Grubbs, contrayendo matrimonio el 3 de octubre de 1955.

Pese a residir en Filadelfia, Coltrane se traslada muy a menudo a Nueva York trabajando en las sessions que se daban todos los lunes en el "Birdland". Tras ser recomendado por Red Garland, Paul Chambers y la tercera esposa de Parker (Doris), Coltrane entra en el quinteto de Miles Davis al que también pertenecía el batería Philly Joe Jones. El 27 de octubre de 1955 el grupo graba para Prestige el álbum "The New Miles Davis Quintet" y posteriormente "Cookim", "Relaxin", "miles Davis and the Modern Giants", "Miles Davis and John Coltrane play Richard Rodgers"... El quinteto de Davis tuvo un gran éxito del que se beneficiaron todos sus músicos. El grupo es contratado por Columbia grabando el tema "Sweet Sue", pieza que se incluyó en una especie de antología del Jazz organizada por Leonard Bernstein ("What is Jazz"), grabando posteriormente el femomenal "Round About Midnight". Es en el tema que da título al album donde Coltrane pone de manifiesto toda su genialidad con un "solo" que resume todos sus conocimientos. Pese a todo y al empeorar su salud, Coltrane abandona el grupo regresando a Filadelfia con su mujer. Aquí graba con Paul Chambers y Tadd Dameron el álbum "Mating Call".

En Junio de 1957 se traslada con su esposa a Nueva York donde empìeza a trabajar con Thelonious Monk. De esta colaboración Coltrane descubre un nuevo universo musical grabando "Thelonious Monk With John Coltrane" y "Monk´s Music".

El 15 de septiembre de 1957 Coltrane graba su primer álbum para la Blue Note, "Blue Train". Durante 1957 hasta abril de 1958, Coltrane trabaja muy intensamente, grabando "The Believer", "The Last Trane", Soultrane", Trane´s Reing" (todos ellos para Prestige).
En noviembre de 1957 Coltrane vuelve a grabar junto a Miles Davis ("Milestones", "Jazz Track", Miles and Monk at Newport"), grabando en 1958 y a su propio nombre "Black Pearls", Stardust", "Standard Coltrane", "Bahía" y "Coltrane Time" (grabado este último con Cecil Taylor y George Russell).

En 1959 empieza a interesarse con ocasión de un encuentro con el saxofonista "James Moody" por el saxo soprano y participa con Miles Davis en el fenomenal "Kind Of Blue". En este mismo año graba "Giant Steps" para el sello Atlantic. en 1960 Coltrane funda el núcleo de su futura actividad musical, el "John Coltrane Quartet", si bien también realiza grabaciones junto a otros músicos como en "Coltrane Jazz" (junto a Wynton Kelly, Paul Chambers, Jimmy Cobb, McCoy Tyner, Elvin Jones y Steve Davis). Profundizando en el uso del saxo soprano Coltrane gaba "My Favorite Things". En este año 1960 y en el siguiente, Coltrane es elegido por los lectores de "Down Beat" como el mejor saxofonista tenor. En 1961 se une al cuarteto Eric Dolphy con el que graba el álbum que marca el paso de Atlantic a Impulse, "Africa Brass". Siguió todavía para Atlantic la grabación de "Olé Coltrane", así como "Impressions".

En 1962 graba "Coltrane" y "Ballads" y pocos días después gaba junto a Ellington "Duke Ellington and John Coltrane". Todas estas grabaciones ponen de manifiesto el alto grado de madurez alcanzado por el saxofonista. En noviembre de este año, Coltrane inicia su segunda gira europea (la primera la realizó el año anterior bajo los auspicios del productor Norman Granz). A su vuelta, Elvin Jones tiene que ser ingresado para una cura de desintoxicación, siendo sustituido por baterías como Philly Joe Jones, Louis Haynes y Roy Haynes, si bien con ninguno llegó Coltrane a compenetrarse tanto como lo hacía con Elvin Jones, si bien fue con Roy Haynes con quien más a gusto se encuentra, grabando una estupenda versión en directo de "My Favorite Things" incluída en el album "Selflessness". En 1963 Coltrane abandona a su esposa Naima y se une a la pianista Alice McLeod.

En 1964 se acentúa el interés de Coltrane por la cultura y religiones orientales y graba el monumental "A Love Supreme". A esta grabación le siguen otras entre las que destacan "Kulu Se Mama" (donde aparece por primera vez Pharoah Sanders) y "Ascension". A continuación inicia una nueva gira europea en la que se empieza a resquebrajar la unión en su cuarteto debido fundamentalmente a las modificaciones que el grupo sufre con las intervenciones de voces nuevas como las de los tenores Shepp y Sanders y del batería Rashied Ali. McCoy Tyner deja el grupo y es sustituido por Alice McLeod, al igual que lo hace Elvin Jones, siendo definitivamente sustituido por Ali. La nueva formación en la que todavía figura Garrison graba en mayo de 1966 un álbum en directo en el "Village Vanguard" de Nueva York, y en julio durante una exitosa gira por Japón graba un concierto dado en Tokio.

Estamos en los últimos años de vida del saxofonista que al parecer había vuelto a abusar en el consumo de drogas. Poco antes de morir, Coltrane graba "Expression", uno de los discos más poéticos de toda su producción y que contrasta con las angustiosas "Interstellar Space" y "Stellar Regions" grabados todos en 1967.

El 16 de julio de 1967 Coltrane ingresa de urgencia en el "Huntington Hospital" falleciendo al día siguiente a las cuatro de la madrugada a causa de un cáncer hepático. En el funeral celebrado el 21 de julio en la "St. Peter´s Lutheran Church" ante una enorme multitud, intervinieron muchos músicos, como Albert Ayler y Ornette Coleman que tocaron durante toda la ceremonia.

Bueno, he dividido los temas en lo que yo considero las tres grandes etapas en el desarrollo musical de john coltrane, primero un tema de su era hard-bop, quizás la que muchos más aprecian de él, porque las otras son de mas difícil entendimiento. De acá "Blue Train", del disco homónimo de 1957 (su primer disco con Blue Note). En 2° lugar, de cuando coltrane ya había avanzado a una etapa que llamo "espiritual" (en donde entendia su música como una expresión de su fé y devoción a dios), el tema "resolution", del impresionante (y el mas vendido de Trane) "A Love Supreme". Antes de morir este gigante, su tercera etapa lo llevó por los caminos del Avant-Gardé y del Free-jazz (con una musicalidad eso si que ya se la quisiera Ornette Coleman), y de acá les presento el tema (y disco al mismo tiempo) de 38 minutos, "Ascensión (Edition I)", que si bien puede ser enmarcado también como espiritual, ya marac las tendencias free. Tal como lo dice su nombre es como que si la música cada vez flotara más, ojalá les de el cuero para escucharlo entero, no se van a arrepentir.

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Alex W. Levine.-

Lo que el viento nos dejó: Eric Dolphy

2006-06-17T02:15:00.000-03:00

(por Guillermo Bazzola, publicada originalmente por la revista "Clásica", marzo de 2001)

"Al escuchar música, una vez que terminó, se va con el aire. Nunca puede ser capturada otra vez".

Las palabras de Eric Dolphy resuenan como un eco del más allá en el instante final de Last Date, esa suerte de obra póstuma, su última grabación (no autorizada, por supuesto) que recoge una actuación en Hilversum, Holanda junto a un grupo de jóvenes músicos entre los que estaban el pianista Mischa Mengelberg y el baterista Han Bennink.

Dolphy había nacido en Los Angeles en 1928. Su debut discográfico se produjo en 1949, como miembro de la banda de Roy Porter, y durante los años siguientes, su actividad fue más bien errática. En 1956 grabó con el cantante Ernie Andrews en una orquesta dirigida por Benny Carter. Luego empezó a trabajar con la big band de Gerald Wilson, y recién abandonó la categoría de desconocido al ingresar al quinteto del baterista Chico Hamilton.

En 1958, el vientista Paul Horn, que había sucedido a Buddy Collette, dejó la banda. "Mi hermano Bernie, el Capitán Dobby de la serie Starsky & Hutch, me dijo que debía escuchar a este amigo suyo de la secundaria", recuerda Hamilton. Dolphy, ejecutante consumado de saxo alto, flauta y clarinete bajo, ingresó al quinteto, con el que aparece en la conocida película Jazz en una Noche de Verano, filmada durante el Festival de Newport.

Para Hamilton, Dolphy fue "uno de los músicos más dedicados que he conocido. La música fue su vida, y a veces la pasamos mal porque el público no estaba preparado para él". Estuvo en el grupo poco más de un año, y luego partió hacia la inevitable New York con la orquesta de Sy Oliver, que acompañaba a Sammy Davis Jr.

Allí empezaba otra historia. Además de comenzar su carrera solista, con el formidable Outward Bound, grabado en abril de 1960, Dolphy iniciaba una serie de sociedades con otros grandes músicos de la época: Charles Mingus, John Coltrane, Ornette Coleman, Oliver Nelson, Booker Little.

Con Little, un extraordinario trompetista y compositor de sólo 22 años, grabó en diciembre de 1960 Far Cry, un álbum fundamental que incluía Miss Ann, probablemente la más conocida de sus composiciones. Al año siguiente, en julio de 1961, aparecieron juntos en las célebres sesiones del Five Spot Cafe con Mal Waldron, Richard Davis y Ed Blackwell. La intempestiva muerte de Little en el mes de octubre, lo privó de uno de sus más cercanos colaboradores.

"Trane tomó pocas decisiones musicales importantes sin consultarlo primero", dice Bill Cole en su biografía de John Coltrane, quien era amigo de Dolphy desde principios de los 50's. Su manera de tocar era muy distinta: Coltrane fluido y Dolphy entrecortado y angular. Tal vez por eso se complementaban a la perfección. En mayo de 1961, grabaron Ole Coltrane, el último álbum de Trane para Atlantic y Africa Brass, la primera sesión para Impulse, ésta con el grupo de Coltrane (experimentando con dos contrabajos) y una orquesta arreglada y dirigida por Dolphy. A fines de ese año, se presentaron en las memorables sesiones del Village Vanguard, y poco después compartieron un tour europeo.

Charles Mingus lo integró a su grupo en 1960, y aunque de modo intermitente, siguieron tocando juntos hasta 1964. Grabaron varios discos, y uno de los momentos memorables es el dueto entre el contrabajo y el clarinete bajo en What Love, donde Mingus y Dolphy hacen hablar a sus instrumentos.

La colaboración con Coleman y Nelson no fue tan extensa. De cualquier modo vale la pena notar que su participación en álbumes tan importantes (y tan distintos) como Free Jazz y The Blues and the Abstract Truth no hace otra cosa que destacar la versatilidad de Dolphy para adaptarse a contextos disímiles sin perder nada de personalidad.

En sus tres instrumentos, Dolphy fue un maestro. Con el saxo alto, mostró inicialmente una fuerte influencia de Charlie Parker, pero a medida que crecía la figura de Ornette Coleman, fue asimilando las concepciones de libertad armónica, al tiempo que su sonido se tornaba cada vez más extrovertido. Con la flauta tenía un sonido depurado, y respecto al clarinete bajo, se podría prácticamente afirmar que lo inventó como instrumento para la improvisación moderna. Salvo esporádicas ejecuciones de Harry Carney (saxo barítono de la orquesta de Duke Ellington), a este instrumento anteriormente no se le había dado demasiada importancia.

Muchas veces se lo asocia con un estilo turbulento y por momentos hiriente, pero su capacidad para interpretar las baladas es inimitable, ya sea con el saxo alto en Tenderly, con la flauta en Glad to Be Unhappy, o con el clarinete bajo en God Bless the Child.

Su interés nunca se centró exclusivamente en la música de jazz, sino que abarcó desde las músicas folklóricas de Oriente y el Africa hasta la música académica contemporánea. Se dice que gustaba ejecutar la obra Density 21.5 del compositor Edgar Varèse, y estando en Darmstadt, Alemania, asistió a un curso dictado por el gran flautista italiano Severino Gazzelloni. A él dedicó el tema llamado precisamente Gazzelloni, incluído en Out to Lunch!, su obra maestra.

Es de imaginar que un músico con influencias tan variadas lograría cristalizar un sonido original. Eso fue lo que ocurrió con Dolphy, que e ahondó como pocos en la investigación del timbre instrumental y del fraseo en la improvisación. Sus ejecuciones tenían un sesgo expresionista, casi declamatorio, a veces de una profundidad desgarradora.

El 29 de junio de 1964, nueve días después de haber cumplido 36 años, murió repentinamente, al parecer víctima de un infarto, mientras se encontraba en un local en Berlín. Gil Evans cuenta su versión: "Eric Dolphy murió de una sobredosis de miel. Todo el mundo piensa que fue por drogas, pero él estaba obsesionado por su salud. Era diabético y no lo sabía. Comía nueces y se tomaba un par de tazas de miel todos los días, y eso lo mató. Entró en coma y nunca pudo salir".

Poco antes había aparecido en dos álbumes extraordinarios: su Out to Lunch!, con Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson, Richard Davis y Tony Williams, y Point of Departure, del pianista Andrew Hill, junto a Kenny Dorham, Joe Henderson, Davis y Williams. Nadie podría afirmar con certeza cuales hubiesen sido sus próximos pasos, pero Out to Lunch! lo presenta ya no sólo como un instrumentista excepcional sino también como un compositor de gran estatura.

En todo caso, sólo resta agradecer a los productores e ingenieros de sonido por haber estado en el momento justo, pero sobre todo al viento por haber tenido la generosidad de dejar de soplar oportunamente, y de esta manera contribuir a la perpetuación de la obra de un artista incomparable.

Para la escucha: 1° el tema "Miss Ann", que como ya dice arriba es uno de los mas conocidos de Dolphy, en donde se puede apreciar su calidad en la ejecución del saxo, muy seco y con rápidos cambios de melodías. El 2°, "Left Alone", es una hermosa balada en donde toma la flauta traversa para nuevamente deslumbrar con su potencia interpretativa. Estos dos temas son del disco "Far Cry", mientras que el 3° pertenece a su obra cúmbre, "Out to Lunch", hablo de "Gazzelloni", dedicado a su maestro y en el cual se ve cómo Dolphy se movia cada vez más hacia el avant-gardé, antes de que su repentina muerte cortara una promisoria carrera.

Discografía como Líder:

The Prophet (reunion de Outward Bound y Out There por Prestige, 1960).
Latin Jazz Quintet with Eric Dolphy (Prestige, 1960).
Others Aspects (Blue Note, sessions de 1960, 62).
Far Cry (Prestige, 1960).
Eric Dolphy At the five Spot vol.1 et 2 (Prestige, 1961).
The Berlin Concerts (Enja, 1961).
Stockholm Sessions (Enja, 1961).
Live at Gaslight Inn. (Ingo, 1962).
Iron Man (Enja, 1963).
Conversations (Affinity, 1963).
The Illinois Concerts (Blue Note, 1963).
Out To Lunch (Blue Note, 1964).
Eric Dolphy with the Misha Mengelberg Trio Last Date (Emarcy, 1964).
Eric Dolphy / Donald Byrd Unrealized Tapes (West Wind, 1964).

Discografía como Sideman:

Charles Mingus Mingus at Antibes (Atlantic, 1960).
Charles Mingus Charles Mingus presents Charles Mingus (Candid, 1960).
Gunther Schuller Jazz Abstractions (Atlantic, 1960).
Ornette Coleman Double Quartet Free Jazz (Atlantic, 1960).
Abbey Lincoln Straight Ahead (Candid, 1961).
Oliver Nelson The Blues and The Abstract Truth (Impulse, 1961)
Booker Little and his Sextet Out Front (Candid, 1961).
George Russel Sextet Ezz-Thetics (Riverside, 1961).
John Coltrane Africa / Brass (Impulse, 1961).
John Coltrane Olé Coltrane (Impulse, 1961).
Max Roach Percussion Bitter Sweet (Impulse, 1961).
John Coltrane Live at the Village Vanguard (Impulse, 1961).
John Coltrane The Complete Paris Concerts (BYG, 1961).
John Coltrane John Coltrane Live at Birdland featuring Eric Dolphy (Affinity, 1962).
Charles Mingus and his Orchestra Town Hall Concert (United Artists, 1962).
Freddie Hubbard and his Orchestra The Body and The Soul (Impulse, 1963).
Charles Mingus and his Orchestra Mingus, Mingus, Mingus, Mingus (Impulse, 1963).
Gil Evans The Individualism of Gil Evans (Verve, 1963).
Andrew Hill Sextet Point of Departure (Blue Note, 1964).
Charles Mingus Jazz Workshop : tous les enregistrements de la tournée de 1964 !

Alex W. Levine.-

Del Rock al Jazz: Bill Bruford's Earthworks

2006-06-04T11:49:00.000-03:00

Hablar de Bill Bruford es hablar de una leyenda viva. Este potente y experimentado baterista quizás no es reconocido por la mayoría de la gente por su trabajo en estilos jazzeros. Durante la década del ‘70 especialmente, y también en los ‘80 y ‘90, Bruford fue el baterista de las mejores y mas novedosas bandas del rock progresivo inglés, que vinieron a ponerle “cabeza” y virtuosismo a un rock simplista existente hasta ese momento. Conocí a este tremendo baterista través de King Crimson, el multi-cambiante grupo del virtuoso guitarrista inglés Robert Fripp. Me declaro fanático incondicional de King Crimson así que lo que diga no sería muy objetivo, pero el tipo era realmente increíble en los paños (les recomiendo el disco "Larks' Tongues in Aspic”). Antes había tocada en la exitosa y reconocida banda Yes, pero por intereses musicales se fue al rey carmesí, y por lo mismo es que dejó el rock hace ya un tiempo, esto porque en sus propias palabras el rock se había convertido en un negociado y aborrecía cuando la música se transformaba en otra cosa que no fuera una expresión artística.

Para mí fue una sorpresa saber hace ya un buen tiempo que el más importante batero de la escena progresiva se daba una tremenda vuelta para entrar en el jazz. Es que hay que decir que siempre ha existido el prejuicio de que los músicos de Rock sirven para eso y ya, y que el jazz requiere otro nivel de habilidades, mucho mayores a la de sonidos mas duros. Claro, yo no sabía que Brufford tiene en sus raíces un entrenamiento Jazz en la batería, y que luego se fue al rock… touché.

Acá es donde entra en escena el Bill Bruford’s Earthworks. Una clásica formación de jazz acústico (que para mi sorpresa ya lleva 20 años de existencia), compuesto por grandes talentos de la escena jazzistica del Reino Unido. A continuación les hablaré un poco de los integrantes 2005/06; Tim Garland (quizás el nombre que más suena) se apodera del Saxo Tenor y composiciones, reconocido mundialmente por haber tocado con Chick Corea, es un gran talento si se trata de escribir y componer música. Laurence Cottle en bajo eléctrico, otro “viejo conocido” en la escena rockera inglesa, cuyos trabajos van desde Black Sabath hasta Eric Clapton. En el piano el bebé del grupo, Gwilym Simcock, un virtuoso pianista de sólo 25 años, quien a su corta edad ya tiene en su currículum nombres como Kenny Wheeler, Tim Garland, Stan Sulzmann, Iain Ballamy, Julian Arguelles, Pete King, Don Weller y Steve Waterman.

Si bien los “trabajos terrícolas” de Bruford son netamente jazz, es inevitable sentir la influencia de sus años de desenfreno progresivo, sobre todo en sus discos más antiguos. Hay temas en los que se puede escuchar la influencia de Fripp en su música, una suerte de fusión que muestra finamente el lado progresivo, pero sin caer en algo mas rockero por parte del baterista (advertencia: acá no van a escuchar jazz-rock como lo hacen un John McLaughlin por ejemplo). En sus últimos trabajos con el Earthworks, se ha movido hacia las raíces del jazz, explorando por ejemplo en el disco en vivo “Footloose and Fancy Free” (2002) lo mejor del jazz acústico, muy bien grabado además. Este disco doble es simplemente excepcional, y si se lo pueden conseguir, háganlo (difícil en Santiago, o el DVD “Footloose in NYC” es otra buena alternativa). El saxo recuerda los mejores tiempos de un Wayne Shorter, un contrabajo impecable y un piano que arma el grupo. Realmente imperdible.

Dos temas, El acústico y movido que otorga su nombre al disco, “Footloose and Fancy Free”. Para Finalizar, “Triplicity”, en donde los que ya conoce al Bruford rockero podrán fijarse en la influencia progresiva que conduce el tema.

Alex W. Levine.-

La Escena Jazzistica de Chile en el Nuevo Milenio

2006-05-01T19:04:00.000-03:00

Por Iñigo Díaz
La generación cero-cero tiene a sus hombres claves instalados en el circuito del jazz chileno. Algunos tienen gran proyección. Otros, simplemente, ya son estrellas.

De la mano de la explosiva dupla formada por el trompetista Sebastián Jordán (22) y el tenorista Agustín Moya (22), una nueva camada de jazzistas con gran preparación ocupó los espacios en 2003 como el año de la partida para una condolidación definitiva. Sus nombres giraron permanentemente en torno a un recuperado circuito jazzístico, dando cuenta de que el recambio resulta hoy tan necesario como inminente.

Jordán y Moya han establecido un tándem con sello propio, a la vieja usanza de los años del hard bop. Ambos actúan en el sexteto La Tropa (del pianista y violinista Roberto Lecaros), el quinteto del guitarrista Nicolás Vera (22) y el colectivo acid jazz Alüzinati (de la cantante Anita Tijoux). Incluso es posible verlos charlando junto a sus instrumentos en algún bar del bohemio barrio capitalino de Ñuñoa. Su ensamble resulta evidente. Son las nuevas versiones criollas de las clásicas duplas Donald Byrd-Hank Mobley o Blue Mitchell-Junior Cook.

A ellos se unió un batallón de nuevos nombres. Nicolás Vera comenzó su 2003 con la publicación de “Fiasco contemporáneo” –uno de los puntos altos del año- y cerró la temporada con la incorporación a Los Titulares (del baterista Pancho Molina), como reemplazante de la experimentada guitarra de Pedro Rodríguez. El contrabajista Pablo Menares (21) se transformó en el eslabón del trío del refinado pianista Moncho Romero, al tiempo en que otro contrabajista, Roberto Lecaros Jr (25), ha demostrado gran polivalencia en el cuarteto del legendario Micky Mardones, el quinteto de Alfredo Espinoza (ambos saxofonistas alto) el trío del guitarrista Jorge Díaz y, por supuesto, número puesto en La Tropa, conjunto que dirige su padre. Félix Lecaros, hermano menor del anterior, pasó a ser el nuevo gran baterista de jazz, con sólo 23 años, y una trayectoria como profesional que supera las ocho temporadas. Actúa en el nuevo trío avant-garde del pianista Carlos Silva, el quinteto de Nicolás Vera, La Tropa, y en mil y un cancheo semana a semana.

Desde las big bands surgieron saxofonistas jóvenes que pronto serán líderes: Andrés Pérez (20), Cristián Gallardo (19) y Cristián Mendoza (20) alternaron las secciones de las orquestas con pequeños conjuntos bop donde pudieron demostrar su plusvalía. De la Conchalí Big Band, única orquesta de jazz con músicos adolescentes, de donde por cierto salieron estos tres saxofonistas, vienen avanzando con gran fuerza los contrabajistas Ivens Lobos (14) y Antonio Canales (13). Recién se inician en el jazz, pero ya manejan con personalidad los repertorios standards primarios.

Tras las bambalinas apareció el nuevo hallazgo del free jazz, el saxofonista alto de 21 años Edén Carrasco (miembro de Turangalila, Trío Payaya, Akinetón Retard y Pichanga Trío, y discípulo del pianista inglés instalado en Chile, Martin Joseph). De la misma manera en que los hermanos Diego Manuschevic (20, clarinete bajo y saxo alto) y Hugo Manuschevic (22, batería) aparecieron desde Boston para realizar magníficas sesiones de jazz liberado.

Un cuadro que suma y sigue con los ya experimentados bateristas de 23 años Daniel Rodríguez (del trío del guitarrista Mauricio Rodríguez y la cantante Laura Fuentes) y Carlos Cortés (del trío del pianista Mario Feito, el nuevo quinteto del trompetista Cristián Cuturrufo, el cuarteto de Nicolás Vera Cuarteto y Alüzinati), además de su emergente similar Andrés Célis (20). El 2004 será el año clave para la quinceañera saxofonista Melissa Aldana, más el guitarrista Armando Ulloa (25) y las cantantes Ammy Amorette (25, con un disco personal editado, “Primogénita”) Alexandra Inzunza (25) Andrea Pérez (25) y Carla Romero (24), quien también es pianista, e hija de otro teclista, Marlon Romero. El prolífico panorama se cierra con el guitarrista argentino Federico Dannemann, ya transformado en figura, cuya música se dirige hacia la tradición del jazz clásico.

Para amenizar la lectura, unos temas de la casi-nueva camada del jazz chileno del nuevo milenio:

Christián Galvez, el mejor bajista eléctrico de sudamérica lejos, y dentro de los cinco mejores del mundo (a mi gusto), y si señores, es mas chileno que las papas y el pisco (jajaja). Bueno, acá tocando el clásico de Coltrane "Giant Steps", no el típico Walkin', sinó que recreando las complicadas melodías que salían del Saxo del maestro, alucinante e imperdible.

Cristían Cuturrufo, el rock-star de los clubes de jazz, el famosísimo trompetista que tiene a todos pasmados con su tremendo poder de interpretación y ese cálido sonido pastoso y sucio que saca de su bronce, acá en un temazo, "El Himno", y esta vez en el contrabajo, nuevamente tremendo Gálvez.

Alex W Levine.-

Comentario de discos: "Riberas" (Paquito D’Rivera & Cuarteto de Cuerdas Buenos Aires)

2006-04-05T02:47:00.000-03:00

Cuando el jazz, el tángo y los sonidos doctos se juntan. Este disco publicado en el 2004 (bajo venta exclusiva en la Argentina) reune a un reconocido saxofonista cubano, pero que lo que hace mejor no es tocar el torcido cuerno de bronce, sino sacarle sonidos inimagniables a un extraño hace poco del jazz: el Clarinete. Así es, Paquito D’Rivera (Cuba, 1948) es uno de los más grandes clarinetistas hoy en día, no sólo del jazz, sino que también de la música clásica, ya a los 5 años sorprendía a todos como un gran prodigio musical, sumándose pocos años después a la orquesta sinfónica cubana, pero bueno, esto no es una biografía.

Bueno, como iba diciendo, D’Rivera (que además toca clarinetes chilenos, realizados en maderas nativas a manos de un luthier argentino) viene a encontrarse con sus raíces en este disco, “Riberas” (Latin Grammy 2005 al mejor Album de Música Clásica). Para ello se reunió con un destacado cuarteto de cuerdas que yo personalmente no conocía, el Cuarteto de Cuerdas Buenos Aires, integrado por Haydée Seibert Francia (Violín), Grace Medina (Violín), Marcela Magin (Viola), y Edgardo Zollhofer (Violoncello). No se hace cuanto que tocan juntos, pero créanme, suenan como un reloj suizo: sincronía perfecta entre estos cuatro y sus cuatro cuerdas respectivas. En el primer tema, Gabriel Senanes realiza una extraordinaria adaptación del tema clásico de Piazzolla “Concierto para Quinteto”, y con un D’Rivera que puede tocar igualmente las incendiarias notas tangueras que hiciera gritar desde su bandoneón Don Ástor, al igual que las sedosas melodías que reflejan la crianza clásica de Piazzolla. Excelente tema, con Oscar Carnero como invitado en Contrabajo.

El segundo tema, “Preludio y Merengue” es un poco más calmado, ahora poniendo a D’Rivera a comandar esta sincronía extraordinaria, juntos suenan como si ensayaran hace más de 30 años juntos. Se nota la influencia latina en esta gran composición clásica de Paquito.

Los próximos tres temas, compuestos en su totalidad por Gabriel Senanes, que en su unión crean la suite “Certeza Incierta (La Vida)” comienzan con un estruendoso ataque del cuarteto, dejando un solitario clarinete que pone escalofriantes melodías sobre esta línea casi armónica en el tema bien titulado “Hipertensión”, que fácilmente podría ser parte de la banda sonora de “Psycho”. Le sigue “Zambita Feliz”, acá esas estruendosas cuerdas se convierten en suaves líneas, pero que mantienen una buena continuidad con la primera parte de la suite. Cierra “Temas con Variación”, ahora el que suena fuerte es el cubanos y su viento, al que luego se unen las cuerdas en un casi estresante inicio, el cello es particularmente destacado en este tema, en donde el cuarteto alterna el toque con arco con el estilo de pulsar la cuerda (fingering), buen final para esta suite, que aunque demuestre la maestría de los cinco músicos, aburre a ratos, ya que cae a momentos muy repetitivos.

Cierra el disco una suite de cuatro piezas de un grande que no necesita presentación: Carl Maria Von Weber, con su “Quinteto en Si bemol Mayor para Clarinete y Cuarteto de Cuerdas”. Obviamente la composición es mejor que el tema anterior. En “Allegro”, el Cello pone la pauta armónica para el despliegue de los otros tres integrantes del cuarteto, y sobre todo el clarinete de Paquito, que alcanza increíble maestría en la ejecución de rápidas partes, en donde no pierde ni en un segundo la claridad de la totalidad de las notas. “Fantasía - Adagio ma non troppo” es quizás el tema más hermoso del disco, en donde delicadas notas surgen de los cinco maestros, en un tema casi melancólico a principio, que luego fluctúa hacia sonidos más alegres. “Menuetto - Capriccio presto” nuevamente saca el jugo al clarinete del cubano, que entra en una discusión sonora con el cello de Zollhoffer, afirmados en una delicada columna otorgada por las otras tres músicos, luego la viola pasa a comandar el tema otorgando una música mas cálida, retornando a continuación a los sonidos característicos del principio del tema. Para cerrar la suite y el disco, “Rondó - Allegro giocoso” pone a las cuatro cuerdas al son de un galopeo, para que D’Rivera suene con la mayor rapidez y claridad del disco, tocando notas muy altas.

No esperen mucho Jazz acá: recomendado especialmente para quienes gustan de la música docta, pero un buen apronte para aquellos fanáticos del síncope norteamericano que quizás quieren abrir sus oídos a sonidos nuevos, o por igual a aquellos fanáticos de Paquito D’Rivera que quieren escucharlo “en su salsa”.

Alex W. Levine.-

Como muestra: “Concierto Para Quinteto”, compuesto por Ástor Piazzolla, Arreglo de Gabriel Sananes, Óscar Carnero de invitado en el Contrabajo.

“The Jazz” desembarca en Santiago

2006-03-30T20:50:00.000-03:00

El próximo 13 de abril se abre The Jazz, un ciclo de conciertos de agenda mensual que, con una sola pausa en el mes de julio, llegará hasta fin de año cargado de un programa protagonizado por jazzistas de fama internacional y representantes del Nuevo Jazz Chileno.

“The Jazz” es un Ciclo de Música que pretende convertirse, más allá de una performance de excelente nivel, en un trabajo de reciprocidades y colaboraciones musicales:

La mayor parte de estas célebres visitas estarán envueltas en un Chilean Project, (CHP) formato inaugurado por el baterista Billy Cobham el año 2005 y extendido por el bajista Jeff Berlin (quienes se presentaran en Chile acompañados por sidman chilenos como Ángel Parra, Cristian Gálvez, Giorgio Varas, Jorge Campos, Andrés Pérez, Cristóbal Rojas, Pablo Paredes, Lautaro Quevedo, entre otros) y que continuará convocando estas y otras relevantes figuras de la escena local.

De este modo se prevén 3 o 4 días de intensas relaciones entre los músicos chilenos y sus pares foráneos; conciertos, clínicas, repertorio compartido (inolvidables las versiones de Gracias a la Vida de Cobham junto al CHP), experiencias que se suman al enorme cantidad de colaboraciones musicales de estos insignes músicos, a modo de breve síntesis: Mike del Ferro asiduo cómplice de Jack de Johnette y Toots Thielemans, Randy Brecker, recordamos Charlie Mingus, Jaco Pastorius y su hermano Michael y finalmente el percusionista brasileño Airto Moreira , músico de Miles Davis y próximamente de nuevo en gira con Chick Corea y Eddie Gómez.

Se comienza entonces con el trío del pianista Holandés Mike del Ferro, evento patrocinado por la Embajada de Holanda en Chile. Se trata de un particular proyecto ligado a la historia personal del pianista que, hijo del tenor Leonardo del Ferro quien trabajara con Maria Callas y habiendo vivido toda su vida en un mundo dedicado a la opera lírica, decide homenajearlo a través de un largo trabajo de arreglos desde la perspectiva del jazz. Nacen entonces dos álbumes donde Del Ferro recoge las más bellas Arias del “Bel canto Italiano” en elegantes versiones y a formato de trío.

Calendario de conciertos ciclo The Jazz

MIKE DEL FERRO trío

13 Abril - Teatro Oriente -

CHILEAN PROJECT / RANDY BRECKER

11 Mayo -Teatro Oriente -

CHILEAN PROJECT / AIRTO MOREIRA

Junio - Teatro Oriente –

CHILEAN PROJECT / MINO CINELU

Agosto

CHILEAN PROJECT / FRANK GAMBALE

Septiembre

CHILEAN PROJECT / (por confirmar)

Octubre

CHILEAN PROJECT / MIROSLAV VITOUS

Noviembre

Donde, Cuando y Como…

2006-03-22T03:57:00.000-03:00

Bueno, en esta oportunidad les aconsejaré algunos buenos lugares que conozco en Santiago para disfrutar de los ritmos sincopados. Clic en el título para ir a la página web de los clubes.

CLUB DE JAZZ DE SATIAGO

Un lugar creado y mantenido por músicos, que mas que un club es en realidad una escuela del jazz. El lugar no ostenta mucho, tiene un escenario no muy grande pero con la ventaja de tener un muy buen sonido gracias a la proximidad de las mesas. Se puede disfrutar de músicos de la vieja escuela (como los Santiago Stompers, Seis a la Dixie, Micky Mardones entre otros) y nuevas promesas del jazz (por ejemplo Melisa Aldana, saxofonista tenor de tan sólo 15 años). El menú no es caro, y las entradas fluctúan entre los 2000 y 4000 pesos, con tarifas especiales para estudiantes (presentar carné escolar) y tercera edad. Conciertos de jueves a sábado, siendo este último día un programa triple. Fono: 735 7962

BAR THELONIUS

Excelente lugar para disfrutar excelente música. Un amplio espacio que tiene mesas para poder comer lo mejor de un amplio menú, y una barra para poder beber algo mientras se escucha lo que toque esa noche. Música todos los días, de lunes a domingo, a precios más que convenientes, muy baratos, van de 1000 a 2000 pesos, raramente pasando ese límite los fines de semana como tope 3000 pesos. Si quieren entrar con tarifa estudiante, los mandan a unas galerías que están detrás del escenario, no lo hagan ya que se pierden el show. Muy buen sonido en todo el lugar, buena iluminación, el lugar más conveniente que conozco en cuanto a calidad-precio, y cuenta con renombrados músicos de vez en cuando (Cuturrufo, los Lecaros, Danneman, Dañobeitia, Menares, etc.) La contra, los shows no duran mucho. Equidistante del cerro San Cristóbal y el Río Mapocho se ubica Thelonious, el lugar del jazz de Bellavista. Bombero Nuñez 336, Recoleta, Fono: 735 7962.

EL PERSEGUIDOR

El mejor sonido que se puede conseguir, tanto así que ya se han grabado por lo menos tres discos en vivo en este escenario, entre ellos el de Cuturrufo “Recién salido del horno”. El lugar es más pequeño y muy recurrido así que si quieres ver a algún artista reconocido hay que llegar por lo menos 45 minutos antes para asegurar un buen puesto. Los artistas son de primera categoría. Destacan entre ellos la trompeta de Cuturrufo, Titae Lindl y Angel Parra, entre varios otros. Mientras que el valor de la entrada se mantiene parecida a lo que es el Thelonius, el menú es un poco mas caro, pero te aseguras un show de calidad, acompañado de platos de autoría y una buena selección de vinos. La mejor elección para cuando reciban la paga del mes. Shows de Lunes a Sábado, abren recién en la tarde. Antonia Lopez de Bello 0126, también en el Barrio Bellavista, reservas al 777 6763.

Bueno, visiten estos lugares para pasar un buen rato escuchando excelente música y disfrutando con los amigos, deliciosas comidas y tragos. Saludos!

Alex W. Levine

El mejor disco de jazz, así nomás.

2006-03-03T21:04:00.000-03:00

Son palabras mayores, pero quizás son pocos los que podrían discutir que “Kind of Blue” (1959) del multifacético y genio de la trompeta Miles Davis, no es el mejor disco de jazz de todos los tiempos. Es un disco obligado para cualquier amante de esta música, y debería estar en las colecciones de quienes quieren introducirse en el jazz, o simplemente en los estantes de quienes gustan escuchar de un buen disco. La formación es más estelar que la selección de basketball nacional de USA. En la batería, Jimmy Cobb; al piano Bill Evans; en el contrabajo Paul Chambers; en el saxo alto Julian “Cannonball” Adderley; en el Tenor el gigante John Coltrane; y en la trompeta obviamente el creador del Jazz Fusión y el astro del Bop, Miles Davis. Bueno, no hablo más porque NO SOY DIGNO!!!!! jajajajaja, y es que es un disco que merece palabras mayores, en realidad se podría escribir un libro de mil páginas sobre esta grabación, y aun no podria describir los 55 minutos de, como diría Cobb “un sonido salido del cielo”.

A todos aquellos que quieren iniciarse en el jazz, TIENEN QUE COMPRAR ESTE DISCO!, es la más obligada grabación para quienes se interesen aunque sea un poco en este estilo de música.

Bueno, acá una crítica de algún español atrevido, igual si saben ingles pueden encontrar una más especializada. Saludos!

Alex W. Levine.-

Miles Davis ha sido siempre uno de mis trompetistas preferidos. Fue irremediablemente reconocido su talento a principios de los 50 durante el periodo del "hot jazz".Su habilidad para manipular las notas agudas con esa rapidez nunca dejara de asombrarnos. Esto ocurre en canciones como "Four".Sin embargo no por su primera etapa de "hot jazz" lo mas recordado. Davis seguramente es recordado por este álbum, Kind of Blue, de 1959.

Kind of Blue cambiara la cara del jazz para siempre. Solo con los acordes menores y mayores, pero manejando increíblemente las escalas y creando infinitas posibilidades, nos muestra en los solos la gran habilidad que tiene este tipo. Brillantes improvisaciones en un cambio para bien (yo creo),un cambio que será motivo de que este álbum haya sido un éxito tan comercial y criticado.

Empieza con la canción universalmente aclamada "so what". Paul Chambers con el bajo tocando lento y la replica de Bill Evans al piano con acordes suaves desde el fondo. Despues de un minuto el bajo cambia el tempo de la canción...la batería...y aparece la genial trompeta de Davis, y Julian “Cannonball” Adderley y John Coltrane con el saxo. Con una melodía similar empieza también "Freddie Freeloader " pero pronto se rompe en un solo de piano de Wynton Kelly (es la única canción en la que Evans no está al piano)con mucha variedad de escalas y ritmos...luego Davis con otro expresivo solo fluyendo CON control e impresionando a todo aquel que le este escuchando. Cabe destacar los cambios tan dinámicos de esta canción asi como la actuación de Coltrane con el saxofón...termina con la misma melodía que empieza...
"Blue in Green " es la canción mas corta del álbum, dura sobre 5 minutos y medio pero eso no quita para que sea una de las mejores canciones del conjunto...Un sentimiento nostálgico para los amantes del jazz transmitido perfectamente por la trompeta de Davis y un loco control de la batería por parte de Cobb (uno de los mejores baterías que oí). Coltrane también se atreve con los solos aquí pero de una forma mas conservadora que en otras pistas. La acaba Davis de forma magistral.
"All Blues",un ritmo sólido de piano, bajo y batería, a los que luego se suman los saxos y la trompeta...Davis y Coltrane atacan con su habilidad mencionada del uso de las escalas, y muy buenas transiciones lentas en una muy buena pista.
Hay 2 versiones de "Flamenco Sketches",que son prácticamente iguales...la única diferencia esta en las improvisaciones de los solos. Continuas replicas de piano y bajo siguiendo la melodía marcada por la trompeta de Davis. Destaca la batería de Cobb y a Coltrane que de nuevo es impresionante...

Es simplemente un brillante álbum de jazz para todo el que le guste, sin olvidar que casi todos lo son en este genero. Innovaciones y creatividad en las composiciones de Miles Davis(compuso todas las canciones) y geniales solos...solo escúchalo y veras...

Fuente: Dooyoo

"So What", el primer corte del disco, temón.

"All Blues" Mi favorito y uno de los temas con mas covers q conozco.

2006-02-04T18:12:00.000-03:00

De vuelta en Santiago, así que espero postear algo dentro de los proximos días, sigan disfrutando las vacaciones, chau!

Alex.-

"Soy John Francis Pastorius III y soy el mejor bajista del mundo"

2006-02-02T05:23:00.000-03:00

Así se presentaba, ni más ni menos... Hubiese sonado soberbio si no fuera la pura verdad.

No existe fanático del jazz que no conozca a Jaco Pastorius. No hay bajista que no lo idolatre. Y es que Jaco vino a revolucionar el mundo del jazz, tanto en aspectos creativos de sus composiciones, como en la manera de tocar el bajo eléctrico. Antes de Jaco, el bajo no era un instrumento muy popular, en el jazz hasta ese punto había predominado el contrabajo. Bueno, eso en parte porque el Fusión recién nacía. El bajo y el contra hasta ese punto conformaban la parte rítmica del ensamble, es decir, eran los encargados de mantener cierta estructura armónica sobre las cuales la sección melódica (guitarra, bronces, piano) desarrollaban sus improvisaciones. Bueno, Jaco pescó su Fender JazzBass, y con una navaja sacó todos los frets (trastes) del instrumento, y desarrollando una manera única, novedosa y particular de trabajar el bajo fretless, permitió que tal instrumento participara melódicamente y alcanzara gran popularidad, incluso hasta el punto de ponerlo como solista principal de una Big Band (la Word of Mouth). Inspiro a todos los grandes bajistas de Jazz que existen hoy (Steve Bailey, Richard Bona, Victor Wooten, etc). Bueno, no hablo mas, fue una vida mágica pero caótica, para saber mas lean su biografía a continuación.

Alex W.-

Jaco nació en Pennsylvania, pero de chico se mudó a Fort Lauderdale, Florida, donde se crió y ya desde temprana edad integró diversas bandas escolares, en las cuales ya se destacaba tempranamente como baterista. De adolescente, sufrió un accidente haciendo deportes, lo cual le provocó una lesión en la espalda que le iba a impedir tocar la batería. Pastorius decidió entonces intercambiar los roles con el bajista de la banda en la que tocaba, llamada Las Olas Brass; aprendiendo el repertorio completo de la banda para su nuevo instrumento en tan sólo una semana. En 1974 comenzó a hacerse más reconocido cuando graba un notable disco acompañando al guitarrista Pat Metheny. Dos años después, grababa su primer disco solista, titulado Jaco Pastorius, aclamado por la crítica y por sus colegas, y que lo llevó a los primeros planos de la escena jazzística internacional. Muchos consideran a este disco como de escucha imprescindible para los bajistas de todos los tiempos, no sólo por la riqueza técnica y el virtuosismo presente en todos sus temas, sino también por la calidad y sensibilidad de sus composiciones.

Jaco era un fanático admirador del grupo de Jazz Rock Weather Report, habiendo, en años anteriores a su debut discográfico, "acosado" reiteradas veces al líder de dicho grupo, Joe Zawinul, para que le diera el puesto de bajista en la banda, con el argumento de que él era "El mejor bajista del mundo". Pese a la explicable resistencia inicial de Zawinul, finalmente Pastorius logró que escuchara una cinta con su música. Zawinul quedó muy impresionado. Al poco tiempo, el bajista de Weather Report de aquel momento, Alphonso Johnson, abandonó la banda y Zawinul le ofreció instantáneamente a Pastorius reemplazarlo.

Jaco tocó con Weather Report desde 1976 hasta 1981, probablemente la mejor época de la legendaria banda, que afortunadamente ha quedado registrada en varios discos grabados tanto en estudio como en vivo. También tuvo la oportunidad de realizar extensas giras por distintos países del mundo, entre ellas una legendaria actuación del grupo que tuvo lugar en Buenos Aires, Argentina.

Luego de dejar Weather Report, Jaco formó su propia banda, Word Of Mouth, con la cual también grabó varios discos y realizó numerosas giras hasta el año 1984. Notables músicos fueron parte de aquella banda, entre ellos el baterista de Weather Report, Peter Erskine, el trompetista Randy Brecker, el saxofonista Bobby Mintzer y el percusionista Don Alias.

A partir de mediados de la década del 80, Jaco comenzó a sufrir las primeras manifestaciones de trastornos mentales, y se lo diagnostica como maníaco depresivo. Las drogas que le habían recetado para tratarse le impedían concentrarse, lo adormilaban, lo que le imposibilitó componer; o peor aún, directamente le dormían los dedos, lo cual no le permitía tocar el bajo. Así que Jaco rehusó tratarse, cayendo en una espiral de conflictos familiares y conductas autodestructivas. Se volvió alcohólico, tomando por costumbre vagar por las calles y convivir con mendigos y vagabundos, de quien se haría amigo tocando para ellos. Incluso el famoso bajo Fender Jazz Bass que Jaco utilizó tanto tiempo desapareció luego de su muerte, pese a haber sido intensamente buscado, y se cree que sus amigos de la calle lo preservaron del mundo como una forma de homenajearlo, haciendo lo que ellos creían que él hubiera querido.

En 1987 Pastorius, en estado de ebriedad, intentó entrar por la fuerza a un bar, donde ya lo conocían como a un vagabundo que acostumbraba molestar y robar las propinas que dejaban los clientes. Un custodio del bar lo golpeó salvajemente, causándole heridas que días después le produjeron la muerte, lo que dejaría al mundo del jazz y la música con una congoja inmensa, por haber perdido a uno de sus más grandes exponentes de todos los tiempos.

Temazo: (Used To Be A) Cha-Cha , Jaco en el Fender Fretless, con Herbie Hancock en Piano y Hubert Laws en flauta, q mas se puede pedir??

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2006-01-28T13:59:00.000-03:00

Una muestra del disco de Kenny Garret

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Crítica de Discos: “Pursuance: the music of John Coltrane"

2006-01-28T09:40:00.000-03:00

Ya se ha hecho costumbre hoy en día en el vilipendiado mundo de la música emular a los grandes maestros. Lamentablemente a veces, por no decir casi siempre, este “emular” se convierte en “copiar”, y como ya es conocido en el séptimo arte, “las segundas partes nunca son buenas”, y es lo que suele ocurrir con los discos de tributos. Aún recuerdo un desastroso disco de tributo a King Crimson, banda de la que me declaro fanático a muerte, llamado “Schizoyd Dimension”, si es que lo llegan a ver por favor quémenlo. Bueno, esto suele pasar a mi gusto por dos razones:

1. Se trata de emular al artista al pie de la letra, y todos sabemos que el original siempre es mejor, sobre todo cuando hablamos de grandes músicos o bandas (como lo que pasa con el disco que ya nombré);

2. Los discos si bien rinden tributos, se alejan demasiado del estilo original, y por lo tanto alejan a los adeptos a tal grupo (por ejemplo todos los tributos que hace el “String Quartet”).

En “Pursuance: the music of John Coltrane” (1996), no ocurren ninguno de estos dos fenómenos tan comunes. En realidad es como un bicho raro dentro del mundo de los covers. Para hacerlo aún más complicado, Kenny Garrett decide hacer un disco para rendirle homenaje al virtuoso y mítico cuerno tenor de John Coltrane, quizás el saxofonista que mas ha influenciado a todas las generaciones posteriores de tales instrumentistas, revolucionando el mundo del jazz al inventar una nueva forma de tocar este bronce. El disco se mantiene a ralla dentro de los márgenes del hard-bop (que los hermanos Marsalis han sabido mantener a flote en su beta más pura, un estilo que parece percibir cada día más adeptos), presentando una cuota de frescura que lo diferencia de un hard-bop clásico mas de los ‘60-‘70.

El batallón: Kenny Garrett en el saxo alto, un músico que debo admitir no conocía antes de escuchar este disco y con el cual quede sorprendido. Como la mayoria de los saxos modernos, es inevitable escuchar la gran influencia del método de Coltrane en su sonido (a pesar de que Garrett cultiva el alto, mientras que Coltrane hacia de las suyas en el Tenor y Soprano), pero no cae en la copia: le imprime su estilo propio, fraseando suavemente cuando es necesario en ciertas baladas, con cambios de volumen que lo mantienen a uno despierto y atento a lo que vendrá después (“Equinox”). Tomando un tema clásico del maestro, de su monstruoso discazo “Giant Steps” e imprimiéndole el sonido free-jazz que cultivaría Coltrane en sus ultimos años (“Countdown”). En la guitarra el fructífero y virtuoso de la eléctrica Pat Metheny, un hombre que se mueve por variedad de estilos del jazz (digamos be-bop, Hard-bop, múltiples tipos de fusión, etc.) y que le pone un tono de frescura al disco, especialmente en el tema “Lonnie’s Lament”, en donde hace gritar a su guitarra como ya nos tiene acostumbrados en sus trabajos para caer en una catarsis junto a Garrett. En la batería Brian Blades, un hombre que sabe como pegarle a los tambores al mas puro estilo de un Max Roach o un Elvin Jones, es como un batero sacado de los años sesenta con una fuerza y soul novedosas por decir lo menos que brindan una columna rítmica perfecta al disco, junto al contrabajista Rodney Withaker, quien quizás es el punto mas bajo de la formación, sin aportar mucho en su instrumento, pero permite junto a Blades que haya un despliege melódico ideal en la otra sección de la banda.

En resumen, un disco que suena, llena y se agradece, que recrea clásicos de la cantera del mas grande saxofonista de todos los tiempos (junto a Charlie Parker, para no herir sentimientos) imprimiendo una frescura a estas joyitas del bop. Garrett, si bien suena a Coltrane, no toca “a lo Coltrane”, toca a lo Garrett, y esto permite tener un disco al que por fin le podemos llamar “un digno tributo”.

Pongámosle un 8/10, recomendable para los amantes del bop.

Alex Levine.-

Breve Historia del Jazz

2006-01-25T21:01:00.000-03:00

Bueno, en este nuevo blog espero poder publicar entrevistas, articulos, biografías y críticas de discos (tanto citadas como mías) acerca de todo lo que se relacione con el jazz y sus diferentes tipos, y que mejor forma de partir que con una pequeña historia de este sonido salido de las calles de Harlem.

Alex W.-

¿Cuándo comenzó el jazz? Es una pregunta que se mantendrá para siempre sin respuesta. La primera grabación de jazz se efectuó en 1917, pero la música existía por lo menos en su estado primitivo desde hacía 20 años. Influenciado por la música clásica, marchas, spirituals, work songs, ragtime, blues y la música popular de la época, el jazz ya era una forma particular de música cuando comenzó su documentación.

Es probable que el jazz fuera inicialmente interpretado por músicos sin educación musical que tocaban en bandas de marchas en Nueva Orleans. La música era una parte importante de la vida cotidiana de esta ciudad desde por lo menos la década de 1890, con bandas de bronces que se contrataban para tocar en desfiles, funerales, fiestas y bailes. Es plausible pensar que los músicos, que frecuentemente no leían música, no tocaban las melodías de manera continua, sino que le agregaban variaciones para mantener las actuaciones interesantes.

Puesto que el cornetista Buddy Bolden, el primer músico famoso en ser considerado jazzista, formó su banda en 1895, se podría usar ésa como una fecha simbólica del nacimiento del jazz. Durante las próximas dos décadas no existe documentación del jazz, si bien se sabe que progresó a pasos lentos. Freddie Keppard sucedió a Bolden como el cornetista de más prestigio de Nueva Orleans, pero fue rápidamente superado por King Oliver. Aunque algunos músicos de Nueva Orleans viajaron al norte, el jazz se mantuvo estrictamente como una expresión musical típica de Nueva Orleans hasta la primera guerra mundial.

El 30 de enero de 1917, un grupo de músicos blancos llamado, sin modestia alguna, The Original Dixieland Jass Band grabó "Darktown Strutter's Ball" e "Indiana" para el sello Columbia. La música se consideró demasiado revolucionaria para la época y no se publicó, sin embargo, dos meses después la ODJB grabó para el sello Victor "Livery Stable Blues" y "The Original Dixieland One Step", temas que tuvieron gran éxito. Otros grupos se unieron al movimiento y también comenzaron a grabar. Así el jazz se convirtió en moda, ya que los promotores vieron una oportunidad de ganar dinero fácilmente. Pasarían varios años antes de que se hicieran grabaciones de músicos negros. En ese tiempo comenzaron a oírse opiniones que mantenían que los blancos habían inventado el jazz. Más tarde surgió una corriente contraria, que existe hasta hoy, que apoyaba la idea de que el jazz era una música negra y que sólo los negros tenían el conocimiento, sentimiento y talento para tocarla. Se ha probado en muchas ocasiones que ambas posiciones son falsas.

En 1920, Mamie Smith grabó el primer blues, "Crazy Blues", y la moda del jazz fue reemplazada por la de los blues. Sin embargo, el jazz continuó progresando y los New Orleans Rhythm Kings, uno de los primeros grupos que tocaba improvisando solos, sonaba en 1922 como si llevara una década de progreso sobre los ODJB. El año 1923 fue de gran importancia, porque durante ese año hicieron grabaciones debut la King Oliver's Creole Band (la cual incluía en corneta a Louis Armstrong y en clarinete a Johnny Dodds), la cantante de blues Bessie Smith y el compositor y pianista Jelly Roll Morton. Aunque la banda de King Oliver se consideraba dentro de las más importantes de Nueva Orleans por sus improvisaciones en conjunto, sería Louis Armstrong quien tendría la mayor influencia y eventualmente cambiaría el jazz.

La movilización de los negros del sur de los Estados Unidos, buscando mejores condiciones económicas, también contribuyó a que a los músicos de jazz salieran de Nueva Orleans hacia otras ciudades del norte y oeste y, a principios de los años '20, Chicago se convirtió en el centro del jazz. Cuando Armstrong se unió a la banda de Fletcher Henderson en Nueva York en 1924, descubrió que los músicos neoyorquinos, aunque técnicamente superiores, con frecuencia tocaban en stacatto y sin la emoción de los blues. Armstrong , con sus solos dramáticos y explosivos en la banda de Henderson, tuvo una inmensa influencia al cambiar la manera de frasear solos, abriendo así nuevos caminos de improvisación. Se puede afirmar que Louis Armstrong fue el principal responsable (aunque es probable que hubiera ocurrido eventualmente) por el cambio del énfasis del jazz de improvisación colectiva a solos individuales, lo cual ayudó a la creación del swing.

En la década de los '20, el jazz comenzó a influir a las orquestas de baile y hasta los conjuntos más comerciales comenzaron a tener pequeños solos y secciones rítmicas sincopadas. La espectacular serie de grabaciones de Louis Armstrong y sus Hot Five y Hot Seven inspiró a otros músicos a crecer y al mismo tiempo popularizó el canto en scat y una manera relajada de frasear vocalmente las canciones, lo cual influenció a Bing Crosby y a futuros cantantes. Músicos como el cornetista Bix Beiderbecke, que tenía un sonido menos cálido que el de Armstrong, el pianista Jelly Roll Morton, tanto como solista o con su grupo Red Hot Peppers, el pianista James P. Johnson, el compositor y arreglador Duke Ellington y el emergente saxo tenor Coleman Hawkins, se transformaron en importantes fuerzas en el mundo del jazz.

Durante la segunda mitad de la década, las orquestas con mayor número de músicos y con base en el jazz se hicieron populares y la improvisación colectiva que distinguía el estilo Dixieland se encontró fuera de moda y restringida a pequeños grupos. Otro de los efectos de la Depresión fue desplazar al Dixieland casi completamente por más de diez años. El público no quería acordarse de la época desenfrenada de los años '20 y por algunos años prefirió las baladas y la música de baile. Sin embargo, cuando en 1935 repentinamente se hizo famoso Benny Goodman, una nueva generación demostró que lo que le interesaba era hacer lo que fuera para ignorar la Depresión y pasarlo bien bailando con orquestas de swing. El período de 1935 a 1946 se conoce como la era de las Big Bands, o grandes orquestas, que dominaron los rankings de la música popular. También en la misma década, el jazz fue una parte importante de la música popular, no sólo una influencia como lo había sido anteriormente. Glenn Miller y Artie Shaw vendieron millones de discos y Benny Goodman, Count Basie y Duke Ellington eran nombres reconocidos por el público en general.

Por esos años el jazz se desarrolló de varias maneras. Nuevos solistas, como los pianistas Art Tatum y Teddy Wilson y los trompetistas Roy Eldrige y Bunny Berigan, inventaron estilos alternativos. Los arreglos de las Big Bands se tornaron más sofisticados, el Dixieland revivió y fue redescubierto (la Yerba Buena Jazz Band de Lou Watters fue en parte responsable por este renacimiento), y se celebraba el jazz como una parte importante de la cultura norteamericana. Lamentablemente, esta era de oro de popularidad no duraría.

Como consecuencia de la evolución continua del jazz, fue tal vez inevitable que avanzara más rápidamente que las preferencias del público en cuanto a música popular. Al principio de los '40 muchos de los jóvenes músicos quisieron ir más allá de la música de swing y desarrollar sus propios conceptos. El saxofonista Charlie Parker y el trompetista Dizzy Gillespie fueron los fundadores principales de un nuevo estilo llamado bepob o bop, pero no fueron los únicos y docenas de otros se les unieron. Una de las características del bebop era introducir el tema rápidamente para luego iniciar las improvisaciones. Las armonías y ritmos se hicieron mucho más complicados y, más importante aún, la música que se tocaba era cada vez menos apta para bailar. Una huelga de grabación entre los años 1942 y 1944, un impuesto prohibitivo a los espectáculos - el cual hizo cerrar a muchos de los salones de baile- y la creciente acogida del público a los cantantes populares, condenaron a las Big Bands a su extinción. Al mismo tiempo, la eliminación de las pistas de baile en mucho de los clubes convirtió al jazz en una música estrictamente para ser escuchada. Al ser elevada a nivel de música de arte, el jazz se aisló del mundo de la música popular y su público disminuyó drásticamente, mientras otros estilos más simples se creaban para llenar el vacío.

Sin embargo, la decaída comercial no frenó el crecimiento artístico del jazz. El bop, inicialmente considerado un estilo revolucionario (la huelga de grabaciones no les permitió a muchos conocer su gradual crecimiento), se transformó en la parte más importante de la corriente del jazz al comenzar la década de los '50. El cool jazz, jazz de la costa oeste, que daba más énfasis a tonos y arreglos más suaves y que llegó a la cima de su popularidad a media década, y el hard bop (que incorpora los elementos de más sensibilidad del jazz [soul] descartados por los creadores y seguidores del bebop), fueron ramas del bebop que tuvieron sus aficionados. Pero con el surgimiento de la avant garde, o free jazz, la música improvisada experimentó el mayor salto, abandonando aún a más seguidores.

Cuando Ornette Coleman y su cuarteto se presentaron en el Five Spot en Nueva York en 1959, muchos aficionados que comenzaban a aceptar la música de Thelonious Monk quedaron perplejos. Ornette y su grupo interpretaban un tema en unísono y luego improvisaban muy libremente sin utilizar ningún acorde. Durante el mismo período, John Coltrane, quien había llevado el bop a extremos con el interminable número de acordes que usó al grabar "Giant Steps", comenzó a improvisar apasionadamente sobre vamps (acompañamientos improvisados repetitivos). La atonalidad percusiva del pianista Cecil Taylor debía tanto a la música clásica contemporánea como a los estilistas de jazz de épocas anteriores y los exagerados saltos de intervalos de Eric Dolphy eran completamente imposibles de predecir. El jazz avant garde había llegado.

A mitad de los '60 el free jazz estaba lleno de improvisaciones de mucha energía por medio de las cuales se exploraba tanto el sonido como las notas. Dentro de pocos años, cuando surgieron el Art Ensemble of Chicago y Anthony Braxton, el espacio en la música se utilizaba mucho más libremente y a fines de los '70 muchos artistas avant garde dedicaban más tiempo a integrar improvisaciones con composiciones complejas. La música ya no era una forma libre continua, sino que los músicos gozaban de libertad completa en sus solos para crear cualquier sonido que les pareciera adecuado. Aunque este estilo ha sido oscurecido por otros desde los '70, es todavía una opción viable para los improvisadores y sus innovaciones continúan influyendo indirectamente en la corriente moderna del jazz.

La década de los '70 se reconoce más bien como la era de la fusión, cuando muchos de los jazzistas integraron aspectos del rock , R&B (rhythm and blues), y música pop con su propia música. Hasta fines de los '60, el jazz y el rock se mantuvieron separados, pero con el surgimiento del teclado electrónico hubo mucha experimentación. Miles Davis, quien fue innovador en el bop, cool jazz, hard bop y su propia estilo de avant garde, estableció los patrones de la fusión cuando grabó "In a Silent Way" y "Bitches Brew". Se comenzaron a formar grupos que combinaban la improvisación y musicalidad del jazz con la fuerza y ritmos del rock. Dentro de los más notables están Return to Forever, Weather Report y Mahavishnu Orchestra. Ya en 1975 este movimiento comenzó a quedarse sin combustible artístico, pero debido a su potencial comercial ha continuado hasta hoy, frecuentemente en una forma aguada como mezcla del pop instrumental y recibiendo el inexacto nombre de "jazz contemporáneo" o "acid jazz".

La trayectoria del jazz de 1920 a 1975 fue de una constante evolución con nuevos estilos que quedaban fuera de moda dentro de cinco a diez años. En los '80 súbitamente se consideró aceptable dar tributo al pasado y acudir a épocas anteriores al bop para inspirarse. Aunque el Dixieland se ha mantenido bastante activo, casi de manera clandestina, por décadas (tuvo un auge de popularidad durante los '50), pocos de la tendencia principal del jazz moderno reconocieron su existencia o importancia antes de los '80. Wynton Marsalis, quien simbolizó la década, comenzó como trompetista inspirado en gran parte por la manera de tocar del Miles Davis de los '60. Eventualmente encontró su propio sonido al retroceder en el tiempo explorando la música de los maestros del pre-bop, y el resultado fue que, aunque tocaba nueva música moderna, Marsalis logró adaptar e interpretar de una manera original las ideas proporcionadas por el pasado distante.

Muchos de los jóvenes intérpretes que han seguido a Marsalis ignoran a la fusión y a las más importantes innovaciones del avant garde, usando sólo el hard bop como la base de su música. Es un acontecimiento realmente curioso que existan tantos músicos jóvenes que tocan con un estilo que tuvo su auge antes de que ellos nacieran, pero a mediados de los '90 muchos de estos Young Lions finalmente comienzan a establecer sus propias voces y construyen en base a las innovaciones de antaño.

Casi todos los estilos del jazz siguen activos en los '90, incluyendo el Dixieland, jazz clásico, pequeños grupos de swing, bop, hard bop, post-bop, avant garde y varias formas de fusión. El jazz ha pasado a ser una música realmente internacional, aunque su evolución se ha hecho más lenta durante los últimos 20 años. Hoy no es evidente la dirección en que irá el jazz en el futuro. Algunos cínicos piensan que la música ha llegado al final de su desarrollo, pero se puede apostar que mientras existan grabaciones, junto con la necesidad de auto expresión, el jazz sobrevivirá.

Bibliografía:

Del jazz de Nueva Orleans al jazz Rock, Joachim E.Berendt
Jazz. La canción tema de los Estados Unidos, James Lincoln Collier, Editoral Diana From Satchmo to Miles, Leonard Feather, Da Capo
Coltrane. Chasin' the Trane, J.C. Thomas. Da Capo
Cats of Any Color, Gene Lees, Oxford University Press
Miles, La Autobiografía, Miles Davis y Quincy Troupe, Simon and Schuster
Jazz People, Dan Morgenstern, Da Capo
Schwann Spectrum, Reference Guide to Rock, Pop, Jazz, etc., Schwann Publications
All Music Guide To Jazz, Miller Freeman Books

Discografía recomendada:

JELLY ROLL MORTON
Red Hot Peppers, Bluebird
NEW ORLEANS RHYTHM KINGS
The New Orleans Rhythm Kings & Jelly Roll Morton, Milestone
FREDDIE KEPPARD
Complete Heritage (1923-27) King Jazz
KING OLIVER
Complete Heritage Vols. 1-6, King Jazz
ORIGINAL DIXIELAND JASS BAND
First Jazz Recordings 1917-1923, Jazz Archives
SIDNEY BECHET
The Legendary Sidney Bechet, Bluebird
FLETCHER HENDERSON
The Fletcher Henderson Story: A Study in Frustration, Columbia
Hocus Pocus, Bluebird
LOUIS ARMSTRONG
Louis Armstrong & King Oliver, (1923-24), Milestone
Hot Five, Vol. 1, Columbia
Hot Five and Seven, Vol.2,3, Columbia
Louis Armstrong and Earl Hines, Vol.4, Columbia
Louis Armstrong in New York, Vol. 5, Columbia
From Big Band to All-Stars, (1946-56) RCA
BESSIE SMITH
The Complete Recordings, Vols. 1-5, Columbia
FATS WALLER
Piano Masterworks, Vols. 1-3, EPM Musique
The Joint is Jumpin', Bluebird
Fats Waller and His Rhythm: The Middle Years
ART TATUM
The Complete Pablo Groups Masterpieces, Vols. 1-8, Pablo
Solos, 1940 MCA
20th Century Piano Genius, EmArcy
COUNT BASIE
Essential Count Basie, Vols. 1-3, Columbia
The Best of Count Basie, MCA
C=MC = Count Basie+Neal Hefti Arrangements, Roulette
Count Basie at Newport con Jimmy Rushing y Joe Williams, Verve
April in Paris, Verve
BENNY CARTER
Further Definitions, Impulse!
All of Me, Bluebird
CHARLIE CHRISTIAN
The Genius of the Electric Guitar
(con Benny Goodman, Lionel Hampton, Basie, etc.), Columbia
COLEMAN HAWKINS
Body and Soul, Bluebird
The High and Mighty Hawk, London
BILLIE HOLIDAY
The Quintessential Billie Holiday, Vols 1-10, Columbia
Billie Holiday at Storyville, Black Lion
The Complete Decca Recordings Decca Jazz
The Complete Billie Holiday on Verve (1945-59), Verve
Latin in Satin, Columbia
BENNY GOODMAN
The Complete Trio and Quartet,
Carnegie Hall Jazz Concert, Columbia
The Birth of Swing (!935-36), Bluebird
DUKE ELLINGTON
Early Elligton (1927-34), Bluebird
The Blanton-Webster Band, Bluebird
Fargo, North Dakota,VIC
The Carnegie Hall Concerts, (1943), Prestige
Ellington at Newport (1956), Columbia
ELLA FITZGERALD
Pure Ella, Decca Jazz GRD
Ella and Louis y Ella and Louis, Again, Verve
Mack the Knife, the Complete Ella in Berlin Concert, Verve
Ella and Basie, Verve
LESTER YOUNG
The Complete Aladdin Sessions (1942-48), Blue Note
Prez Conferences (1946-58), Jass J-CD-18
Lester Young and the Piano Giants, Verve
Pres and Teddy, Verve
The Jazz Giants of ’56, (con Roy Eldridge, Teddy Wilson, etc.) Verve
With Oscar Peterson Trio, Verve
DIZZY GILLESPIE
At Newport (Big Band) Verve
Complete RCA Victor Recordings (1947-49), Bluebird
Roy and Diz, Dizzy Gillespie with Roy Eldridge, Verve
Shaw` Nuff, Musiccraft
Sonny Side Up, Verve Vol. 1, Blue Bird
CHARLIE PARKER
The Complete Savoy Studio Sessions, Vols. 1-3, Savoy
Bird and Diz Verve
Legendary Dial Masters, Vols. 1-2, Stash
Jazz At Massey Hall, Fantasy
Charlie Parker and Stars of Modern Jazz at Carnegie Hall (Christmas 1949), Jass J-CD-16
THELONIOUS MONK
The Genius of Modern Music, Vols. 1-2, Blue Note
Misterioso, Fantasy
Plays Duke Ellington, Fantasy
Straight, No Chaser, Columbia
The Best of Thelonious, Blue Note
CLIFFORD BROWN AND MAX ROACH
At Basin Street EmArcy,
MILES DAVIS
Birth of the Cool, Capitol
Miles Davis: Kind of Blue, Columbia
Miles Davis con Gil Evans Orchestra
Miles Ahead, Columbia
In a Silent Way, Columbia
Bitches Brew, Columbia
JOHN COLTRANE
A Love Supreme, Impulse!
Blue Trane, Blue Note
My Favorite Things, Atlantic
Giant Steps, Atlantic
Live at the Village Vanguard, Impulse!
DEXTER GORDON
Go, Blue Note
Our Man in Paris, Blue Note
Homecoming: Live at the Village Vanguard, Columbia
SONNY ROLLINS
Sonny Rollins Volume 1, 2, Blue Note
A Night at the Village Vanguard, Blue Note
East Broadway Rundown, Impulse!
The Bridge, Bluebird
Saxophone Colossus Fantasy
Way Out West, Fantasy
CHARLES MINGUS
Blues and Roots, Atlantic
New Tijuana Moods Bluebird
Black Saint and the Sinner Lady MCA/Impulse!
Mingus Ah Um, Columbia
ORNETTE COLEMAN
Free Jazz, Atlantic
The Shape of Jazz to Come, Atlantic
New York is Now, Blue Note
CECIL TAYLOR
Unit Structures, Blue Note
The Great Paris Concert, Black Lion
Silent Tongues, New World

Sugerimos también esta lista adicional de músicos de importancia - de la cual sin duda se nos escapan valiosos talentos - que deberían ser considerados en una buena colección de discos de jazz.

Henry “Red” Allen, Toshiko Akiyoshi, Chet Baker, Bix Beiderbeck, Art Blakey, Dave Brubeck, Don Cherry, Kenny “Klook” Clarke, Eddie Condon, Chick Corea, Eric Dolphy, Bill Evans, Gil Evans, Art Farmer, Tomy Flanagan, Errol Garner, Stan Getz, Johnny Griffin, Bobby Hacket, Charlie Haden, Lionel Hampton, Herbie Hancock, Woody Herman, Freddie Hubbard, Keith Jarrett, J.J. Johnson, Elvin Jones, Hank Jones, Thad Jones/Mel Lewis Band, Jo Jones, “Philly” Joe Jones, Stan Kenton, Lee Konitz, Gene Krupa, Jackie McLean, Branford Marsalis, Wynton Marsalis, Modern Jazz Quartet, Wes Montgomery, Lee Morgan, Gerry Mulligan, Fats Navarro, Red Norvo, Art Pepper, Oscar Peterson, Bud Powell, Django Reinhardt, Buddy Rich, Pee Wee Russell, Artie Shaw, Wayne Shorter, Sonny Stitt, Jack Teagarden, Clark Terry, Lennie Tristanto, McCoy Tyner, Sarah Vaughn, Weather Report, Chick Webb, Ben Webster, Teddy Willson, Horace Silver, Phil Woods.

ESTILOS DEL JAZZ

Ragtime. Aunque no es realmente jazz, ya que no tiene improvisaciones ni el enfoque de los blues, es un estilo que tuvo su auge en la última década del siglo IXX, influenció a todos los primeros estilos del jazz que surgieron después. El Ragtime se asocia más con música de piano, aunque también era interpretado por orquestas. Su síncopa y estructura, las que mezclan aspectos de la música docta y las marchas, insinúan el jazz, especialmente en algunas de sus melodías (Maple Leaf Rag), las que años más tarde serían interpretadas por músicos del estilo Dixieland. (Scott Joplin, Joseph Lamb, James Scott, Eubie Blake).

Nueva Orleans. Lamentablemente no existen grabaciones de la música que se tocó en Nueva Orleans desde fines del siglo pasado hasta 1917. Con el éxito de las grabaciones de la Original Dixieland Jass Band, es posible imaginarse cómo sonaba esa música. El jazz de Nueva Orleans era un estilo de música con una rígida estructuración de grupo, con papeles estrictamente establecidos para cada instrumento. Generalmente se destacaba el trompetista o cornetista, los que tocaban la melodía, con apoyo armónico del trombón, filigranas del clarinete y un ritmo constante establecido por la sección rítmica, la que normalmente estaba compuesta por piano, banjo o guitarra, tuba o contrabajo y batería. (Buddy Bolden, Louis Armstrong, Muggsy Spaniel, Kid Ory, King Oliver, Sidney Bechet, Johnny Dodds, Jelly Roll Morton, Baby Dodds).

Jazz Clásico. No todo el jazz de los años 20 puede describirse como Nueva Orleans o Dixieland. La década de los años 20 fue musicalmente muy rica, con las bandas de baile influenciadas por el jazz y un gradual énfasis en los solos, al contrario de las improvisaciones colectivas de los estilos anteriores. Gran parte de la música de los 20 se puede describir como Jazz Clásico, precursor del Swing. (Louis Armstrong, Bix Beiderbecke, Jelly Roll Morton, James P. Johnson, Bessie Smith).

Dixieland. Es un estilo que se superpone con el Nueva Orleans y el Jazz Clásico. También se conoce como Chicago jazz porque se desarrolló en gran parte en Chicago en los años 20. Típicamente, el marco incluye una improvisación colectiva durante el primer coro del tema, seguida por solos individuales con acompañamiento de los otros instrumentos, el cierre lo hacen todos los instrumentos interpretando el tema y una coda de 4 compases del baterista a la que responde el resto de la banda. (Louis Armstrong, Jack Teagarden, Eddie Condon, Kid Ory, Pee Wee Russell, Barney Bigard, Edmund Hall, Baby Dodds, Ray Bauduc, Paul Barbarin, Bud Freeman, Red Allen, Doc Cheatham, Wild Bill Davidson).

Swing. Si bien el jazz de Nueva Orleans se caracteriza por sus improvisaciones en grupo (ensembles), cuando el jazz se hizo popular en los años 20 y la demanda de bandas de baile creció, fue necesario que estos ensembles fueran pasados al pentagrama, especialmente cuando los grupos incluían a más de tres o cuatro vientos. Aunque el Swing se inició en gran parte cuando Louis Armstrong se unió a la banda de Fletcher Henderson en 1924 y Don Redman comenzó a escribir arreglos que respondían a las relajadas improvisaciones del cornetista , la era del Swing sólo comenzó “oficialmente” en 1935, cuando se hizo famosa la banda de Benny Goodman. El Swing fue una importante fuerza en la música popular de Estados Unidos hasta que terminó la era de las big bands, o grandes bandas, en 1946. El Swing se diferencia del jazz de Nueva Orleans y del Dixieland principalmente porque sus ensembles son más sencillos y normalmente llenos de frases repetitivas (riffs) que contrastan con las más sofisticadas improvisaciones de los solistas. (Duke Ellington, Buck Clayton, Benny Goodman, Roy Eldrige, Coleman Hawkins, Jo Jones, Beny Carter, Gene Krupa, Lionel Hampton, Harry James, Tommy y Jimmy Dorsey, Artie Shaw, Count Basie).

Bebop. También conocido como Bop, fue un nuevo y radical estilo que se desenvolvió gradualmente a principio de los años 40, explotando en 1945. La diferencia entre el Swing y el Bebop es que en este último los solistas usaban acordes, en vez de la melodía, para hacer sus improvisaciones, a menudo desechando la melodía después del primer coro. Los ensembles se hacían en unísono y la mayoría de los conjuntos tenían siete o menos músicos. Los solistas tenían total libertad en sus improvisaciones, siempre que éstas se ajustaran a la estructura de acordes del tema. Los músicos del Bebop eran virtuosos que tenían la habilidad de tocar tempi extremadamente rápidos y de manera prolongada. El Bop se desligó desde su inicio de la música popular y de un público al que le gustaba bailar, elevando el jazz a un nivel de música del arte y así desperdiciando la posibilidad de éxito comercial. Paradójicamente, el que inicialmente se consideró un movimiento radical se convirtió en la base para las innovaciones que surgieron posteriormente. (Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Thelonious Monk, Max Roach, Tadd Dameron, Ray Brown, Kenny Clarke).

Cool Jazz (o West Coast Jazz). Este estilo evolucionó del Bop a fines de los años 40 y a principios de los 50. Básicamente es una mezcla del Bop con ciertos aspectos del Swing. El estilo Cool Jazz eliminó las disonancias del Bop, suavizó su tono y redujo los acentos de la sección rítmica, dándoles un enfoque más suave. Al mismo tiempo se le dio más importancia a los arreglos. Como la mayor parte de los músicos que abrazaron este estilo eran de Los Angeles, es decir, de la costa oeste de Estados Unidos, también se llamó West Coast Jazz. A fines de los años 50 el Hard Bop de la costa este de EEUU reemplazó al Cool Jazz / West Coast Jazz. (Lester Young, Miles Davis, Lennie Tristano, Shorty Rogers, Shelly Mann, Gerry Mulligan, Chet Baker, Dave Brubeck, Stan Getz, Art Pepper, Gil Evans).

Mainstream. Describe el estilo adoptado por algunos músicos veteranos del Swing durante los años 50, quienes preferieron modernizar su estilo en vez de tocar Bop o unirse a bandas de Dixieland, aunque muchos lo hicieron para sobrevivir. (Lester Young, Coleman Hawkins, Buck Clayton, Harry “Sweets” Edison, Roy Eldridge).

Third Stream. Un término que describe una fusión del jazz con la música docta. Los ejemplos de esta mezcla de dos idiomas tan diferentes no han dado gran resultado. (Modern Jazz Quartet, Gunther Schuller).

Hard Bop. Es una extensión del estilo Bop, en gran parte ignorado por los músicos del West Coast Jazz. Las diferencias básicas entre el Hard Bop y el estilo Bop son varias: las melodías tienden a ser más simples y frecuentemente tienen más Soul (alma), la sección rítmica es más relajada y toca con soltura, el contrabajista no está obligado a tocar 4/4 (4 pulsos por compás: 1-2-3-4- etc.), y se utilizan elementos del Gospel (música religiosa de los Negros). (Art Blakey y los Jazz Messengers, Horace Silver Quintet, Clifford Brown/Max Roach, John Coltrane, Cannonball Adderley, Miles Davis, Lee Morgan, Jimmy Smith, Kenny Dorham, Red Garland, Wes Montgomery, Roy Haynes).

Free Jazz / Avant-Garde. Free Jazz es un estilo totalmente radical. La música ya no es una forma libre continua, sino que los músicos gozan de libertad completa en sus solos para crear cualquier sonido que les parezca adecuado. Aunque este estilo ha sido oscurecido por otros desde los ‘70, es todavía una opción viable para los improvisadores, y sus innovaciones continúan influyendo indirectamente en la corriente moderna del jazz. El Avant-Garde se diferencia del Free Jazz en que sus ensembles actúan dentro de una cierta estructura, aunque las improvisaciones en general son igualmente libres de las reglas convencionales. Obviamente existen elementos básicos que comparten ambos estilos, y gran parte de los músicos identificados como seguidores de un estilo incursionan en el otro. En las mejores actuaciones de Avant-Garde es difícil determinar cuando termina la composición y comienza la improvisación. (John Coltrane, Ornette Coleman, Don Cherry, Cecil Taylor, Eric Dolphy, Anthony Braxton, John Carter, De Blackwell, Paul Bley, Andrew Hill, Steve Lacy).

Fusión. Es un término usado de tal manera en los últimos 25 años que casi no tiene significado. Originalmente era una mezcla de las improvisaciones del jazz con el poder y ritmos del Rock. Cuando éste evolucionó y se tornó más creativo y la calidad musical de los músicos rockeros mejoró, y cuando muchos jazzistas se cansaron del Hard Bop y no les interesaba tocar exclusivamente música Avant-Garde o Free Jazz, los jazzistas y rockeros comenzaron a intercambiar ideas y ocasionalmente a unirse. (Miles Davis, Joe Zawinul, Herbie Hancock, Chick Corea, Jaco Pastorius, Lenny White, Dave Weckle, Wayne Shorter, Jean Luc Ponty).

Post Bop o Mainstream Moderno. Hoy es sumamente difícil caracterizar el jazz moderno. Gran parte de la música no encaja dentro de los estilos de su historia. No es tan influenciado por el Rock ni es tan libre como el Avant-Garde. Desde los comienzos de 1989, con el surgimiento de Wynton Marsalis, una nueva generación de músicos jóvenes ha decidido tocar un estilo actualizado del Hard Bop, también influenciado por la música del quinteto de Miles Davis de mediado de los años 60. (Wynton y Branford Marsalis, Wallace Roney, Cindy Blackman, Antonio Hart, Vincent Herring, Joshua Redman, John Scofield, Christian McBride, Bill Stewart, Javon Jackson).

Fuente: Puro Jazz